Oct, 19, 2021
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Barbara Kemp Cowlin: En sus propias palabras
Con base en Oracle, Arizona, Barbara Kemp Cowlin es una pintora cuyas obras actuales en acrílico combinan ricos colores y texturas para crear complejas imágenes inspiradas en espacios arquitectónicos. Sus cuadros son enérgicos y dinámicos, invitando al ojo a recorrer y explorar las líneas y curvas dentro de cada composición, al tiempo que anima al espectador a contemplar la imagen completa y vibrante.
Barbara obtuvo una licenciatura en grabado y una maestría en educación universitaria con especialización en grabado en la Northern Arizona University. Realizó estudios de posgrado en la Arizona State University en impresión tipográfica y encuadernación, y recibió la Beca de Artista Individual de la Adolph and Esther Gottlieb Foundation de 2019. Su obra ha sido expuesta recientemente en todo el Valle y en la ciudad de Nueva York y está incluida en varias colecciones nacionales e internacionales, como la Colección de Artes de la Ciudad de Phoenix; las Colecciones Especiales de la University of Arizona; el Baylor University Medical Center, Houston, Texas; y Edison & Sprinkles Architecture & Design, Vancouver, Columbia Británica, entre otras.
Aquí está Barbara Kemp Cowlin, en sus propias palabras, sobre sus primeras inspiraciones, su uso del color y su serie de obras más reciente.
“El color siempre ha sido lo primero que atrae mi interés—cómo la luz y la sombra afectan al color, la vibración entre los colores complementarios, cómo hacer que el color sea luminoso en un cuadro, cómo interactúan el color y el espacio…”.
Portrait of Barbara Kemp Cowlin in front of a painting in progress (Askew #101). Photo credit: James Cowlin.
PhxArt: Cuéntenos de dónde es y acerca de cuándo supo que quería ser artista.
Barbara Kemp Cowlin: Me mudé mucho cuando era niña, pero he vivido en Arizona durante toda mi vida adulta, a excepción de 2 años en los que viví en Melbourne, Australia, entre mi licenciatura y mi maestría. Flagstaff fue mi hogar durante 10 años, Phoenix durante 23 años, Ajo durante 2 años y Oracle durante 12 años.
Algunos de mis primeros recuerdos, cuando tenía 3 o 4 años, son de dibujar y querer hacer cosas. Mis padres siempre estaban desconcertados conmigo, ya que ninguno entendía mi necesidad de crear. Mi madre cooperaba y trataba de darme las herramientas y los materiales que quería—normalmente de forma inmediata, o me daba un berrinche. Yo quería hacer algo nebuloso y no tenía ni idea de qué forma tendría, así que mi madre se agitaba desesperadamente intentando complacerme. Hacía ciudades con cartones de leche y esculturas de nuestro perro y otros animales con arcilla. Mi pobre madre tuvo que averiguar dónde comprar arcilla y luego se dio cuenta de que había que cocerla y esmaltarla, porque la plastilina no era suficiente para mí. Recuerdo que una vez tuve que hacer un dibujo de un huerto de chabacanos en flor, en una ladera, desde la perspectiva de mirar hacia abajo. Para ello necesitaba pasteles al óleo y el papel adecuado para hacer lo que quería. Como no tenía ni idea de dónde conseguir estos materiales, fue necesario ir de un lado a otro. Una vez que encontramos lo que necesitaba, trabajé durante horas mientras mi madre leía un libro en el coche. No tengo ni idea de qué pasó con ese dibujo. No se me ocurrió que lo que estaba haciendo estuviera relacionado con algo tan extraño como ser artista. Simplemente me impulsaba a hacer cosas—algo de la nada. Era como una picazón que necesitaba ser rascada.
