Crédito de imagen: Cannupa Hanska Luger, Incendiario, 2023. Pintura acrílica sobre lienzo y técnica mixta. Adquisición del Museo con fondos provistos por Men’s Arts Council. Cortesía del artista y de Garth Greenan Gallery, Nueva York.

PHOENIX (8 de mayo, 2023) –Phoenix Art Museum (PhxArt) anuncia la adquisición de Incendiario (2023) de Cannupa Hanska Luger, una obra tipi a gran escala de colores vibrantes de una serie reciente que explora la adaptabilidad y versatilidad de la estructura nómada como metáfora de la resiliencia de los pueblos indígenas frente a la violencia colonial. El lienzo pintado y moldeado es una adición significativa a la colección de arte contemporáneo del Museo y promueve los esfuerzos del Museo para coleccionar y exhibir arte que refleje una diversidad de voces de la región suroeste y Arizona. Incendiario de Luger fue adquirida por el Museo con fondos de Men’s Arts Council, un grupo de apoyo del Museo dedicado a apoyar adquisiciones, exhibiciones y programas educativos y de participación. Está actualmente en exhibición en el Katz Wing for Modern Art.

“Agregar Incendiario de Cannupa Hanska Luger a la colección de Phoenix Art Museum representa un importante paso adelante en el crecimiento de las perspectivas indígenas contemporáneas dentro de la Colección PhxArt”, dijo Jeremy Mikolajczak, Director y CEO de Sybil Harrington del Museo. “La obra es un maravilloso ejemplo de cómo Luger usa el conocimiento indígena para desafiar las historias y los estereotipos y, en diálogo con otras obras, demuestra asertivamente una reformulación y un reposicionamiento de las narrativas históricas de los pueblos nativos. Incendiario se une a otras pinturas y obras multimedia en nuestras colecciones de arte contemporáneo de artistas indígenas contemporáneos como Fritz Scholder y Steven Yazzie”.

Cannupa Hanska Luger nació en 1979 en la Reservación Standing Rock en Dakota del Norte. Ahora radicado en Nuevo México, es miembro inscrito de las Tres Tribus Afiliadas de la Reservación de Fort Berthold y tiene ascendencia mandan, hidatsa, arikara, lakota y europea. Al incorporar una amplia gama de medios, desde cerámica, acero y fibra hasta videos y materiales reutilizados, Luger crea instalaciones y esculturas monumentales, representaciones y obras murales que intentan reformular y recuperar las narrativas del siglo XXI sobre las culturas e identidades indígenas. Su obra une referencias históricas y tradición con preocupaciones contemporáneas, todo para imaginar y soñar con futuros indígenas.

Luger es un Guggenheim Fellow del 2022 y ganador del United States Artists Fellowship Award for Craft 2021. En el 2021, fue nombrado Fixer de GRIST y, en el 2020, fue nombrado Creative Capital Fellow y Smithsonian Artist Research Fellow, entre otros premios y reconocimientos anteriores. Luger ha exhibido a nivel nacional e internacional en instituciones como el The Metropolitan Museum of Art, Gardiner Museum, Kunsthal KAdE, ASU Art Museum, Berkeley Art Museum, New Orleans Museum of Art, Mesa Arts Center, y el National Center for Civil and Human Rights. Su obra se presenta en colecciones de varios museos de todo el mundo, incluyendo el North American Native Museum (Zurich, Suiza); the Denver Art Museum; the Museum of Contemporary Native Arts (Santa Fe); the Yale University Art Gallery (New Haven); y la Conley Gallery, California State University (Fresno). Luger tiene una licenciatura en artes del Institute of American Indian Arts.

Incendiario (2023) es uno de los 10 lienzos de la serie de tipis de Luger, una investigación reciente sobre la pintura. Para la gente de las llanuras, los tipis representan un estilo de vida nómada, definido por patrones de migración que reflejan los movimientos de las manadas de búfalos. Las estructuras a menudo estaban hechas de pieles de búfalo cazado, haciéndolas parte de la tierra y de los humanos que las construyeron simultáneamente. Los tipis también se adaptan a la tierra en la que existen, de manera similar a como los pueblos indígenas se han adaptado durante siglos de lucha y conflicto continuo con los colonizadores.

Como parte de su serie tipi, Luger transformó la palabra “tipi” en un acrónimo: Infraestructura de Protección Intergeneracional Transportable. El acrónimo sugiere que la estructura puede atravesar el tiempo y el espacio, incluso hacia los reinos futuros de la existencia, consolidando así su estatus como testimonio de la resiliencia y la innovación indígenas. Incendiario, al igual que otros lienzos de esta serie de obras, presenta formas gráficas reconocibles de estrellas y ojos de dibujos animados de gran tamaño con pestañas rizadas, que se extraen de referencias históricas específicas. Los ojos hacen referencia a las caracterizaciones estereotipadas de dibujos animados de los pueblos indígenas en las primeras animaciones, mientras que la estética pop general se refiere al arte histórico de los radomos de la fuerza aérea. Este tipo de arte de los radomos apareció por primera vez en los Tomahawks de la Royal Air Force británica durante la Segunda Guerra Mundial y luego fue adoptado por las fuerzas estadounidenses para adornar los P-40 estadounidenses o Warhawks. Al apropiarse de estas imágenes y colocarlas en una estructura nómada nativa, Luger reflexiona sobre la capacidad de los pueblos indígenas, su conocimiento y sus tecnologías para resistir la violencia y agresión colonial que representan estos diseños. También es una reflexión sobre cómo la cultura popular occidental se ha apropiado de los motivos culturales de los nativos americanos durante siglos.

