PHOENIX (16 de diciembre de 2020) – Desde el 2 de enero hasta el 25 de abril de 2021, Phoenix Art Museum presentará una nueva selección de obras prestadas por un periodo prolongado en la exposición El lenguaje de la imprenta: innovaciones del grabado de los siglos XIX y XX de la colección de Phoenix Art Museum y la Colección Schorr. Presentando más de 50 obras individuales abarcando 200 años por artistas europeos y estadounidenses, la exposición presentará algunos de los nombres más venerados de la historia del arte, como Paul Cézanne, Edvard Munch, Paul Klee, Louise Nevelson, Robert Rauschenberg, y muchos otros. El lenguaje de la imprenta incluye obras prestadas por un periodo extendido por la Colección Schorr, que tiene sede en el Reino Unido y fue acumulada por los coleccionistas David y Hannah Lewis, que previamente prestaron varias pinturas de los viejos maestros al Museo empezando en 2017. La exposición también destacará obras de la colección del Museo de arte estadounidense y europeo para mostrar el renacimiento del siglo XIX del grabado como forma de arte, mientras subrayando las contribuciones importantes y el papel de las mujeres artistas en esa historia.

“Estamos muy entusiasmados de presentar las obras sobre papel de la renombrada Colección Schorr, que se exhibirán por primera vez en Arizona, a nuestro público en nuestra próxima exposición El lenguaje de la imprenta: innovaciones del grabado de los siglos XIX y XX de la colección de Phoenix Art Museum y de la Colección Schorr,” dijo Tim Rodgers, PhD, Director y CEO de Phoenix Art Museum, con subvención por Sybil Harrington. “Estamos agradecidos a la familia Lewis, que estableció la Colección Schorr hace más de cuatro décadas con el objetivo de aumentar el acceso a las pinturas de los maestros viejos y a las obras de arte europeas únicas, incluyendo estos grabados. Además, agradecemos a nuestros generosos donantes locales que han confiado al Phoenix Art Museum obras excepcionales de arte estadounidense y europeo, muchas de las cuales se pondrán en conversación con obras de la Colección Schorr a partir de este enero”.

En 2017, Phoenix Art Museum se convirtió en el orgulloso receptor de un préstamo de obras de período prolongado de la Colección Schorr. Considerada una de las colecciones más importantes de pinturas de viejo maestro y del siglo XIX en el mundo, la Colección Schorr fue establecida por los coleccionistas británicos David y Hannah Lewis e incluye más de 400 obras, incluyendo tiernas imágenes devocionales del siglo XV, paisajes impresionistas franceses del siglo XIX, obras de maestros modernos del siglo XX y una amplia selección de grabados. La colección lleva el nombre de la familia de Hannah Lewis, muchos de los cuales fueron asesinados por los nazis durante el Holocausto; Hannah Lewis es una superviviente del Holocausto. La familia Lewis a menudo presta obras de arte de su colección por periodos prolongados a museos de todo el mundo, incluidos los de los Estados Unidos, Europa y Oriente Medio, en un esfuerzo por aumentar el acceso a estas extraordinarias pinturas, grabados y más a través de diversas culturas.

Presentado en la Harnett Gallery del Museo, El lenguaje de la imprenta presenta los grabados de la Colección Schorr, que se exhiben en Arizona por primera vez, junto con obras sobre papel de la propia colección del Museo de más de 20,000 objetos para explorar la historia del grabado en Europa y los Estados Unidos, con un enfoque particular en los siglos XIX y XX. Entre las obras prestadas de la Colección Schorr se encuentran las de Paul Cézanne, Edvard Munch, Jean-François Millet, James Abbott McNeill Whistler y otros, mientras que las impresiones de las colecciones de arte estadounidense y europea del Museo incluyen las de Paul Klee, Louise Nevelson, Robert Rauschenberg, Käthe Kollwitz, Mary Cassatt y más, muchas de las cuales nunca antes se habían exhibido. El diálogo entre estas colecciones ayudará a ampliar la comprensión de los espectadores de la historia del grabado, destacando su transformación como un proceso utilitario en una forma de expresión artística.

“Los primeros grabados en metal y xilografías en papel producidos en masa originaron en el siglo XV en Alemania, y el proceso se consideraba una forma de arte reproductivo para llevar el arte a la mayor audiencia posible a través de las primeras xilografías devocionales, cartas de juego, libros y ilustraciones grabadas que se coleccionaban y compartían entre el público,” dijo Rachel Sadvary Zebro, conservadora adjunta de Phoenix Art Museum, que se encargó de la curaduría de El lenguaje de la imprenta. “Luego, en el siglo XIX, los artistas vanguardistas reclamaron el proceso del grabado ya que rechazaban abiertamente los estilos académicos y clásicos de la pintura. Creando diseños impresos originales y composiciones con cualidades formales y distintivas similares a las de las pinturas y los dibujos, estos artistas, basándose en generaciones anteriores de grabadores, hicieron del grabado una forma de arte legítima en sí misma.”