En la escuela secundaria, mi padre llevó a la familia a la Feria Mundial de 1964-65 en la ciudad de Nueva York. Me encantaron los aspectos visuales de las exposiciones, pero sobre todo la Piedad de Miguel Ángel—la de verdad. Se veía a través de una acera móvil (un nuevo invento de la época), y recuerdo haber hecho cola y haberme subido a ella una y otra vez, asombrada por la calidez y el resplandor que emanaba del mármol. Mis padres tuvieron que arrancarme. Nunca he olvidado lo que sentí al contemplar esa obra maestra.
Tuvieron que pasar dos años de clases al azar en la universidad para que me diera cuenta de que ser artista era lo que necesitaba hacer con mi vida. Me especialicé en arte en mi tercer año, y desde entonces, he vivido mi vida trabajando en profesiones relacionadas con el arte, haciendo arte y teniendo el arte como centro de mi vida, además de mi familia.
Barbara Kemp Cowlin, Askew #101, 2021. Acrylic on panel. Photo credit: James Cowlin.
PhxArt: ¿Qué la inspira a crear?
BKC: Me siento a gusto en mi propia piel cuando hago arte, cuando miro arte, cuando hablo de arte. Me inspira estar en mi estudio, rodeada de mis obras en curso, con todos esos materiales de arte al alcance de la mano. Me inspiran mis libros de arte, mis amigos artistas y los museos y galerías de arte. Como persona de 70 años, también me siento impulsada a aprovechar cada minuto, para dar impulso a mi carrera artística.
PhxArt: ¿En qué medios prefiere trabajar?
BKC: Como estudiante de grabado, me encantaban el intaglio y la litografía. Los procesos me fascinaban y me encantaban los aspectos del dibujo. Me centraba en la creación de narrativas figurativas. Sin embargo, cuando me gradué, me pasé a la pintura porque ya no tenía acceso a los equipos de grabado.
Aprender a utilizar pinturas acrílicas fue un proceso muy duro hasta que empecé a utilizar pinturas de calidad profesional. Ahora, me encanta usar acrílicos. Como educadora artista de Golden, he recibido una formación intensiva en el uso de productos acrílicos. El acrílico ofrece una gran libertad, ya que prácticamente no hay reglas para utilizar los distintos medios, geles, pastas y texturas. Construyo mis superficies y si (cuando) cambio de opinión, simplemente añado otra capa o lijo una zona. El dominio de los materiales me libera para conseguir los efectos que quiero sin interrumpir el flujo de trabajo— simplemente cojo lo que necesito sin pensarlo.
Barbara Kemp Cowlin, Askew #108, 2021. Acrylic on panel. Photo credit: James Cowlin.
PhxArt: ¿Cuáles son algunos de los temas que explora en su obra?
BKC: Durante los últimos 4 años he estado trabajando en una nueva serie. Este nuevo grupo de pinturas se inspiró en una consulta con la artista Barbara Rogers. Ella me dio varios encargos, que me desafiaron a ampliar mi trabajo en una nueva dirección que finalmente se convirtió en la serie Askew (Torcido). Estas obras combinan la fluidez del agua con la dureza del entorno construido, oscilando entre la abstracción y el realismo. A medida que he ido trabajando, las pinturas se han ido centrando cada vez más en el color y en adiciones imaginativas a un marco básico inicial. Las pinturas abordan la dicotomía entre realidad y fantasía. Representan mi reacción a las contradicciones de la vida y al modo en que las circunstancias pueden cambiar en un instante.
Las pinturas se sitúan en el límite entre la felicidad y la ansiedad. Las paredes implican solidez. Las esquinas sugieren la incertidumbre del futuro. Los opuestos coexisten: formas de colores sólidos versan sobre las texturas, bordes duros frente a los irregulares, y ángulos en los que hago contrastar la perspectiva precisa con la inexacta. Estas incoherencias se relacionan con las incertidumbres de la vida. Utilizo la resolución de problemas en mis pinturas para avanzar.
Antes creaba pinturas basadas en tres temas: primero, el paisaje del suroeste, luego los detalles arquitectónicos y, después, las pinturas de agua.
