Para experimentar a Methuselah en las galerías, ¡marque sus calendarios! Methuselah se presentará en la exhibición especial Juan Francisco Elso: Por América, organizada por El Museo del Barrio y programada para abrir en PhxArt en mayo de 2023.

VISITE EL SITIO WEB DE MATUSALÉN

Reynier Leyva Novo, Methuselah, 2021-2022. Digital artwork. Commissioned by El Museo del Barrio with generous support from VIA Art Fund. Courtesy the artist.

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Unknown, Hefty Raja with Attendant, Durga on Tiger, and Two Red Blobs of Shiva’s “Spit” in Sky and on His Foot, 19th century. Ink and color on paper. Gift of Drs. Thomas and Martha Carter.

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Las luciérnagas tienen una larga historia en el folclore y la mitología en muchas culturas y se consideraban remedios contra el veneno y el mal. Inspirando esperanza y guiando, estas criaturas también eran símbolos del renacimiento y la pureza. Aunque no todas de las más de 2000 especies de luciérnagas brillan, las que sí lo hacen gracias a la luciferina, un compuesto emisor de luz que usa el oxígeno para generar la bioluminiscencia. Se dice que la luz intermitente ayuda a los insectos a comunicarse, a buscar pareja o a disuadir a los depredadores. En la tradición victoriana, si una luciérnaga entraba en su casa, era un presagio de que alguien de la casa moriría pronto. Menos mal que esa tradición ha pasado.

Sumérjase en la multitud danzante de luciérnagas del Phoenix Art Museum, sin profecías de muerte inminente. Pasee por esta instalación y experimente la felicidad y la esperanza de un buen año por venir.

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Myers comenzó a pintar y dibujar cuando tenía sólo 11 años. Cuando su familia se trasladó a Baltimore unos años más tarde, utilizó sus habilidades artísticas para ayudar a su hermano mayor a montar un negocio de pintura de carteles. En 1886, la familia se trasladó de nuevo, esta vez a Nueva York, donde Myers trabajó en un teatro como pintor de escenarios y se matriculó en la Cooper Union. Al año siguiente, ingresó en la Art Students League. Pero no fue hasta que viajó a París para continuar sus estudios cuando Myers se dio cuenta de su verdadera vocación—volver a la ciudad de Nueva York y documentar la vibrante y caótica vida de los barrios de trabajadores e inmigrantes.

A su regreso a la Gran Manzana, Myers inició una larga carrera dedicada a la creación de escenas urbanas empáticas y sentimentales inspiradas en las experiencias de su propia infancia. Sobre estas vistas, Myers escribió en una ocasión, “Otros veían allí fealdad y degradación, yo veía poesía y belleza”. A lo largo de su vida, presentó sus pinturas y grabados a nivel nacional y recibió numerosos premios de instituciones como la National Academy of Design y el Carnegie Institute. Falleció en 1940 en Nueva York.

Los grabados de Myers en la colección de PhxArt, algunos de los cuales aparecen aquí, representan los momentos sencillos y comunes de la vida en la ciudad que tantos de nosotros nos perdimos mientras millones de personas estaban en cuarentena y aisladas durante el último año y medio de pandemia. Al contemplar estas escenas—un vendedor de limones vendiendo su mercancía, un heladero repartiendo especialidades pegajosas y dulces en la calle Mott, y dos personas descansando en un banco de Central Park durante un momento de tranquilidad—nos recuerda que nunca más debemos dar por sentada nuestra comunidad de vecinos y amigos, extraños y conocidos que contribuyen al sonido ambiente reconfortante de nuestras vidas.

De parte de todos los que formamos parte del Phoenix Art Museum, extendemos nuestra más sincera gratitud a nuestros fieles Miembros y a los que nos apoyan, a nuestros generosos donantes y socios de la comunidad, a nuestras familias y a nuestros amigos, en estas fiestas y en todas las temporadas.