Para obtener más información sobre esta reciente adquisición y una imagen de alta resolución, comunícate con la oficina de prensa del Museo vía samantha.santos@phxart.org o press@phxart.org. Para obtener más información sobre el artista, visita garthgreenan.com.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (21 de febrero, 2023) –Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) presentará al renombrado artista Otis Kwame Kye Quaicoe en conversación con el curador y crítico cultural Larry Ossei-Mensah durante la Conferencia Lenhardt de esta primavera del Museo, un componente clave de la Iniciativa de Arte Contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. Quaicoe es conocido por sus exuberantes retratos de amigos y familiares que utilizan colores llamativos para comunicar narrativas personales e identidades distintas. Sus formas figurativas, incluida una serie reciente de vaqueros negros estadounidenses, exudan empoderamiento, redención, sofisticación, humildad, curiosidad y quietud, y que a menudo, reflejan la dinámica de género y raza de los Estados Unidos. Coincidiendo con el programa de PhxArt, el Museo adquirió el retrato de Quaicoe Profile of Larry Ossei (Perfil de Larry Ossei)(2022), que estará en exhibición esta primavera en el Katz Wing for Modern Art del Museo y es la quinta obra adquirida por el Museo a través de la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt. La Conferencia Lenhardt de esta primavera postulará a Quaicoe en diálogo con el tema de esta reciente adquisición, Larry Ossei-Mensah, lo que representa una emocionante oportunidad para aprender sobre el proceso del retrato y el equilibrio entre el artista y el sujeto. El evento se presentará el 22 de marzo de 2023 a las 7 pm en el Whiteman Hall del Museo. Los boletos son gratuitos para los Miembros del Museo y $5 para el público y se pueden reservar aquí.

“Estamos encantados de traer a Otis Kwame Kye Quaicoe y a Larry Ossei-Mensah a Phoenix Art Museum como parte de nuestra serie de conferencias Lenhardt en curso, las cuales son posible gracias a la visión y la generosidad de Dawn y David Lenhardt”, dijo Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “La habilidad de Quaicoe para capturar la esencia de sus modelos es magistral, y su retrato de Ossei-Mensah—una fuerza emergente en el campo del arte contemporáneo, no es diferente. Este trabajo, con Ossei-Mensah vestido como un vaquero, brinda a nuestros visitantes la oportunidad de considerar historias e identidades históricamente excluidas de las narrativas sobre el oeste americano y el mundo del arte en general, y agradecemos a la familia Lenhardt por permitirnos el Museo para agregar esta importante pintura a nuestra colección permanente”.

Nacido en Accra, Ghana, y ahora radicado en Oregón, Otis Kwame Kye Quaicoe (n. 1988) es uno de los principales artistas de África occidental de su generación. Quaicoe aborda la pintura como un medio exploratorio que presenta una oportunidad para abordar temas de identidad personal, dinámicas sociales dominantes y la historia de la pintura misma. Realizados en una escala accesible, sus retratos ricamente texturizados son íntimos y poderosos, utilizando campos de color audaces y concentrados para capturar las emociones y las características definitorias de sus modelos. Su reciente serie de retratos de vaqueros negros moderniza el género, descontinuando un relato inexacto y excluyente generalizado de la historia de los Estados Unidos. Quaicoe, quien estudió pintura en el Ghanatta College of Art and Design for Fine Art, ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales, incluyendo ONE BUT TWO (Haadzii) (2021) y Black Like Me (2020) en la galería Roberts Projects de Los Ángeles, California, así como BLACK RODEO: Cowboys of the 21st Century (2022) en Almine Rech Gallery en Bruselas, Bélgica.

Para la Conferencia Lenhardt de primavera en PhxArt, Quaicoe aparecerá en una conversación con el curador y crítico cultural ghanés-estadounidense Larry Ossei-Mensah. Originario del Bronx, Ossei-Mensah utiliza el arte como un foro para redefinir cómo nos vemos a nosotros mismos y al mundo que nos rodea. Actualmente, se desempeña como curador general en la Academia de Música de Brooklyn (BAM) y anteriormente se desempeñó como curador senior de Susanne Feld Hilberry en el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit. Ossei-Mensah ha trabajado con artistas como Steve McQueen, Catherine Opie, Nick Cave, Guadalupe Maravilla, Ebony G. Patterson, Judy Chicago y Amoako Boafo, por nombrar algunos, y sus exposiciones y proyectos han aparecido en diversos festivales nacionales e internacionales. lugares, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; Ben Brown Fine Arts en Hong Kong y Londres; el Museo de la Diáspora Africana en San Francisco; MASS MoCA; y la 7ª Bienal de Atenas en Atenas, Grecia, de la cual fue co-curador con OSMK Social Club.