Mi marido es fotógrafo, así que muchas de nuestras vacaciones, entre finales de los años 80 y principios de los 90, se centraban en lugares que él quería fotografiar. Poco a poco, empecé a ver el paisaje de forma diferente y a experimentar con la pintura de paisajes. Esto se convirtió en una serie de larga duración.
Entonces, un día, mientras estaba en el Phoenix Art Museum, me fijé en esta extraña visión, parecida a una nave espacial, de una especie de ventana invertida en el rellano de una escalera. Me llamó la atención lo suficiente como para tomar una instantánea. No podía quitármela de la cabeza, y ésta fue la primera de una serie de pinturas que llamé Nooks & Crannies (Rincones y grietas) de lugares que se pasan por alto en los espacios públicos. Estas obras son pinturas realistas de detalles arquitectónicos, muchos de los cuales se inspiraron en detalles dentro y fuera del Museo, pero también de toda el área metropolitana de Phoenix.
Durante los viajes que realizaba con mi marido, empecé a fijarme en el agua—lagos, charcos, ríos. La efimeridad y el modo de captar estos temas empezaron a intrigarme y representaban un cambio drástico con respecto a la solidez del entorno construido. Empecé a experimentar pintando el agua y disfruté tanto del reto que se convirtió en otra serie de larga duración.
Con cada nueva serie, soy capaz de incorporar lo que he aprendido, mejorando mi capacidad para lograr mi visión. Y en ocasiones, vuelvo a series anteriores cuando me siento inspirada para volver a ellas.
PhxArt: ¿Cuáles son sus mayores influencias artísticas?
BKC: Algunas de mis influencias artísticas son varios de mis maestros—Robert Frame, Bruce Horn y Nancy Reyner. Las pinturas de mis amigos artistas Merrill Mahaffey y Barbara Rogers también me han influido, así como los inestimables consejos de Sharon Louden sobre cómo desenvolverse en el mundo del arte. Mi marido, el fotógrafo James Cowlin, revolucionó mi forma de ver el paisaje a través de su fotografía, lo que se refleja en varias de mis series y se traslada al resto de mi obra. Las estanterías de libros de artista también revelan algunos de los artistas en los que me he inspirado. Son demasiados para enumerarlos, pero los primeros son Howard Hodgkin, Dorothy Fratt, Richard Diebenkorn, Joan Mitchell, Elizabeth Murray y Agnes Pelton.
Barbara Kemp Cowlin, Askew #106, 2021. Acrylic on panel. Photo credit: James Cowlin.
PhxArt: ¿Qué motiva el uso de la abstracción en su obra?
BKC: El uso de la abstracción es bastante nuevo en mi práctica artística. Cuando empecé mi serie más reciente, me di permiso para jugar con el espacio, las formas y los colores una vez que tuve un marco básico derivado de las fotos de referencia. Poco a poco, las pinturas se han ido alejando cada vez más del realismo y reflejan el interior de mi cabeza. Tengo la sensación de que todo el trabajo que he hecho en el pasado me ha llevado en esta dirección, y es muy emocionante. El color siempre ha sido lo primero que atrae mi interés—cómo la luz y la sombra afectan al color, la vibración entre los colores complementarios, cómo hacer que el color sea luminoso en un cuadro, cómo interactúan el color y el espacio, la forma en que añadir un color junto a otro hace que todo lo que lo rodea cambie. Me encanta combinar colores extraños entre sí para ver qué ocurre. Lo inesperado me mantiene motivada.
PhxArt: ¿Hay algunas obras o series está trabajando actualmente o que ha presentado recientemente?
BKC: Mi serie actual Askew ha sido incluida en varias exposiciones en Arizona, incluyendo una exposición individual en la Eric Fischl Gallery del Phoenix College, una exposición de dos personas en el Chandler Center for the Arts, y exposiciones colectivas en la Garvey|Simon Gallery y The Painting Center, ambas en la ciudad de Nueva York. Actualmente, tengo obras en Color Play, una exposición de cinco mujeres producida por la Garvey|Simon Gallery de Nueva York, y en XSCAPE: Landscapes, Cityscapes, Mindscapes en FOUND:RE Contemporary de Phoenix. Las próximas exposiciones programadas son una de dos o tres personas en la First Studio Gallery de Phoenix en diciembre/enero y una de cuatro personas en la Olney Gallery de Phoenix en marzo de 2022.