Jerome Myers, The Lemon Vendor (El vendedor de limones), not dated. Etching. Gift of Mr. Jonathan Marshall.

Jerome Myers, In Madison Square (En Madison Square), not dated. Etching. Gift of Mr. Jonathan Marshall.

Jerome Myers, Lawyer and Client (Abogado y cliente), 1915. Etching. Gift of Mr. Jonathan Marshall.

Jerome Myers, On Mott Street, N.Y.C. (En Mott Street, Cd. de Nueva York), 1915. Etching. Gift of Mr. Jonathan Marshall.

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El traje de torero tiene influencia de los atuendos tradicionales que llevaban los miembros de las clases bajas de la sociedad española. Ya en el siglo XVIII, todos los pueblos de España albergaban toreros, tratados como miembros de la realeza y vestidos de oro para denotar su estatus. Sus conjuntos se adornaban originalmente con “galos de plata”, un diseño similar a las insignias militares que llevaban los nobles de la época. Este color dorado y las cuentas de oro que brillaban al sol, evidentes en este ejemplo de la Colección de PhxArt, es como el diseño obtuvo su nombre, el traje de luces.

Históricamente, crear la indumentaria de torero era un negocio familiar, pasado de generación a generación. Ahora, sin embargo, hay muy pocos diseñadores en España que se dedican exclusivamente al diseño y la fabricación de estos conjuntos. Aunque la tradición española de la corrida de toros ahora se considera controversial, la vestimenta de los toreros sigue siendo instantáneamente reconocible y continúa a influir en el mundo de la alta costura, evidente en varias prendas creadas por Giorgio Armani, Ralph Lauren, Dolce & Gabbana y otros.

Unknown, Parade cape (capote de paseo) of pink satin with heavy gold embroidery (Capote de paseo de satén rosa con pesados bordados de oro), 1950s. Silk satin, cotton, metal thread and metal sequins. Gift of Mrs. Denison Kitchel.

Traje de luces

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Recientemente hablamos con Jesse para aprender sobre su proceso de revitalizar el espacio y para obtener un adelanto de lo que se presentará en la futura reinstalación.

PhxArt: ¿Qué deberíamos esperar de la apertura del sitio satélite?

Jesse Lopez: La apertura de la BIG Little Library en noviembre incluirá una exposición que complementará la próxima exposición especial Paisajes de extracción: el arte de la minería en el oeste estadounidense, que se estrenará en la Steele Gallery del Museo el mismo mes. También ofrecerá más información acerca de la biblioteca, su historia y sus recursos, y los servicios y programación relacionados con la biblioteca.

Junto con los libros relacionados a la exposición, este espacio incluirá una pantalla con dos vídeos que se repiten. Uno será  un vídeo de Sistemas de Información Geográfica (SIG) creado por el Museo en colaboración con Matthew Toro, encargado de la Maps and Geospatial Library de Arizona State University. El otro vídeo incluido está aún pendiente de confirmación, pero será un interesante complemento que apoyará a Los paisajes de la extracción al demostrar la complejidad de la minería en el Oeste.

PhxArt: ¿Nos puede decir más acerca de los libros que se incluirán?

Lopez: Habrá aproximadamente 6 a 8 libros relacionados con Los paisajes de la extracción, así como otros folletos informativos sobre diferentes temas relacionados con la biblioteca y la exposición. Mi proceso incluyó sacar todos los libros de nuestra colección relacionados con los artistas cuyas obras se presentarán en la exposición. Examiné cada uno de ellos página por página, y son mis favoritos en cuanto a visualización e impacto. También se expondrán varias copias de la publicación de la exposición. En una tercera vitrina se expondrán varios libros raros fascinantes de las Colecciones Especiales de la Lemon Art Research Library que no están relacionados con Los paisajes de la extracción.

PhxArt: ¿Sobre cuáles artistas pueden esperar aprender nuestros visitantes dentro de la BIG Little Library?