“Dawn y yo estamos muy complacidos de dar la bienvenida a Otis Kwame Kye Quaicoe y Larry Ossei-Mensah a Phoenix Aert Museum para la Conferencia Lenhardt de esta primavera”, dijo David Lenhardt, vicepresidente de la Junta Directiva del Museo. “Las obras de empoderamiento de Quaicoe utilizan el retrato como una forma de investigación cultural diaspórica, lo que nos permite indagar en temas sociales de nuestro pasado y presente. Estamos emocionados de ayudar a traerlo a él y a Ossei-Mensah a Phoenix para que nuestra comunidad pueda aprender más sobre su colaboración, sus procesos y las historias en las cuales se enfocan en descubrir y elevar”.

Profile of Larry Ossei (Perfil de Larry Ossei) (2022) de Quaicoe es la quinta obra adquirida en la colección del Museo con fondos de la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt, la cual se amplió en el 2021 para apoyar la diversificación de la colección de arte contemporáneo de Phoenix Art Museum mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyen a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones socialmente relevantes, incluyendo los de artistas negros, indígenas, latinos y mujeres, entre otros. La pintura modela a Ossei-Mensah, considerado una estrella curatorial en ascenso, como un vaquero negro, cuestionando el descarte de la identidad negra dentro de un contexto histórico-artístico y dentro de las historias del oeste de Estados Unidos. El trabajo estará en exhibición en el Katz Wing for Modern Art del Museo a partir de esta primavera y junto con la Conferencia Lenhardt de Marzo.

“El retrato de Ossei-Mensah de Quaicoe no solo diversifica la colección de arte contemporáneo del Museo, sino que amplía nuestra comprensión del oeste americano y lo que consideramos arte estadounidense”, dijo Christian Ramírez, curadora asistente de iniciativas de arte contemporáneo y comunitario. “Estamos agradecidos con la familia Lenhardt por su continua dedicación para expandir la representación en nuestros programas y adquisiciones”.

Para obtener más información sobre la Conferencia Lenhardt de primavera del 2023, comunícate con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de la Conferencia de Dawn y David Lenhardt y la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt
La Conferencia de Dawn y David Lenhardt involucra al público de Valle con algunos de los artistas contemporáneos más aclamados del mundo. En el 2018, la conferencia inaugural presentó al artista neoyorquino Jim Hodges, y las conferencias posteriores incluyeron a los artistas Shara Hughes, Daniel Joseph Martinez, Arcmanoro Niles, Teresita Fernández, Amalia Mesa-Bains, Derek Fordjour y Rashid Johnson.

La Conferencia Lenhardt es un componente clave de la Iniciativa de arte contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. Hecho posible gracias a la generosidad de la familia Lenhardt radicada en Arizona, la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt se estableció en el 2017 para profundizar el compromiso del Museo con el arte contemporáneo a través de varios programas, específicamente, las Conferencias Lenhardt, que involucran al público del Valle con algunas de los artistas contemporáneos más aclamados del mundo; el Fondo de adquisición de arte contemporáneo Lenhardt, que permite que Phoenix Art Museum coleccione obras de artistas contemporáneos; y la Dawn and David Lenhardt Gallery, designada para la presentación de arte contemporáneo, que incluye obras adquiridas con fondos de la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt, préstamos de coleccionistas nacionales y locales, y una serie rotativa de obras de arte de la propia colección Lenhardt. En 2021, la iniciativa se amplió para apoyar la diversificación de la colección de arte contemporáneo del Phoenix Art Museum mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyan a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones socialmente relevantes, incluidas las de personas negras, indígenas, latinx, y mujeres artistas, entre otros. Desde el 2017, el Museo ha adquirido obras de arte de Shara Hughes, Arcmanoro Niles, Derek Fordjour, Rashid Johnson y, ahora, Otis Kwame Kye Quaicoe con fondos de la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt.

Acerca de Otis Kwame Kye Quaicoe
Otis Kwame Kye Quaicoe (n. 1988, Accra, Ghana) es uno de los principales artistas de África Occidental de su generación. Quaicoe asistió a la Facultad de Arte y Diseño de Bellas Artes de Ghanatta en Accra, Ghana, con especialización en pintura. Sus imágenes exploran temas de empoderamiento y redención, sofisticación y humildad, curiosidad y quietud, y en su obra, el color se convierte en su propio lenguaje de transformación, ya sea social, político o personal. Cada una de las figuras de Quaicoe representa la recuperación de la dignidad cultural, abrazando la idea de origen y la narrativa personal en el marco de las dinámicas de género y raza. Quaicoe ha sido objeto de exposiciones individuales que incluyen ONE BUT TWO (Haadzii) (2021) y Black Like Me (2020) en la galería Roberts Projects en Los Ángeles, California.