PhxArt: ¿Qué consejo le daría a lxs artistas emergentes?
BKC: Prepárate para el largo camino—es una vida de trabajo duro con objetivos siempre cambiantes.
Sólo puedes dedicarte a las artes si estás motivado. El talento es abundante, pero el impulso es lo que hace resaltar a la gente entre la multitud.
Busca trabajos que estén relacionados de alguna manera con las artes, por muy remota que sea la conexión. Con el tiempo, todas tus experiencias diversas alimentarán tu arte.
Atiende al aspecto empresarial del arte desde el principio. Hay montones de buenos libros y recursos en línea. No te demores: ¡es más difícil!
Ten siempre algo en lo que trabajar, por pequeño que sea.
Empieza algo nuevo antes de terminar tu trabajo actual para evitar ese agujero oscuro de no saber qué es lo siguiente.
Crea una comunidad de artistas que te apoyen—algunos más avanzados que tú y otros del mismo nivel.
Ve a museos y exposiciones de arte y lee libros de arte.
Barbara Kemp Cowlin, Askew #105, 2021. Acrylic on panel. Photo credit: James Cowlin.
PhxArt: ¿Qué obras puede esperar ver de usted nuestra comunidad próximamente?
BKC: Estoy entusiasmada con la idea de empezar a trasladar mis pinturas a la escultura y la instalación. Estoy en la fase experimental con estudios de 4 x4 x4 pulgadas en plexiglás pintado, y planeo continuar con ello. Esto abre la posibilidad de realizar exposiciones que incorporen pintura/escultura/instalación, y es una forma totalmente nueva de pensar y trabajar para mí. Acabo de regresar de un programa de residencia artística de tres semanas en Ox-Bow, en Michigan, donde pude crear una instalación en mi estudio para poner a prueba mis ideas. Recibí comentarios muy positivos de los artistas visitantes que vinieron a Ox-Bow a dar charlas y a hacer visitas a los estudios de los artistas residentes.
VER MÁS
Para ver más obras de Barbara Kemp Cowlin, visite su sitio web barbarakempcowlin.com y sígala en Facebook e Instagram. También puede ver su obra en persona hasta el 14 de noviembre en el FOUND:RE como parte de XSCAPE: Landscapes, Cityscapes, Mindscapes o en línea en artezona.com/collections/barbara-kemp-cowlin y artinres.com/artists/barbara-kemp-cowlin.
#CuarentenaCreativa
Estamos interesados en saber cómo lxs creativxs están navegando el tiempo del coronavirus. Barbara Kemp Cowlin comparte lo que le está dando vida durante la pandemia.
BKC: Mi vida durante el COVID ha estado, por supuesto, llena de ansiedad y cambios. Sin embargo, he tenido la gran suerte de contar con la compañía de mi marido y mi hijo pequeño (que trabaja a distancia). Tengo un estudio hermoso. Vivo en un lugar minúsculo con poco que distraiga mi trabajo incluso en tiempos normales, así que estoy acostumbrada a estar aislada (aunque ciertamente no tanto así). Curiosamente, mis pinturas se han vuelto más brillantes, más coloridas y más fantasiosas en el transcurso de la pandemia. ¡Hasta he empezado a utilizar purpurina! No tengo una explicación para esto.
También he continuado con la parte comercial de mi práctica artística durante la pandemia—mirando hacia adelante, solicitando becas, residencias y oportunidades de exposición en línea, viendo Zooms de charlas de artistas de galerías de todo el país (algo que no estaba disponible antes de COVID). Como ha señalado mi marido a lo largo de los años, en los momentos de inactividad es bueno trabajar aún más y aprovechar los espacios de tiempo libres para ser productivos. Esto es lo que me he esforzado por conseguir.
