Oct, 25, 2022
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Deborah Harris: En sus propias palabras
“Mi práctica de la pintura me ofrece una forma encarnada de comprometerme —y de luchar en contra—de la realidad del mundo, con todas sus desigualdades y dualidades junto con la belleza cautivadora y la perseverancia del espíritu humano”.
Deborah Harris, Portrait. Courtesy of the artist.
PhxArt: Cuéntanos quién y de dónde eres. ¿Cuál fue tu primera inspiración?
Deborah Harris: Nací en Oneonta, Nueva York, en 1949, y dibujo desde que tengo memoria. Tuve mi primera experiencia diaria a la pintura a los 9 años. Mi familia se había mudado a Tucson, donde asistí a una escuela pública cercana. Cuando mi maestro se dio cuenta de que podía leer y escribir por encima del nivel de cuarto grado, tuve la oportunidad, junto con un par de otros estudiantes, de ser recompensada con un tiempo tranquilo en la parte de atrás del salón de clases. Había un caballete de madera de dos lados, así que dos de nosotros podíamos pintar todo lo que quisiéramos al mismo tiempo, con una variedad de pinturas al temple, pinceles y papel.
A partir de entonces, a través de cada nivel de mi educación hasta la universidad, siempre me inscribí o me colé en clases de arte. Aprendí algunos conceptos básicos: cómo estirar lienzos, dibujar, usar materiales, etc. De 1973 a 1976 viví en México, donde pintaba todo el día mientras mi esposo asistía a la escuela de medicina. Fue entonces cuando realmente comencé el proceso de convertirme en autodidacta. Estudié The Artist’s Handbook de Ralph Mayer y leí libros sobre varios artistas, absorbiendo sus historias y pinturas. Convertí una habitación en mi estudio e hice las cosas habituales; hice bodegones de arreglos de frutas al estilo de Cezanne, trabajo figurativo basado en fotografías y muchos bocetos. Sobre todo, lo que aprendí durante ese período fue el valor de los cuadernos de bocetos. No podía permitirme hacer lienzos en la escala que hago ahora, así que solía planificar mi trabajo con mucho cuidado. No tenía la libertad de comenzar con un lienzo en blanco, así que hice varios bocetos para cada pieza terminada. No quería hacer pinturas que tuviera que borrar, la pintura era demasiado preciosa. Diría que comencé a considerarme una artista activa en Guadalajara y, posteriormente, al regresar a Tucson cuando comencé a dividir mi tiempo entre un trabajo de medio tiempo y la pintura.
Deborah Harris, A Primary Defense, 1992. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.
PhxArt: ¿Cómo ha evolucionado tu carrera desde entonces?
DH: Cuando me mudé a Albuquerque en 1978, me enamoré de la luz y los paisajes “blancos” del alto desierto. Fui miembro de un colectivo de artistas del centro y participé en varias exposiciones colectivas. Tuve a mi hijo en 1980, por lo que tenía que trabajar con un horario apretado de siestas, pero saqué una página del libro de Barbara Hepworth. Estaba decidida a ser una artista seria y una madre. No tuve cinco hijos durante una guerra en una comuna de arte rural, así que, si ella podía hacerlo, sabía que yo también podía hacerlo. Tenía una obra considerable cuando tuve la fortuna de conocer a Raymond Jonson, quien, para mi deleite, entendía y amaba mis pinturas. Me puso en el expediente para mi primera exposición individual en la Raymond Jonson Gallery de University of New México. Algunas piezas se vendieron y, a partir de entonces, me convertí en miembro de la Performance Gallery de Arlene Wackerbarth. Estaba rodeada de artistas mayores que yo de los que podía aprender y cuyo trabajo respetaba, como Jaune Quick-to-See Smith. Fui profesora invitada en los Seminarios de Verano del Departamento de Filosofía de la University of New México en 1981 y 1982 en el D.H. Lawrence Ranch en Taos.
Después de mudarme a Phoenix en 1982, exhibí en Ashland Folk Collective en una galería del centro y luego me invitaron a ser miembro de la Galería Ianuzzi. También tuve una exhibición de seis meses en la Biblioteca Pública de Peoria. En 1991, gané un concurso con jurado juzgado por la historiadora y crítica de arte Arlene Raven en la Phoenix Gallery de la ciudad de Nueva York y me convertí en miembro de la galería. Unos años más tarde, fui invitada por el curador del James A. Michener Art Museum en Doylestown, Pensilvania, a participar junto con otros tres artistas en la exposición SURFACE, SYMBOL, PSYCHE: Contemporary Abstract Painting, del 22 de marzo al 8 de junio de 1997. He sido miembro de “The Breakfast Club”, invitada por Beth Ames Swartz, desde 2004 y he estado en varias exposiciones colectivas a lo largo de los años. También he participado en la subasta y eventos del ‘Contemporary Art Forum’ de Phoenix Art Museum.
PhxArt: ¿Qué te motiva a seguir creando?