Lopez: La mayoría de los libros se tratan de un artista de la exposición o han sido escritos por los artistas.  Edward Burtynsky y David Maisel, dos artistas de Los paisajes de la extracción, ocuparán un lugar destacado en la exposición. Estos fotógrafos crean imágenes surrealistas a vista de pájaro para representar la belleza y la destrucción de los paisajes alterados por los humanos, incluidas las minas. En particular, mostraremos, entre otros, el libro Oil (Petróleo) de Burtynsky y el libro Black Maps (Mapas negros) de Maisel.

PhxArt: ¿Qué es lo que más le entusiasma de esta instalación?

Lopez: Me entusiasma tener un espacio para crear una exposición única y la oportunidad de colaborar con otras bibliotecas y bibliotecarios especiales en la área metropolitana de Phoenix para continuar explorando este tema de la minería en el Oeste. Esta es mi primera vez creando una “exposición de biblioteca”, y me entusiasma colaborar en futuras exposiciones, especialmente con la próxima exposición especial, Desert Rider.

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Installation view, Colors of Sky and Clouds: Chinese Blue-and-White Porcelain, 2020, Phoenix Art Museum. Photo: Airi Katsuta. Courtesy of Phoenix Art Museum.

En nuestra reciente Visita Virtual a PhxArt, que explora las intersecciones entre el arte, la ciencia y la tecnología, Janet Baker, PhD, curadora de arte asiático del Phoenix Art Museum, ofreció una visión de la historia y la ciencia que hay detrás de la porcelana china, una impresionante selección de la cual se encuentra actualmente en Colores del cielo y las nubes: la porcelana azul y blanca de China en las salas de Arte de Asia. Siga leyendo para saber cuándo, dónde y cómo se fabricaron los primeros y mejores ejemplos de porcelana china.

“Phoenix Art Museum tiene una maravillosa colección de porcelana china, y aprender sobre estas obras requiere una combinación única de historia y ciencia.

La porcelana es un material cerámico que se fabrica calentando la arcilla en un horno a temperaturas extremadamente altas, de aproximadamente 2200–1600 °F (1200 –1400 °C). Este alto nivel de calor, combinado con la mezcla justa de elementos, produce una cerámica fuerte, translúcida y vitrificada, es decir, impermeable al agua. Esta cualidad la hace útil para la elaboración de platos para la comida y la bebida, así como para objetos utilizados en la tecnología y la industria. La mayoría de los inodoros, por ejemplo, son de porcelana.

¿Qué materiales se utilizan para fabricar porcelana? El caolín o la caolinita es el ingrediente principal, junto con cantidades variables de feldespato, vidrio, esteatita, cuarzo, petuntse o alabastro. Los objetos de porcelana pueden fabricarse en un torno de alfarero o verterse en moldes y después se cuecen en el horno para fijar sus formas y vitrificar la arcilla. Se pueden añadir esmaltados o pintura para la decoración, con el fin de añadir color y diseños pintados.

La porcelana se inventó en China mediante un largo y lento proceso de siglos que comenzó hace unos 2000 años. Hacia el siglo VIII, se consiguió la blancura y la translucidez que vemos hoy en día. Los fabricantes chinos empezaron a exportar estas piezas al mundo islámico, donde eran muy apreciadas. En el siglo XIII, la producción de la mejor porcelana del mundo se realizaba en una sola ciudad de China, que actualmente es Jingdezhen, donde abundaban los depósitos naturales de caolín. Estas piezas se fabricaban exclusivamente para la corte imperial. La porcelana se sigue fabricando hoy en día en Jingdezhen.

