Elemental, formada por un conjunto de instalaciones experienciales realizadas por la artista en los últimos 20 años, invita a los espectadores a recorrer y a habitar una serie de “paisajes”, a la vez que estimula la reflexión sobre la identidad y las narrativas personales mediante un sereno despliegue de visibilidad, materialidad e historias sociopolíticas interconectadas. Junto a la nueva escultura Chorus (2020), la exposición reúne por primera vez varias de las obras escultóricas más importantes de Fernández, y la presentación de sus dibujos —piezas que rara vez han sido expuestas y que ofrecen una mirada más íntima a su práctica artística. Obras más recientes, como Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19) y Viñales (2015–19), abordan las complejidades políticas y sociales del paisaje. Elemental nos induce como espectadores a confrontar las nociones establecidas de quiénes somos mediante una comprensión más profunda de dónde estamos, proponiéndonos además un arte visualmente deslumbrante, con evocaciones del cosmos, lo subterráneo, los fenómenos naturales y la palpable belleza del mundo natural.
©2019 Pérez Art Museum Miami
INTRODUCCIÓN
FIRE (FUEGO)
Fire (2005) representa un anillo suspendido de colores, hecho con miles de hilos de seda teñidos que crean la impresión óptica de una llama que centellea. “En mis obras siempre trabajo con dos escalas que funcionan simultáneamente”, explica la artista. “La pieza de gran escala e inmersiva suele estar hecha de pequeños elementos acumulados que solo pueden captarse de cerca, en una relación mas íntima. Una pieza como Fire se revela progresivamente a medida que te acercas y te das cuenta de que el anillo de colores suspendido está construido con finos hilos de seda teñidos”.
En años posteriores la artista ha recurrido nuevamente a imágenes del fuego para proponer narrativas más urgentes e inquietantes. Fire (America) (2016–19), su serie más reciente, comprende varias obras que cuestionan cómo se formula la violencia en Estados Unidos según quién esté contando la historia. También es una referencia a las técnicas de tala y quema utilizadas por los pueblos indígenas para preparar y cultivar la tierra. La artista polemiza con el mito que presenta a América como una tierra virgen antes del contacto con los europeos, al explorar cómo los pueblos indígenas moldearon el paisaje de forma sofisticada pero de manera sostenible.
CRÉDITO DE IMAGEN
Fire, 2005. Silk, yarn, steel armature, and epoxy. Collection SFMOMA; Accessions Committee Fund purchase. Created in collaboration with The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia.
FIRE
En obras como Fire (America) 5 (2017) y Fire (America) 6 (2019), Fernández crea escenas nocturnas con teselas de cerámica esmaltada en colores saturados que representan paisajes consumidos por las llamas. Son evocaciones visuales de historias invisibles, borradas o deformadas, que han quedado omitidas deliberadamente en nuestra percepción de lo que definimos como “paisaje americano”.
Rodeando al espectador es Charred Landscape (America) (2019) otra instalación compuesto de “superficies terrestres” de carbón natural que va transformándose en trazos difuminados, hechos directamente en las paredes. Las dramáticas imágenes tienen un efecto casi cinemático, sugiriendo un paisaje panorámico que se disuelve en humo. El carbón empleado en la obra proviene de árboles quemados.
La obra de pared más grande de esta serie es Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19). Realizada con elementos de carbón que conforman el mapa de los Estados Unidos, la pieza emerge de un fondo de marcas de apariencia ahumada que representan un país que arde, que cae, que desaparece. Fernández comenta que:
La pieza inserta en el mapa el contorno de México, reconfigurado y reimaginado en un tamaño tan inmenso que su fantasmal presencia redentora comienza a disolverse en el cosmos, cerniéndose sobre Estados Unidos. La imagen chamuscada induce al espectador a contemplar y cuestionar la historia social de los Estados Unidos de América, país que ha monopolizado el nombre del continente (‘América’). En el resto del hemisferio occidental, el término se usa habitualmente en su forma plural, ‘las Américas’.
CRÉDITO DE IMAGEN
Fire (United States of the Americas) 3, 2017–19. Charcoal. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Beth Devillier.
GRAPHITE (GRAFITO)
El grafito se ha convertido en un material esencial para Fernández. Su escultura Drawn Waters (Borrowdale) (2009), hecha de grafito crudo y mecanizado, es una alusión a Borrowdale, un área rural de Inglaterra donde se descubrió el grafito en el siglo XVI, dando lugar al nacimiento de la industria del lápiz. Dice Fernández:
La idea de que el lápiz con el que dibujas pueda provenir de un paisaje físico, o la idea de que puedes estar parada en ese lugar y todo lo que pisas sea grafito sólido, me dio otra perspectiva sobre el acto de dibujar y el land art. Drawn Waters (Borrowdale) es como hacer una escultura que en realidad es un dibujo, una especie de mancha física, dimensional. De modo que el acto de dibujar, el objeto del dibujo y el paisaje físico se funden en una misma cosa. El ensamblaje de las partes de una escultura como Drawn Waters (Borrowdale) se convierte precisamente en el acto de hacer un dibujo.