DH: Diría que me motiva la necesidad de comunicar visualmente lo que no se puede comunicar de otra manera. Me doy cuenta de que he tenido que dominar el lenguaje de la pintura para comunicar lo que es más importante para mí, y que este dominio se ha desarrollado y evolucionado junto con mis prioridades a lo largo de mi vida. En retrospectiva, mientras atravesaba las experiencias de enamorarme, criar hijos, enterrar a mis padres, mantener un matrimonio y sobrevivir al cáncer, mis pinturas se movieron a mi lado. Sirven como registro y testimonio de mi vida, desde mi perspectiva, en mis términos, en la forma en que quiero que se cuente mi historia, que es un esfuerzo radical en sí mismo. Es un regalo tan maravilloso, y me trae mucha alegría.
Deborah Harris, End of Innocence, 1998. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.
PhxArt: ¿Cuáles son los medios en los que prefieres trabajar?
DH: Trabajo casi exclusivamente con pintura al óleo y en lienzos grandes, típicamente de 60×72 pulgadas. Empecé a hacer estas pinturas más grandes mientras estaba en Tucson porque tenía un estudio más grande y más recursos. También descubrí que trabajaba mucho mejor en esa escala.
Cuando trato de explicarle a la gente por qué trabajo a esta escala, les digo que la escala es realmente una referencia a mi experiencia encarnada. En mi mundo, todo es más grande que yo. Entonces, era perfectamente normal que yo fuera más pequeño que mis pinturas. Además, después de trabajar en papel y con un presupuesto, todo ese espacio en blanco me dio una libertad que no había tenido antes, y cuando terminé las pinturas, ¡sentía una sensación de poder! Porque, hay que recordar, las probabilidades no estaban a favor de las mujeres artistas en ese momento, como dejaron claro las Guerrilla Girls; era más probable que entraras en un museo como sujeto desnudo que como artista. No quería que nadie supiera que era mujer; era una desventaja para las competiciones. Quería que mi trabajo hablara por sí mismo, tomara espacio y se anunciara de manera inequívoca.
También encuentro que la pintura al óleo, a diferencia de la acuarela o el acrílico, es mucho más maleable e inicialmente mucho menos permanente y más adaptable a una variedad de medios. Además, puedo hacer paletas vibrantes en aceite. La técnica de Gerhard Richter para aplicar capas de pintura marcó una diferencia categórica en mi aplicación, para raspar y quitar capas y llevar el tema de la superficie aún más lejos.
Deborah Harris, Baile de Mascaras, 1988. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.
PhxArt: ¿Cuáles son los temas y sujetos en los que más te enfocas y cómo te interesaste en ellos?
DH: Después de la universidad, trabajé en el Programa de Model Cities Program—un programa financiado por el gobierno federal para fomentar la participación cívica con los gobiernos municipales y estatales y ayudar a mejorar las condiciones de vida y las obras públicas, con el subtexto de lograr la cooperación entre múltiples grupos minoritarios. El compromiso cívico y la representación de las minorías siguen siendo importantes para mí. Los temas políticos a menudo se abren camino en mi trabajo de manera sutil porque mi trabajo rara vez es figurativo. Mi práctica de la pintura me ofrece una forma encarnada de comprometerme y luchar contra la realidad del mundo, con todas sus desigualdades y dualidades junto con la belleza cautivadora y la perseverancia del espíritu humano. Todo eso se abre paso en mi trabajo.
Al principio de mi carrera artística, estaba enamorada de los constructivistas rusos, por lo que mis pinturas de esa época tenían bordes duros: colores planos dentro de formas geométricas. Ahora reconozco que estaba pintando tanto formas abstractas del mundo real como aquellas que comenzaron a emerger de mis paisajes internos. Estaba desarrollando mi propio “lenguaje” a través de la forma, el color y la composición. En muchos sentidos, el tema de mis pinturas es la pintura misma y mi experiencia de interactuar con ella, para manipularla de la forma prevista. En mi estudio de ensueño de Peoria, comencé a explorar nuevos enfoques tanto para la superficie como para las formas. Me tomó cerca de cinco años liberarme de mis restricciones constructivistas autoimpuestas. Eventualmente, creé mucho trabajo que hacía referencia al arte indígena y la luz profunda, el espacio y la forma del paisaje del desierto de Arizona.
Diría que mi arte es a menudo una reacción a la política global y un intento de procesar invasiones sin sentido y guerras sin sentido. Ahora me doy cuenta de que mi acercamiento al lienzo podría transformarse en una sola instancia de reconocimiento artístico: un asentimiento de otro como si me estuvieran dando permiso o aprobación para ser más atrevido, para convertirme más en el artista que quería ser. Este fue el caso después de que me encontré con el trabajo de Anselm Keifer, cuyo trabajo trata sobre la historia cultural fuertemente tabú de la Alemania posterior a la Segunda Guerra Mundial. La escala del trabajo fue impactante, y el contenido fue brutal, y me causó una gran impresión, no solo los aspectos emocionales y visuales, sino también los métodos de construcción. Decidí que, si quería, podía hacer pinturas más grandes y podía extender este aspecto narrativo a mi propio trabajo. Después de ver su obra, comencé una de mis pinturas más grandes, el Baile de máscaras, también llamado retrato de familia, que es masivo y bastante severo. Todos se ven un poco como si pudieran matarte. Creo que esto sirvió como un punto de inflexión en lo personal y narrativo que permitiría que se convirtieran mis pinturas.