A partir del siglo XIII, las porcelanas chinas se exportaron al resto de Asia y, en el siglo XVI, llegaron por barco a Europa. Finalmente, se exportaron a América, sirviendo de lastre en los barcos cargados de té chino. El tipo de porcelana más codiciado es el llamado “azul y blanco”, con arcilla de color blanco puro sobre la que se pintaban exquisitos dibujos florales y abstractos en ricos tonos de azul cobalto, un pigmento probablemente importado de regiones del oeste de China. Los comerciantes portugueses que viajaban a China regresaban a su país con muestras de caolín para intentar fabricar ellos mismos estas piezas, pero carecían de las técnicas y la combinación de ingredientes necesarios para alcanzar los secretos de la porcelana fina. En el siglo XVIII, los ceramistas europeos consiguieron descifrar el código y crear porcelana con caolín y alabastro”.

– Janet Baker, PhD, curadora de arte asiático

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DE LA BÓVEDA

Tomorrow World (El mundo de mañana) (2001) de Torben Giehler

Dodge City (1961) de Billy Al Bengston

Monad (Monada) (1972) de Julian Stanczak

Curves for E.S. (Curvas para E.S.) (2005) de Dan Graham

Tensions (Tensiones) (1939) de Emil Bisttram

Space Activity (Actividad espacial) (1946) de Philip C. Curtis

The Inward Eye (El ojo interior) (fin del siglo XX) de Richard Anuszkiewicz

Extended Landscape Model for Total Reflective Abstraction: cone-like shape (Modelo de un paisaje extendido para la abstracción reflexiva total: forma cónica) (2004) de Joseph McElheny

…and to draw a bright white line with light (Untitled 11.5) (…y dibujar una línea brillante blanca con luz [sin título 11.5]) (2011) de Uta Barth

Marta Chilindrón, Cubo azul 48 (Blue Cube 48), 2006. Twin wall Polycarbonate. Gift of Nicholas Pardon. Image courtesy of Nicholas Pardon.

Cubo azul 48 (Blue Cube 48) (2006) de Marta Chilindrón

OBSERVACIÓN PROFUNDA: LA “INFANTA”

Vestido “Infanta” color gris pardo (2003) de Ralph Rucci

Este vestido de noche distintivo, cuyo volumen se ha creado sin subestructuras rígidas ni enaguas, se llama “Infanta”. Fue desarrollado por Ralph Rucci en colaboración con la maestra patronista de Chado, Gail Gondek. El patrón de la prenda se deriva de una fórmula matemática basada en la proporción áurea y a través de la comprensión de las capacidades de la caída del tejido seleccionado, mientras que el uso de una ecuación algebraica para determinar el tamaño y la variación de las piezas del patrón crea un equilibrio más exacto entre la simetría y la asimetría que el que podría lograrse con el drapeado a mano alzada.

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Como parte de esta serie, cruzamos las aguas grises y tempestuosas del Atlántico de camino a las islas británicas, hogar de las bulliciosas metrópolis de Londres y Edimburgo y de los exuberantes jardines de la campiña inglesa. Disfrute de una selección de obras de la colección de PhxArt creadas por artistas británicos, que capturan un momento de la historia británica o que simplemente se inspiran en las artes y la cultura británicas.

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DE LA BÓVEDA

Untitled 18 (Sin título 18) (2013) de Erica Deeman

Erica Deeman, Untitled 18 (Sin título 18), 2013. Digital chromogenic print. Purchased with funds provided by Contemporary Forum.

The Russian Ending: Beautiful Sheffield (El final ruso: hermoso Sheffield) (2001) de Tacita Dean

Guest (M.B., 3:14 p.m., 19th August 1995) [Invitado (M.B., 3:14 pm., 19 de agosto de 1995)] (1995) de Christopher Bucklow

Scottish highland feather bonnet (Capota de plumas de las tierras altas escocesas) (1903) de Cater & Co.

Cater & Co., Scottish highland feather bonnet, 1903. Leather, feathers and metal. Gift of Mr. Vernon Taylor, Jr. and Family.