Acerca de Larry Ossei-Mensah
Larry Ossei-Mensah (n. 1980) usa el arte como un foro para redefinir cómo nos vemos a nosotros mismos y al mundo que nos rodea. El curador y crítico cultural ghanes-estadounidense ha organizado exposiciones y programas con artistas como Firelei Baez, Steve McQueen, Catherine Opie, Nick Cave y Guadalupe Maravilla, entre otros. También ha colaborado con creativos como Derrick Adams x Jay-Z, Marco Brambilla y Mikael Owunna, junto con lugares globales como The MCA Denver, Ben Brown Fine Arts en Hong Kong y Londres, y la 7ª Bienal de Atenas en Atenas. Grecia, la cual co-curó con OSMK Social Club.

Originario del Bronx, Ossei-Mensah cofundó ARTNOIR, una organización sin fines de lucro dedicada a impulsar la equidad racial en el mundo del arte. Actualmente, se desempeña como curador general en la Academia de Música de Brooklyn, con próximas exhibiciones programadas en el Museo de Arte de Seattle y el Museo de Arte de Denver.

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PHOENIX (14 de diciembre, 2022) –Phoenix Art Museum agregó recientemente más de 170 obras a su colección de más de 20,000 objetos de arte y diseño de moda asiático, estadounidense, latinoamericano, europeo, moderno y contemporáneo. Las adquisiciones notables incluyen Un paisaje fluvial con una cascada (c. 1660) del renombrado pintor holandés Jacob van Ruisdael y El vuelo de Sor Juana (1982) de Eduardo Carrillo. Además, el Museo adquirió Vestido (1996) de James Sterling Paper Fashions y Cambio de “Daisy Mae” (década de 1960) de Mist Modes, los cuales fortalecen las existencias del Museo de diseños de moda hechos de papel y materiales desechables.

Adquisiciones destacadas:

• Un paisaje fluvial con una cascada (c. 1660) de Jacob van Ruisdael, obsequiada por el Dr. Meryl H. y la Sra. Jeanne Haber, representa una cascada turbulenta que cae en un estanque rodeado de magníficos árboles, con agua agitada y grandes ramas de árboles rotas en primer plano que sugieren la naturaleza siempre cambiante de la vida. La procedencia más reciente de la obra es de gran interés. En la década de 1930, la pintura se encontraba en la galería de la casa del comerciante de arte judío holandés Jacques Goudstikker. La saga de su familia es una tragedia de la Segunda Guerra Mundial. Cuando los nazis invadieron los Países Bajos, la familia Goudstikker huyó. Hermann Göring, líder nazi, saqueó esta pintura (en la fotografía de la página anterior), junto con muchas otras, de la Galería Goudstikker en Ámsterdam. Durante la Segunda Guerra Mundial, los Nazis ocultaron las pinturas. En 1945, cuando terminó la guerra, esta obra y otras de los viejos maestros fueron recuperadas por los aliados y el gobierno holandés. La familia Goudstikker tardó casi 60 años en recuperar la posesión de las pinturas una vez más. Esta pintura se compró en una subasta en Londres en 2007. En la parte posterior de la pintura hay etiquetas de la Galería Goudstikker que indican que los nazis estaban en posesión de esta obra durante la Segunda Guerra Mundial. Actualmente en exhibición en Art of the Americas + Europe galleries.

• Vestido (1966) de James Sterling Paper Fashions y Cambio de “Daisy Mae” (1960s) de Misty Modes fueron obsequiados por Kelly Ellman, colaboradora del Museo desde hace mucho tiempo. Estas prendas coloridas y caprichosas destacan un momento especial en la historia de la moda, cuando las prendas hechas de papel y materiales desechables conquistaron el mundo. Estas obras, que ahora forman parte de la colección de diseño de moda del Museo, generan conversaciones importantes sobre la creatividad y la sostenibilidad.

• Tejido zero (2019) by Julianne Swartz, adquirido con fondos proporcionados por Jane y Mal Jozoff, está fabricado con filamento de cobre esmaltado que tiene aproximadamente el diámetro de un mechón de cabello. El enrollado repetitivo convierte las frágiles hebras en un recipiente suave. Esta obra estuvo previamente expuesta en Historias de abstracción: arte latinoamericano contemporáneo en contexto global, que presentó obras de arte pocas veces vistas de algunos de los artistas contemporáneos más innovadores de América Latina. Actualmente en exhibición en Katz Wing for Modern Art.

• Obsequiado por Ruben y Juliette Carrillo, El vuelo de Sor Juana (1982) de Eduardo Carrillo representa a Sor Juana Inés de la Cruz, la monja, poeta y erudita autodidacta mexicana del siglo XVII. Considerada por los historiadores como una de las primeras escritoras feministas publicadas de su tiempo, Sor Juana es retratada con la pluma y el rosario en la mano y su cuerpo inclinado a la voluntad de Dios. La pintura muestra la capacidad de Carrillo para pasar del realismo a los reinos de la fantasía en su obra. Actualmente en exhibición en Art of the Americas + Europe galleries.