Deborah Harris, Ghost Girl, 1993. Acrylic. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.
PhxArt: ¿Quiénes son tus mayores influencias artísticas?
DH: La mayor parte del tiempo cuando estoy en mi estudio, escucho música mientras pinto. Algunas de mis pinturas se ven influenciadas por lo que estoy escuchando. Lighten Up While You Still Can Gustave es mi reacción visual a la 9ª Sinfonía de Gustav Mahler, por ejemplo. También escucho mucha música de África Occidental y Medio Oriente, incluidos Habib Koité y Ali Farka Touré. También me encanta escuchar las composiciones musicales de Keith Jarrett y The National.
Me inspiro en la obra de Clemente, Modigliani, Joan Miró, David Hockney, Arshile Gorky, Piet Mondrian, Édouard Manet, Pablo Picasso, Robert Motherwell, Helen Frankenthaler, Jasper Johns, Francis Bacon, Gustav Klimt, los pintores de la Bauhaus, Henri Matisse , Marc Chagall, Richard Diebenkorn, Susan Rothenberg, Max Beckman, Christo Vladimirov Javacheff, Berthe Morisot y Mary Cassatt. Más directamente, mi trabajo ha sido influenciado por los artistas con los que compartí espacio o valores, como los trascendentalistas de Taos y Santa Fe en Nuevo México, Deborah Remington, Barbara Hepworth, Mark Rothko, Joan Mitchell, y el efecto acumulativo de ver múltiples exposiciones. en el Heard Museum a lo largo de los años.
PhxArt: ¿Qué consejo le daría a los aspirantes a artistas que recién comienzan a construir su práctica profesional?
DH: No puedes intelectualizarte a ti mismo para ser un artista. La única forma en que puedes ser el artista que deseas ser es continuar haciendo tu arte, pase lo que pase. No se desanime por las reacciones o críticas que pueda recibir. Recuerda que eres el juez más importante de tu trabajo. Principalmente, no se desanime por la falta de aviso o aplausos. Date tiempo y espacio para progresar en tu trabajo. Aproveche todas las oportunidades disponibles para mostrar su trabajo en público y ver todo el gran arte que pueda en persona.
Además— y aprendí esto de la manera más difícil — para un artista, incluso la mala prensa es valiosa. He sido criticado en la misma página que algunos artistas fantásticos, incluido Manuel Neri, y posteriormente defendido por críticos de arte elogiados. Resulta que una de las mejores maneras de hacer que la gente abra la puerta a tu vacante es obtener una crítica terrible en el periódico.
Deborah Harris, To Another Universe, 1993. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.
PhxArt: ¿Qué puede esperar nuestra comunidad a continuación de ti?
DH: Finalmente he creado un sitio web maravilloso, y siempre estoy feliz de encontrar oportunidades para exhibir en galerías y museos. Principalmente, vendo mi trabajo directamente desde mi estudio, pero también siempre estoy buscando lugares para exhibir. En cuanto a generar algo nuevo, estoy trabajando en mi autorretrato de una vez cada 25 años… puede llevar un tiempo.
VER MAS
Para ver más obras de arte de Deborah Harris, visita www.deborahharrisart.com o síguela en Instagram @deborahharrisart.
#CUARENTENACREATIVA
PhxArt: Tenemos curiosidad por saber cómo navegaron los creativos la época del coronavirus. Deborah Harris comparte lo que le dio vida durante la pandemia.
DH: Tengo amigos y familiares muy cercanos con los que me mantuve en contacto. Hacíamos FaceTime y hacíamos cenas por Zoom. Realmente maximicé el pilates virtual. Finalmente pude ver a mis hijos y nietos en persona para recibir abrazos apropiados el verano pasado. COVID fue una experiencia muy extraña. Soy una sobreviviente de cáncer y estoy inmunocomprometida, por lo que estuve casi completamente aislada desde marzo del 2020 hasta febrero de 2021 cuando comenzaron las vacunas y sigo con las vacunas de refuerzo, lo cual es un alivio, pero en verdad, cuando pienso en los problemas que enfrenta nuestro mundo, junto con el caos adicional de la pandemia, todo ha sido tan psicológicamente adormecedor. No creo que me haya recuperado completamente de algunos aspectos del aislamiento y la preocupación constante por nuestro planeta, y la violencia sin sentido en nuestro mundo.
Pero no me asusto. Leo con voracidad. Leo The New York Times de cabo a rabo todos los días, The New Yorker y The New Republic. Antes de la pandemia, frecuentaba la biblioteca para sacar tantos libros y películas extranjeras como me permitían. ¡Me encantan las películas extranjeras! Estoy profundamente afectado por la violencia racial viciosamente cíclica. Y estoy confundido por el movimiento anti-ciencia en Estados Unidos, pero encuentro consuelo en permanecer despierto a él. También hago hincapié en apoyar económicamente a las instituciones que brindan valor y alivio a quienes más lo necesitan porque es muy difícil tener un impacto político sin recursos.