De manera similar, Sfumato (2019) es una instalación inmersiva que se extiende por las paredes de la galería como un enjambre que se va disolviendo. Está hecha con miles de piedrecitas de grafito crudo; cada una de estas piedrecitas lleva dibujado un trazo sutil que emana de ella como una estela cósmica. La escala de Sfumato varía de lo íntimo a lo vasto, de la miniatura al panorama, dando la impresión de una constelación que se despliega en la distancia. De cerca, cada elemento de grafito se convierte en un diminuto y auténtico paisaje.
El empleo del grafito, material que se extrae de las capas subterráneas del terreno, puede apreciarse en otras obras de Fernández como la serie Nocturnal (2009–17), cuyos oscuros paneles en relieve evocan misteriosas escenas nocturnas. La obra explora, además, las cualidades escultóricas del grafito, material asociado comúnmente a los modos tradicionales de dibujo. Los paneles sugieren pinturas monocromáticas y minimalistas, pero gracias a la dimensionalidad del grafito tallado, pulido y colocado en capas, se va revelando lentamente una superficie de lustrosos paisajes en relieve.
CRÉDITO DE IMAGEN
Drawn Waters (Borrowdale), 2009. Natural and machined graphite on steel armature. Sfumato, 2009. Graphite and magnets, dimensions variable. Installation view: Lehmann Maupin, New York, 2009. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.
SUBTERRANEAN (SUBTERRÁNEO)
Inspirada en el surrealista e icónico paisaje rural del valle de Viñales en Cuba, la serie Viñales (2015–19) evidencia la maestría de Fernández al combinar materiales de la tierra con su enfoque conceptual sobre el lugar y la creación de imágenes. Instalada en una sala oscurecida, la escultura principal Viñales (Desnudo reclinado) consiste en formaciones rocosas de malaquita y bronce que caen en cascada sobre una serie de pedestales de hormigón fundido. El título sugiere las formas ondulantes de los mogotes del valle como si se tratase de un cuerpo femenino reclinado y la entrada a la habitación se transforma en un cuello uterino, abriéndose al interior.
Fernández recurre a sus experiencias personales para evocar el intrincado sistema de cuevas del valle de Viñales. Las cuevas de Viñales, que fueron ocupadas por los indígenas taínos antes de la colonización, se convirtieron más tarde en refugio de esclavos fugitivos –cimarrones– que huían de las plantaciones cercanas en busca de libertad y formaban pequeñas comunidades en las cuevas. A medida que los espectadores se introducen en la escultura inmersiva el paisaje sugerido se expande y contrae, induciéndolos a reconstruir visualmente la imagen y a ajustarse al tamaño de lo que están mirando.
Fernández utiliza rocas de malaquita traídas de la República Democrática del Congo por sus semejanzas con el vibrante verdor del valle. Esta elección del material le permite a la artista crear lo que denomina “paisajes superpuestos”. La malaquita, que proviene de un lugar real en el Congo, se emplea aquí para crear un lugar imaginado; en el proceso de creación emerge la relación colonial conflictiva, desde el punto de vista cultural e histórico, entre África y Cuba. La obra evoca la idea de que cuando desentrañamos el paisaje siempre estamos en más de un lugar simultáneamente. Los paneles circundantes de cerámica esmaltada revelan vistas subterráneas de aspecto mineral que refuerzan la imagen de las cuevas como lugares protectores, similares a úteros maternos.
CRÉDITO DE IMAGEN
Viñales (Reclining Nude), 2015. Wakkusu concrete. bronze, and malachite. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.
NIGHT WRITING (ESCRITURA NOCTURNA)
La serie Night Writing (2011) se inspira en la experiencia humana universal de mirar al cielo de noche para buscar información. “Como una gran valla publicitaria, el cielo nocturno siempre ha sido escrutado e interpretado en busca de revelaciones, dirección o guía”, dice Fernández. “Fue nuestro primer calendario, nuestro primer reloj, el lugar a donde los humanos siempre han dirigido su mirada buscando orientación y coordenadas”.
El título de la serie es una alusión a la “écriture nocturne” (escritura nocturna), un código creado a principios del siglo XIX que permitía a las tropas de Napoleón Bonaparte comunicarse durante la noche, en silencio y sin iluminación. El código también fuera precursor del sistema braille.
Cada una de estas suntuosas imágenes del cielo nocturno en la serie hechas con pulpa de papel, está cubierta de palabras traducidas al braille que se convierten, a su vez, en constelaciones de puntos perforados. Superpuestos a un espejo, los puntos captan el reflejo de los espectadores que se mueven frente a las obras, de forma tal que parecen parpadear como si se fuesen estrellas.
A su vez, piezas como Night Writing (Tristan and Isolde) (2011) y Night Writing (Hero and Leander) (2011) que contienen palabras crípticas o indescifrables, proponen una reflexión sobre el carácter efímero del lenguaje abstracto y el empeño de captar el contenido oculto dentro del texto invisible. Fernández explora a menudo este espacio sutil entre la ceguera, la visión y lo táctil.
CRÉDITO DE IMAGEN
Night Writing (Hero and Leander), 2011. Colored and shaped pulp paper with inkjet assembled with mirror. Made in collaboration with Singapore Tyler Print Institute. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.