• Casa antigua en Ciénega (20^th century) by Fremont F. Ellis, obsequiado por JPMorgan Chase, esta es una de las obras de paisaje más destacadas de Ellis. Al establecerse en Santa Fe en 1919, el pintor principalmente autodidacta capturó su entorno y fundó uno de los primeros grupos de arte de Santa Fe, Los Cinco Pintores. Esta obra estuvo anteriormente en la colección de Walter Reed Bimson (1892-1980), un coleccionista de arte pionero de Arizona que dirigió el Valley National Bank. Actualmente en exhibición en Orme Lewis Gallery.

• Paisaje Japonés con figuras y barcos (c. 1869-1908) de Charles Dater Weldon, obsequiado por Janet y Peter Mattingly, fue creado durante el tiempo que el pintor de Ohio pasó en Japón. Como ilustrador, Weldon se ganó la reputación de representar con precisión “la vida real de la gente”. Esta obra, que retrata un paisaje japonés, es una adición inusual a la colección de arte estadounidense del Museo. Actualmente en exhibición en Orme Lewis Gallery.

• Para su colección de Arte Asiático, el Museo adquirió aproximadamente 50 textiles indonesios. Hechos completamente a mano para uso diario y ceremonial, los textiles se exhibieron anteriormente en la exposición Sumatra: Textiles de la colección del Dr. Thomas J. Hudak de 2010 del Museo. El obsequio representa la primera adquisición de obras de Indonesia, ampliando el total de naciones representadas en la colección Arte Asiático a 14.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (25 de febrero de 2021) –Phoenix Art Museum anuncia la ampliación de la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo para apoyar la diversificación de su colección de arte contemporáneo mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyan a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones sociales relevantes para la comunidad de Phoenix y la sociedad en general. Estos esfuerzos implicarán coleccionar obras de una serie de artistas que trabajan hoy en día, incluyendo artistas negros, indígenas, latinxs y mujeres, entre otros. Esta reimaginación de la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo apoya las metas previamente expresadas del Museo de examinar y diversificar su colección permanente. La Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo originalmente se estableció en 2017 por medio del apoyo de Dawn y David Lenhardt, filántropos del Valle, para profundizar el compromiso del Museo con el arte contemporáneo por medio de varios programas, incluidas las Conferencias Lenhardt, el Fondo de Adquisición Lenhardt para Artistas Emergentes, y la Galería Dawn y David Lenhardt. En el futuro, también se asignarán fondos de la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo para que el Museo pueda centrarse específicamente en la adquisición de obras de arte que contribuyan a la diversificación de su colección de arte contemporáneo.

“Estamos profundamente agradecidos a Dawn y David Lenhardt por encabezar y financiar generosamente una iniciativa que es tan crucial para la misión del Phoenix Art Museum”, dijo Tim Rodgers, PhD, Director y CEO del Museo, con subvención por Sybil Harrington. “La familia Lenhardt ha hecho posible que el Museo centre sus esfuerzos en abordar la histórica infrarrepresentación de varias comunidades en la colección de la institución mediante la adquisición de obras que reflejan mejor la diversidad de la comunidad a la que servimos hoy. Tenemos la esperanza de que otras personas que apoyan a Phoenix Art Museum y tienen los medios para hacerlo se unan al Museo y a los Lenhardt para cumplir con esta visión de una colección más inclusiva”.

La Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo se creó en 2017 con el objetivo de proporcionar financiación continua para las adquisiciones de arte contemporáneo de artistas emergentes y programas públicos que eleven el perfil del Museo a escala nacional. Al no contar con un presupuesto anual para nuevas adquisiciones, el Museo ha dependido históricamente de este tipo de donaciones de su comunidad de donantes y de sus grupos de apoyo para conseguir financiación para las adquisiciones de nuevas obras de arte. Gracias a esta donación inicial, el Museo pudo adquirir varias obras significativas de artistas emergentes en la escena nacional, como Shara Hughes y Arcmanoro Niles. Las Conferencias Lenhardt anuales reforzaron aún más el programa de arte contemporáneo del Museo al presentar y exponer a la comunidad de Phoenix a artistas de renombre internacional como Jim Hodges, Daniel Joseph Martínez y, más recientemente, Teresita Fernández y Amalia Mesa-Bains. Ahora, la ampliación de la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo también destacará a artistas cuyas diversas narrativas son significativas para la comunidad de Phoenix y más allá.

“Vimos la oportunidad de ampliar nuestra iniciativa de manera que pudiera apoyar los esfuerzos del Museo para abordar cuestiones de diversidad, equidad e inclusión”, dijo David Lenhardt, que también es vicepresidente de la Junta de Fideicomisarios del Museo. “Esta iniciativa no sólo hará crecer la colección de arte contemporáneo, sino que también enriquecerá la colección y la programación relacionada con diversas perspectivas y experiencias que reflejan nuestro momento actual. A través de estas adquisiciones, así como las conferencias anuales que traen a estos artistas al Valle del Sol, Phoenix Art Museum contribuirá a un diálogo urgente que refleje mejor la realidad multicultural de nuestra nación”.

