Jul, 16, 2020
Arte
Comida + Arte
¿Alguna vez te haz preguntado por qué los artistas a través de las culturas y los siglos han representado la comida en sus pinturas, esculturas, y otras obras? Aprende más acerca de este aspecto de la historia de arte con Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe, con subvención por la Familia Selig, quien ofrece conocimiento sobre dos de las obras de arte más deliciosas en la colección de arte contemporáneo del Museo—la realmente grande Big Mac de Tom Friedman y los conos de helado famosos de Wayne Thiebaud.
“Mientras que la comida parece ser un tema extraño para el arte, en realidad ha servido como inspiración artística por siglos, como una característica que define lo que nos hace humano. En la historia del arte occidental, solo necesitamos mirar hacia atrás a la tradición del barroco flamenco del ontbijtje, o “desayuno pequeño” del siglo XVII. Este tipo de naturaleza muerta fue popular en ambos el norte y sur de los Países Bajos, demostrando varios recipientes de comer y beber y comidas como el queso y pan en contraste con un fondo neutral. Relacionado a la tradición vanitas, que nos recordaba de la transitoriedad fugaz de la vida, arreglos suntuosos de comidas costosas como los mariscos, la caza, y las frutas y verduras exóticas también servían para ejemplificar las grandes cantidades de riquezas que se estaban acumulando en los Países Bajos durante la cima del Siglo de Oro neerlandés.
Aunque la representación de comida frecuentemente sugería riqueza y refinamiento cultural a través de los siglos, en el siglo XX, estos términos reducidos y elitistas fueron agudamente redefinidos por artistas modernos quien frecuentemente usaban la comida para simbolizar el deterioro moral y el materialismo.
Para mediados del siglo XX, sin embargo, los artistas estadounidenses usaban la comida y su ubicuidad para criticar las prácticas de marketing en masa y la cultura de consumo que surgió en los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Artistas pop como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg frecuentemente representaban latas de sopa, perros calientes, pan rebanado, y gaseosas. Porque estos artistas crecieron después de la Depresión y fueron indudablemente afectados por sus consecuencias—específicamente la frugalidad y privación—se volvieron comprensiblemente críticos de los Estados Unidos de la posguerra y la proliferación de la cultura del supermercado.
Wayne Thiebaud, Cuatro conos de helado, 1964. Oil on canvas, Museum purchase – COMPAS funds. © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York.
La obra de Wayne Thiebaud, quien nació en Mesa, Arizona, se ha convertido sinónima con el arte pop, por el uso de la comida central en la práctica del artista. Rebanadas de pastel con exquisito glaseado tecnicolor, tartas cremosas y bolas de helado de múltiple sabores están pintadas en empasto denso que imita las cualidades de textura del glaseado y las natillas congeladas. Usa una técnica de ilustración que llamaba “halation (halación)” o halos de colores complementarios que delinean el objeto individual para hacerlo resaltar en el lienzo. En la mayoría de casos, los postres están aislados contra un fondo plano y agrupados en hileras y cuadrículas. Esto, más que nada, conecta estas obras a un momento particular de los años 1960. “Pintando una hilera de pasteles de la forma en que se muestran en una cafetería sugiere algunas ideas bastante obvias sobre el conformismo, la vida mecanizada y la cultura de producción en masa”, dice Thiebaud, así colocándolos firmemente dentro de los valores de la cultura estadounidense posguerra. Él también ha hablado de la soledad inherente y reglamentación de estas composiciones formales—algo que ha penetrado todo aspecto de la cultura estadounidense contemporánea, desde la música al cine y a la literatura.
Tom Friedman, Big Big Mac, 2013. Styrofoam and paint. Gifted in honor and memory of Bruce Halle by Roland Augustine and Lawrence Luhring. © 2013 Tom Friedman. All Rights Reserved. Photo by Bill Timmerman.
Big Big Mac (2013) de Tom Friedman es una reproducción fiel de la hamburguesa de dos niveles de McDonald’s que hizo su debut en 1967, sin embargo hecha completamente de poliestireno extruido y agrandada a proporciones de Brobdingnag. Como mucha de la escultura contemporánea, que está en deuda a la tradición de arte minimalista y conceptual, Big Big Mac está aislada, descontextualizada, y colocada dentro del marco del cubo blanco de la galería de bellas artes. Parte del impacto visual de esta pieza es el hecho que no se ajusta a las expectativas del espectador de lo que constituyen las bellas artes, sino juega con nuestra percepción visual de la escala tanto como provoca asociaciones con la nostalgia de la niñez. Conexiones a la obra de Claes Oldenburg no se niegan; sin embargo la historia de McDonald’s como una de las franquicias empresariales más exitosas, conecta directamente al legado de la producción en masa y la cultura consumidora que ha llegado a definir el estilo de vida estadounidense”. —Gilbert Vicario