GOLD (ORO)
La serie Golden (2013–15) ilustra de manera luminosa la especificidad conceptual de Fernández en su empleo de materiales extraídos de la tierra para conectar el cosmos con lo subterráneo, lo que está arriba con lo que está debajo. Las obras están realizadas con tinta china sobre superficies de cromo dorado. Refiriéndose a su exposición As Above So Below de 2014–2015, presentada en el Mass MOCA de North Adams, Massachusetts, Fernández ha comentado:
Me interesa mucho la idea del oro como fenómeno cultural dentro de las antiguas tradiciones mineras que se originaron en África, China y Mesoamérica mucho antes que las tradiciones europeas, que nos son más familiares. El oro está presente en todo el mundo, y a lo largo de cada período y cultura ha sido sinónimo del sol, la luz, lo radiante, los metales subterráneos conectados con sus contrapartes celestiales. Pero mi uso del oro es también una referencia muy deliberada a la colonización. La historia del oro como material es, siempre, la historia del paisaje en el continente americano, de la tierra, la conquista, el poder y, por extensión, de la aniquilación de los pueblos indígenas a causa de la codicia europea.
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Nishijin Sky, 2014. Silk, polyester, paper, nylon, brass, and aluminum. Made in collaboration with HOSOO, Kyoto, Japan. Courtesy the artist. and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Noboru Morikawa.
BORROWED LANDSCAPE (PAISAJE PRESTADO)
Al descender a la galería baja, la obra perforado, Untitled (Green), 2019, se suspende por encima de los espectadores reflejando el piso de abajo. El uso recurrente de superficies espejadas en piezas como Untitled (1997), Ghost (Vines) (2013) y Untitled (Round Light) (2019) devuelve dinámicamente el reflejo de los espectadores, activando las superficies de las obras e implicándolos como “espectadores dentro del paisaje.”
En la instalación Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue) (1998), diversos volúmenes escultóricos logrados con luces de colores, telas transparentes y madera permanecen suspendidos en una sala oscura, proponiendo una conexión entre la arquitectura, la escultura y la pintura. El piso de cada “habitación” está cubierto de miles de miniaturas dibujadas a mano que reproducen el diseño de jardines de setos del siglo XVII. Estos dibujos pueden leerse tanto como alfombras de una habitación interior o como vistas aéreas de un paisaje exterior; lecturas estas que se activan indistintamente en dependencia de la variación de las escalas. Como en un jardín verdadero, los espectadores pueden delinear el espacio mientras caminan a través del laberinto de volúmenes geométricos que se contraen y se expanden, generando vistas cambiantes.
CRÉDITO DE IMAGEN
Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue), 1998. Wood, fabric, oculus light, graphite, and paint. Originally commissioned at Artpace, San Antonio, Texas. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.
ACERCA DE LA ARTISTA
Teresita Fernández recibió en 2005 la Beca de la MacArthur Foundation, además de numerosas distinciones como la Beca Guggenheim en 2003 y el Premio Bienal Louis Comfort Tiffany en 1999. Nombrada por el presidente Barack Obama, fue la primera integrante latina de la Comisión de Bellas Artes de EE.UU., un panel federal creado hace 100 años para asesorar al presidente y al Congreso en materia de diseño y estética a nivel nacional. Su nuevo proyecto de arte público, Paradise Parados, se instalará en la azotea del Teatro Harvey en la Brooklyn Academy of Music en 2020. Entre sus comisiones recientes para sitios específicos se incluyen: Viñales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden (2019); Island Universe, Ford Foundation, Nueva York (2019); Autumn (. . . Nothing Personal), Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts (2018); Stacked Waters, Blanton Museum of Art, Universidad de Texas, Austin (2009); Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japón (2009), y Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle (2006).
CRÉDITO DE IMAGEN
Teresita Fernandez, Brooklyn, NY.
ACERCA DE LA EXPOSICIÓN
Teresita Fernández: Elemental está organizada por el Phoenix Art Museum y Pérez Art Museum Miami. Su estreno en el Phoenix Art Museum es hecho posible a través de la generosidad de la Fundación Ford, con apoyo adicional provisto por la fundación Diane y Bruce Halle, Virginia G. Piper Charitable Trust Exhibition Endowment Fund, Meredith y Charlie von Arentschildt, National Endowment for the Arts, y Lee y Mike Cohn.
EXPOSICIONES
Las exposiciones presentan por tiempo limitado el arte a través de los siglos, de todo el mundo, desde moda icónica a pinturas de los grandes maestros, desde fotografía contemporánea a objetos históricos del Asia.
MÁSCOLECCIONES
Las colecciones abarcan muchas culturas y períodos a través de más de 20,000 objetos en nueve campos de colección, que transportan el mundo a nuestra ciudad y nuestra ciudad al mundo.
MÁSCOMUNIDAD
Descubra obras de arte creadas por artistas de la comunidad a través de nuestra afiliación con Free Arts of Arizona (Artes Gratis de Arizona) y programas que apoyan a personas adultas que viven con demencia.
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