Como compromiso con este enfoque ampliado, el Museo ha adquirido The Futility of Achievement (La futilidad de los logros) (2020), del artista de Nueva York Derek Fordjour, con fondos aportados por la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo. El cuadro de gran tamaño fue presentado recientemente en la exposición SELF MUST DIE (El ser debe morir) en la Galería Petzel de Nueva York, que contrastaba la inevitabilidad de la muerte real con la muerte aspiracional del ego del artista. Fordjour, nacido en Memphis, Tennessee, de padres de origen ghanés, obtuvo su licenciatura en el Morehouse College, su maestría en educación artística en la Universidad de Harvard y una maestría en pintura en el Hunter College. Ha exhibido en notables instituciones de todo el mundo y ha recibido encargos para varios proyectos públicos, como una instalación permanente para la Autoridad Metropolitana de Tránsito de Nueva York en la estación de metro de la calle 145 y el Proyecto de Cartelera del Museo Whitney. La obra de Fordjour figura en varias colecciones nacionales, como el Studio Museum of Harlem, el Brooklyn Museum, el Pérez Art Museum Miami, el Dallas Museum of Art, el Whitney Museum of American Art, LACMA y, ahora, Phoenix Art Museum. La futilidad de los logros (2020) se podrá ver en el Phoenix Art Museum a partir de la primavera de 2021, y Fordjour será el orador principal de la Conferencia Lenhardt este otoño. 

“La Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo es fundamental para el desarrollo y la evolución del arte contemporáneo en Phoenix Art Museum”, dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Conservador Jefe de la institución, con subvención por la familia Selig, que supervisa los programas de arte contemporáneo del Museo. “Al mismo tiempo que permite al Museo seguir perfeccionando nuestra reputación nacional mediante el desarrollo de un programa de colección que presenta a algunos de los artistas más cautivadores que trabajan hoy en día, la iniciativa también contribuye al compromiso del Museo con una mayor representación y diversidad dentro de nuestra colección. Esta oportunidad no habría sido posible sin la visión y la pasión de la familia Lenhardt, que considera no sólo un privilegio apoyar estos esfuerzos, sino una responsabilidad.”

Para más información acerca de la Iniciativa Dawn y David Lenhardt del Arte Contemporáneo y Phoenix Art Museum, contacte a la Oficina de Comunicaciones del Museo al 602.307.2003 o a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de la Iniciativa Dawn y David Lenhardt de Arte Contemporáneo

Hecha posible por medio de la generosidad de la familia Lenhardt de Arizona, la Iniciativa Dawn y David Lenhardt de Arte Contemporáneo se estableció en 2017 para profundizar el compromiso del Museo con el arte contemporáneo a través de varios programas, específicamente las Conferencias Lenhardt, que vinculan al público del Valle con algunos de los artistas contemporáneos más aclamados del mundo; el Fondo de Adquisición de Arte Contemporáneo Lenhardt, que permite al Phoenix Art Museum coleccionar obras de artistas contemporáneos; y la Galería Dawn y David Lenhardt, designada para la presentación de arte contemporáneo, incluyendo obras adquiridas con fondos de la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo, préstamos de coleccionistas nacionales y locales, y una serie rotativa de obras de arte de la propia colección de los Lenhardt. En 2021, la iniciativa se amplió para apoyar la diversificación de la colección de arte contemporáneo del Phoenix Art Museum mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyen a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones sociales que son relevantes para la comunidad de Phoenix y la sociedad en general, incluyendo artistas negros, indígenas, latinxs y mujeres, entre otros.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (27 enero de 2021) –En 2020, Phoenix Art Museum añadió 71 obras a su colección de más de 20 000 objetos de arte asiático, estadounidense, latinoamericano, europeo, moderno y contemporáneo y de diseño de moda. Entre las adquisiciones más destacadas están The Futility of Achievement (La futilidad de los logros) (2020), del aclamado artista de Nueva York Derek Fordjour, y Sin título (1972), una pintura al gouache de Alexander Calder. Además, el Museo ha adquirido Chaco Canyon (Cañón Chaco) (c. 1927-1930), de Warren Eliphalet Rollins, y Lowrider Builder and Child (Constructora de lowriders y niño) (2012), de Liz Cohen, artista radicada en Arizona y profesora asociada del Instituto Herberger para el Diseño y las Artes de la Universidad Estatal de Arizona. Estas cuatro nuevas adquisiciones elevan las colecciones de arte estadounidense, moderno y contemporáneo del Museo y se unen a otras 67 obras de diseño de moda y arte asiático, latinoamericano, estadounidense occidental y contemporáneo.