Dress (Vestido) (2010) de Alexander McQueen

Lady Mackenzie and Her Son (Doña Mackenzie y su hijo) (1733-1810), Gran Bretaña

Royal Arms of Scotland (Armas reales de Escocia) (sin fecha) de David Young Cameron

Battersea Reach (Llegada a Battersea) (1863) de Francis Seymour Haden

Lady Louisa Hawkins Wheatley (Dama Louisa Hawkins Wheatley) (c. 1810) de Thomas Lawrence

Colonel Lord Howden (Coronel lord Howden) (1823) de Thomas Clement Thompson

Byron and Pope (Byron y Pope) (c. 1820-1900)

Abbot Arch, Bishop of Canterbury (Abad Arch, obispo de Canterbury)  (sin fecha) de Arnold Houbracken

Catharine of Aragon, Queen of King Henry VIII (Catalina de Aragon, reina del rey Enrique VIII) (1744) de Arnold Houbracken

After the Scottish Hunt (Después de la caza escocesa) (1861) de Pierre Jules Mene

The Lift (El ascensor) (1972) de Philip C. Curtis

Sra. Brown Potter (1901) de Sir John Lavery

Sir John Lavery, Mrs. Brown Potter (Sra. Brown Potter), 1901. Oil on canvas. Gift of Patricia Stillman.

English Lodge Kitchen, c. 1840-1850 (Cocina inglesa de la cabaña, c. 1840–1859) (1932-1937) de Narcissa Niblack Thorne

English Jacobean Hall, 1603-1649 (Salón jacobino inglés, 1603–1649) (c. 1937) de Narcissa Niblack Thorne

English Adam Dining Room, 1762-1794 (Comedor inglés de Adam, 1762–1794), (c. 1937) de Narcissa Niblack Thorne

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Radha y Krishna Abrazados (siglo XIX), India

Unknown, Radha and Krishna Embracing, 19th century. Ink and color on paper. Gift of Drs. Thomas and Martha Carter.

San Jorge y el dragon (1911 o más tarde) por John Dickson Batten

Sin título (mujer con flauta) (sin fecha) por Annibale Carracci

Madame Koch y sus hijos (1898) por Julius Rolshoven

Le Baiser (El beso), segunda reducción (concebido 1886, fundido 1904-1918) por Auguste
EXHIBIDO ACTUALMENTE

Marechal Floriano Peixoto (del Escenario mundial: serie de Brasil) (2009) por Kehinde Wiley

Familia Sagrada (c. 1870), México

Unknown, Holy Family, c. 1870. Oil on tin. Gift of Gerry S. Culpepper.

Sin título (mujer junto al fuego) (1868) por Thomas Faed

Thomas Faed, Untitled (Woman Beside a Fire), 1868. Oil on canvas. Gift in Honor of the Mr. Chet R. Pieper Family.

Descanso en la huida a Egipto (sin fecha) por el Círculo de Annibale Carracci

Circle of Annibale Carracci, Rest on the Flight into Egypt, not dated. Ink on paper. Gift of the Carl S. Dentzel Family Collection.

El sacrifico del amor (siglo XVIII-XIX)

Unknown, Love’s Sacrifice, 18th-19th century. Sardonyx. Gift of Pierre J. and Velma J. Touraine.

Juego de damas en la granja (1875) por John Rogers

¿Lleva la desintegración del hogar a la desintegración familiar? (2019) por Arcmanoro Niles

Arcmanoro Niles, Does a Broken Home Become a Broken Family, 2019. Oil, acrylic and glitter on canvas. Purchased with funds provided by the Dawn and David Lenhardt Emerging Artist Acquisition Fund.

Flores de primavera (en el conservatorio) (1890) por Julius LeBlanc Stewart

Venado (1745) por Shen Quan

Shen Quan, Deer, 1745. Ink and color on silk. Museum purchase.

Adoración de los pastores (principios del siglo XVI) por Bacchiacca

Alimentando a los animales (1986) por David Bates

Boda de los huérfanos (sin fecha) por David Bekker

David Bekker, Orphans’ Wedding (Boda de los huérfanos), not dated. Etching. Gift of Mr. and Mrs Charles Louis Rosenthal. Courtesy of David Bekker Estate.

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