Además de explorar la evolución del grabado, El lenguaje de la imprenta también subraya el papel que han desempeñado las mujeres artistas en esa historia, en particular en los dos últimos siglos. La mayoría de las obras de los artistas estadounidenses en la exposición fueron creadas por mujeres, entre ellas Käthe Kollwitz, Clare Leighton, Lee Bontecou e Isabel Bishop. El lenguaje de la imprenta también presenta obras de Mary Nimmo Moran, la esposa del pintor y grabador de la Escuela del Río Hudson Thomas Moran, que comenzó su trabajo en el grabado como un pasatiempo mientras viajaba por los Estados Unidos con su marido mientras él pintaba vastos paisajes estadounidenses. La exposición también presenta obras de Mary Cassatt, que hizo sus primeros grabados a finales del decenio de 1870. A pesar de la naturaleza a menudo plácida y doméstica de sus sujetos, Cassatt, que fue invitada por Edgar Degas a unirse al grupo impresionista, fue audaz en su método de trabajo, experimentando con una amplia variedad de materiales para crear impresionantes impresiones en color de gran maestría técnica.

El lenguaje de la imprenta culmina con grabados y litografías de artistas contemporáneos como Maria Baca, Raymond Saunders y Fritz Scholder. Al incluir estas obras junto a ejemplos históricos, la exposición ilumina cómo el arte del grabado continúa evolucionando hasta el día de hoy.

Acerca de la exposición

El lenguaje de la imprenta: innovaciones del grabado de los siglos XIX y XX de la colección de Phoenix Art Museum y la Colección Schorrse podrán ver desde el 2 de enero hasta el 25 de abril de 2021 en la Lila and Joel Harnett Gallery. Está organizada por Phoenix Art Museum y fue posible gracias a la generosidad de David y Hannah Lewis. El préstamo de periodo prolongado de la Colección Schorr fue posible gracias al generoso apoyo de las Amistades del Arte Europeo, un anterior grupo de apoyo de Phoenix Art Museum; Nancy R. Hanley Eriksson; y Mary y Bill Way.

La entrada es gratuita para los Miembros del Museo; los veteranos y los militares en servicio activo; y los jóvenes de 5 años o menos. La entrada a la exposición está incluida en la admisión general para el público general. Durante el tiempo de donación voluntaria, la exposición se ofrece al público general con admisión de ‘pague lo que quiera’. El horario de donación voluntaria incluye los miércoles de 3 a 7 pm y el primer viernes de cada mes de 3 a 7 pm. Para un desglose completo de precios de entrada general y horarios, consulte https://phxart.org/es/visitar/.

Para solicitar entrevistas y fotografía de alta resolución, contacte la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.307.2003 o a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (16 de octubre, 2020)—Phoenix Art Museum ha lanzado Reframed (Reenmarcado), una nueva iniciativa en desarrollo apoyada por la Fundación Henry Luce que invita a artistas y eruditos de comunidades históricamente subrepresentadas en espacios museísticos a aportar sus perspectivas y conocimientos sobre las obras de la colección de arte estadounidense del Museo. Para inaugurar el proyecto, rótulos de galería escritos por Ninabah Winton (Diné/Navajo), Andrew W. Mellon Fellow actual en The Heard Museum, and Velma Kee Craig (Diné/Navajo), tejedora y Andrew W. Mellon Fellow anterior en The Heard Museum, han sido instalados en las galerías de arte estadounidense del Museo para ofrecer perspectivas indígenas sobre las obras de la colección. Algunas de estas obras incluyen Hilando de Diego Rivera (1936) y Canyon de Chelly (Cañón de Chelly) de Raymond Jonson (1928 y 1972). También aparece en las galerías un poema de la escritora local Anna Flores junto a una pintura de Cristóbal Colón para motivar una reflexión más profunda sobre las narrativas tradicionales con relación a la conquista europea de las Américas.

“El proyecto Reframed es una parte importante de los esfuerzos en curso del Museo para incluir voces subrepresentadas en nuestras galerías mientras vigorizando y contextualizando una área importante de la colección para ayudar a ampliar la comprensión de nuestras audiencias sobre el suroeste estadounidense”, dijo Tim Rodgers, PhD, Director y CEO del Museo, con subvención por Sybil Harrington. “También es una oportunidad significativa para Phoenix Art Museum de seguir utilizando su plataforma para aumentar la visibilidad de las comunidades que durante mucho tiempo han sido excluidas de los museos y varias historias de arte”.

Reframed fue conceptualizado por Betsy Fahlman, PhD, curadora adjunta de arte estadounidense del Museo, quien se incorporó al Museo en 2016 e inmediatamente comenzó a pensar en formas de ofrecer diferentes interpretaciones sobre la colección del Museo. “Sabía que no podía hacer cambios inmediatos a los tipos de obras de la colección, que representan en gran medida perspectivas de artistas masculinos europeo norteamericanos que trabajaron en los siglos XIX y XX”, dijo Fahlman, “pero lo que podía hacer era ofrecer y hacer espacio para nuevas perspectivas sobre lo que esas obras de arte reconocen, lo que obvian representar, y lo que proveen desde un punto de vista histórico”.