“Estamos encantados de añadir estas excepcionales obras a la colección del Phoenix Art Museum”, dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe, con subvención por la Familia Selig. “La adquisición de The Futility of Achievement (La futilidad de los logros), de Derek Fordjour, y de la obra fotográfica Lowrider Builder and Child (Constructora de lowriders y niño), de Liz Cohen, no sólo contribuye a los esfuerzos continuos del Museo por diversificar su colección y representar mejor a nuestra comunidad mediante la adquisición de obras de artistas de color y de artistas radicados en Arizona, sino que estas obras también hacen avanzar la colección de arte contemporáneo del Museo a nivel nacional e internacional, a la vez que ofrecen a nuestra comunidad la oportunidad de acceder a algunas de las obras más importantes de los artistas contemporáneos de hoy. Estas obras, junto con un raro ejemplo de una pintura de Alexander Calder de la última etapa de su carrera y muchas otras, son adiciones importantes y significativas a la colección”.

Adquisiciones destacadas

• The Futility of Achievement (La futilidad de los logros) (2020), de Derek Fordjour, es la tercera obra adquirida con fondos del Fondo Lenhardt para la Adquisición de Artistas Emergentes, un componente clave de la Iniciativa de Arte Contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. La pintura a gran escala fue presentada recientemente en la exposición SELF MUST DIE (El ser debe morir) en la Galería Petzel de Nueva York, que contrastaba la inevitabilidad de la muerte real con la muerte aspiracional del ego del artista. Fordjour, quien nació en Memphis, Tennessee, de padres de origen ghanés, obtuvo su licenciatura en el Morehouse College, su maestría en educación artística en la Harvard University y una maestría en pintura en el Hunter College. Ha presentado sus obras en notables instituciones de todo el mundo y ha recibido encargos para diversos proyectos públicos, como una instalación permanente para la Autoridad de Tránsito Metropolitana de Nueva York en la estación de metro de la calle 145 y el Proyecto de Cartelera del Whitney Museum. La obra de Fordjour figura en varias colecciones nacionales, como el Studio Museum de Harlem, el Brooklyn Museum, el Pérez Art Museum de Miami, el Dallas Art Museum, el Whitney Museum of American Art, LACMA y, ahora, Phoenix Art Museum. The Futility of Achievement (2020) será presentada en Phoenix Art Museum a partir de la primavera de 2021.

• Sin título (1972) de Alexander Calder fue una donación al Museo por parte del patrimonio de Billie Javancie, una artista de Arizona que trabajaba principalmente en la escultura de metal. Aunque Calder es más conocido por sus innovadores móviles cinéticos impulsados por motores o corrientes de aire, prefería la pintura al gouache como medio principal para sus obras bidimensionales. Sin título (1972) revela el interés de Calder en los colores primarios, la abstracción, el movimiento y lo lúdico.

• Regalado por Norine Heinrich, Chaco Canyon (c. 1927-1930) de Warren Eliphalet Rollins representa una de las ruinas más famosas de Nuevo México. Rollins, quien nació en Carson City, Nevada, estudió arte en la Escuela de Diseño de San Francisco antes de establecerse en Santa Fe en 1919. En 1921, Rollins fue miembro fundador y presidente del Club de Artes de Santa Fe. Es conocido por sus representaciones tradicionales de los pueblos indígenas de Arizona y Nuevo México, con los que convivía durante meses, y le fascinaban especialmente las ruinas y los lugares antiguos, como el Cañón Chaco, así como los sitios zuni, hopi y navajo.

• Lowrider Builder and Child (Constructora de lowriders y niño) (2012), de la fotógrafa y artista de performance de Phoenix, Liz Cohen, fue adquirida con fondos del Premio Zuber y la Fundación de la Familia Opatrny. La obra fotográfica muestra a Cohen recostada en un entorno tranquilo e idílico y amamantando a su recién nacido frente a un Trabant de Alemania del Este que restauró y transformó en un lowrider al estilo de El Camino estadounidense como parte de su proyecto BODYWORK (Carrocería). Lowrider Builder and Child examina el papel que tradicionalmente han desempeñado las mujeres en la cultura de los coches lowrider, centrándose en la artista a la vez como personalizadora de coches y como modelo.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (14 de febrero, 2020) – Una nueva exposición en Phoenix Art Museum estrenará más de 40 obras de arte latinoamericano contemporáneo en una celebración del regalo de Nicolas Pardon en 2018, cofundador de la anteriormente conocida Colección SPACE, la serie mas grande de arte latinoamericano fechada después de la década 1990 en los Estados Unidos. Más de 25 artistas de ocho países exploran como el lenguaje visual de abstracción ha generado profundos conocimientos sobre la cultura y las políticas latinoamericanas. La exposición examina cómo la historia del genero penetra la región –  así como los Estados Unidos y Europa – y hace visible las filosofías sociales de hoy en día.  Historias de abstracción: Arte latinoamericano contemporáneo estará a la vista del 2 de mayo al 20 de septiembre, 2020. 

“Historias de abstracción intenta a destapar la abstracción como una herramienta por artistas latinoamericanos en el discurso cívico radical y la exploración de temas relevantes para la sociedad” dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe, con subvención por la Familia Selig. “El título de la exposición aclara la existencia de narrativas complejas que acompañan estas obras abstractas. Phoenix Art Museum se dedica a la preservación de obras notables de artistas latinoamericanos tanto como al desarollo de la erudición original del significado y el fundamento del arte latinoamericano abstracto. Historias de abstracción ofrece a nuestra comunidad de demografica de mas de 40% Latinx una explicación oportuna e inspiradora de este lenguaje universal.”

La adquisición reciente de Pardon totalizando 112 obras de arte representa un aumento de 300% en las posesiones contemporaneas latinoamericanas del Museo. Las historias en la exposición se cuentan a través de pinturas, esculturas, instalaciones, y obras hechos en papel de algunos de los artistas mas inovadores de Venezuela, México, Peru, Argentina, Colombia, Brasil, Honduras, y Guatemala, incluso siete mujeres artistas. Adicionalmente, las obras están contextualizados entre otros movimientos abstractos y complementado por obras distintas de décadas anteriores de artistas Alexander Calder, Pedro Friedeberg, Carlos Mérida, Frank Stella, Bridget Riley, y Jesús Rafael Soto, entre otros seleccionado de la colección del Museo.

Los puntos destacados de la exposición incluyen:

• Pantones (2013) del artista hondureño Adán Vallecillo consiste de seis banderas colgantes compuesto de cubiertas de taxis situada en diálogo el uno con el otro. La obra subraya el uso de materiales no tradicionales de la abstracción latinoamericana e invita a los espectadores a investigar las capas de significado.

• Artista venezolana Emilia Azcárate contribuye La mar de letras (2013), una obra de cinco paneles de letras escritas a máquina en una tinta verde radiante. Al hacer visibles formas mecánicas, repetitivas y obsesivas de hacer marcas en papel, su creación indescifrable es una explotación abstracta de la fallabilidad del lenguaje y las complicaciones de la comunicación.

• La instalación escultural Sin título (siete conejos) (2001-2013) hecho de bloques de paja y pegamento ordenado en escala descendente del artista colombiano Gabriel Sierra promueve a la investigación de idiomas y arquitectura.  Sierra ilustra como los ser humanos aplican a materiales ordinarios en la modificación del etorno y la dinámica de construcción a atraer ideas de comunidad, hábitat, y urbanismo.

• Inspirado por la teoría de deconstrucción, argentino Sergio Vega presenta una serie de planos monocromos amarillos sospendidos para configurar pasarelas en Shanty Nucleus After Derrida 2 (2011-2013). Una experiencia interactiva se produce cuando los espectadores toman fotografías de casas “chabolas” montadas en los planos como formaciones escultóricas fragmentadas.

En una exploración del rol relevante de la abstracción en el arte contemporáneo latinoamericano, los narrativos tejidos dentro de las emociones y conceptos derivando del zeitgeist son hechos concretos.  Con su representación de varios países en Latinoamérica, la exposición sugiere la multitud de formas en que las obras de arte abstractas pueden generar comentarios globales perspicaces e incluso cambios políticos.

“Historia de abstracción sitúa al Museo a la vanguardia de las conversaciones en torno a la erudición, las prácticas de exhibición y la importancia global del arte latinoamericano contemporáneo,” dijo Vicario. “La exposición daré la oportunidad de profundizar comprensión acerca de los logros válidos de principales artistas abstractos  latinoamericanos y a la vez promulgará dialogos renovados en la comunidad de Phoenix y más allá.  

Acerca de la exposición

Historias de abstracción: Arte latinoamericano contemporáneo estará a la vista del 2 de mayo al 20 de septiembre, 2020 en la Galería Steele. Es organizado por Phoenix Art Museum y hecho posible por la generosidad de los Círculos de Apoyo y los Miembros del Museo. La exposición es compuesto de objetos donado a la colección del Phoenix Art Museum por Nicholas Pardon.

Esta exposición especial es gratis para los Miembros del Museo; veteranos, militares, y sus familias inmediatas; y niños menores de cinco años.

Admisión general:

$23 — Adultos

$20 — Personas de la tercera edad (65+)

$18 — Alumnos (con ID)

$14 — Jóvenes (edades 6–17)

Entrada a todas las exposiciones especiales son gratuita con admisión general. Durante horas de donación voluntaria, se ofrece la exposición al público general con entrada de pago lo que guste de $5. El horario para entrada de donación voluntaria es: miércoles de las 3 pm a las 9 pm: los primeros viernes de cada mes de las 6 pm a las 10 pm; y el último sábado de cada mes de 10 am a las 5 pm para los jovenes menores de 18 años. Para el desglose completo de horarios y el precio de entrada, favor de consultar bit.ly/VisitPhxArt.

Para pedir entrevistas y fotografías de alta resolución, comuníquese con la Oficina de Marketing y Comunicaciones del Phoenix Art Museum al 602.257.2160 o por email a melissa.dunmore@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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