Después de que el Museo recibió una prestigiosa beca de la Fundación Henry Luce en 2018 para apoyar a las iniciativas de arte estadounidense, Fahlman vio la oportunidad de dar vida a una idea que había tenido por primera vez al visitar el Detroit Institute of Arts (DIA). En ese tiempo, el DIA tenía exhibido un paisaje del Hudson River School que representaba a una persona indígena, y al lado de la pintura se encontraban tres interpretaciones —una escrita por el curador del arte estadounidense del museo, una por el curador del arte europeo, y otra por el curador del arte nativoamericano. Fahlman desarrolló aún más su idea de traer más voces diversas a las galerías en 2019, después de visitar la exposición Color Riot! How Color Changed Navajo Textiles (¡Profusión de color! Cómo cambió el color los textiles navajos) en The Heard Museum, con curaduría por un equipo que incluye Ninabah Winton y Velma Kee Craig, quienes son Diné/Navajo. Con financiamiento de la Fundación Henry Luce, Fahlman invitó a Craig y Winton a escribir el primer conjunto de rótulos encargados para el proyecto Reframed de Phoenix Art Museum.

Craig y Winton tuvieron la oportunidad de interpretar cuatro obras de su elección de la colección de arte estadounidense del Museo. Las interpretaciones de Craig, a la vista ahora en el ala norte del Museo, ofrecen perspectivas sobre Hilando (Winding Thread) (1936) de Diego Rivera; Processing Sheep (Procesamiento de ovejas) (1976) de Willard Franklin Midgette; Studio Interior (A Corner of My Studio) (Interior de estudio [una esquina de mi estudio]) (c. 1925) de Joseph Henry Sharp; y Native Son (2019), un video sobre la vida de la estrella del rodeo indígena Derrick Begay. Mientras que sus textos sobre tres de las cuatro obras se fundan en su experiencia personal como tejedora y artista docente navajo, así como en sus recuerdos de asistir al rodeo con su padre cuando era niña, la perspectiva de Craig sobre Studio Interior (A Corner of My Studio) (Interior de estudio [Una esquina de mi estudio]) de Sharp explora estereotipos de los pueblos indígenas propagados a través de los siglos y el artificio frecuentemente presente en la representación de los nativos americanos en obras de artistas no indígenas.

“Siempre he sabido que se han producido malinterpretaciones específicas de los pueblos indígenas por la propaganda y el deseo del gobierno estadounidense de retratarnos de cierta manera para validar dominar a nuestras culturas”, dijo Craig. “En muchas fotografías, una persona indígena ha sido puesta frente a la lente y capturada de una manera que hace que la gente asuma que el individuo está en su estado natural, normal. Sharp, sin embargo, revela que la puesta en escena ocurría, que su trabajo es una presentación y algo performativo”.

Las interpretaciones de Winton, también a la vista en el ala norte del Museo, en cambio ofrecen un contexto más profundo a  Chain of Spires Along the Gila River (Cadena de chapiteles a lo largo del río Gila) (1855) de John Mix Stanley; Painted Desert—Arizona (1915) de Albert Groll; Squaw Peak (siglo XX) de Harry B. Wagoner; y Canyon de Chelly (Cañón de Chelly) (1928 y 1972) de Raymond Jonson. La obra de Jonson en particular tiene un significado personal para Winton.

“La pintura representa una patria ancestral para nosotros”, dijo. “Es un lugar sobre el cual mi mamá tiene muchas historias, incluso de cuando una de las mujeres de nuestra familia —Greasewood Woman— fue secuestrada por asaltantes mexicanos en la década de 1860 y escapó. Ahí hay mucha historia personal”.

Además de las nuevas interpretaciones de Craig y Winton, la escritora radicada en Phoenix Anna Flores contribuyó un poema titulado “1492” a la iniciativa Reframed. La obra escrita acompaña a la pintura Colón ante el consejo de Salamanca (1847) de William Henry Powell y motiva reflexión sobre las ramificaciones de la expansión y la conquista colonial.

“Reframed no sería posible sin la generosa subvención de la Fundación Henry Luce, que me ha dado la oportunidad de repensar cómo interpretamos y platicamos con nuestro público sobre obras de la colección de arte estadounidense del Museo”, dijo Fahlman, quien planea ampliar el alcance de Reframed. “Mi esperanza es seguir encargando rótulos por otros eruditos de grupos subrepresentados—para seguir añadiendo voces necesarias a la conversación—para que más miembros de nuestra comunidad puedan visitar el Museo y reconocerse aquí de alguna manera”.

El proyecto Reframed de Phoenix Art Museum es apoyado por la Fundación Henry Luce. Para solicitar entrevistas o fotografía de alta resolución, por favor contacte la Oficina de Comunicaciones del Museo a 602.307.2003 o samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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