PHOENIX (22 de marzo del 2023) – Phoenix Art Museum (PhxArt) anuncia la apertura Misión y legado, una exposición que celebra el duradero impacto de Friends of Mexican Art (FOMA), una organización sin fines de lucro con sede en el Valle dedicada a fomentar el aprecio por el arte mexicano y a fortalecer los lazos culturales entre la comunidad metropolitana del área metropolitana de Phoenix y México. Durante sus casi 60 años de historia, FOMA obsequió obras de los artistas mexicanos de los siglos XX y XXI José Clemente Orozco, Enrique Chagoya, Carlos Mérida, Rufino Tamayo, Francisco Zúñiga, Alfredo Ramos Martínez y otros a la colección PhxArt. Misión y legado presenta muchas de estas obras sobresalientes al público y está en exhibición desde ahora hasta el 31 de diciembre del 2023 en la Galería James K. Ballinger Phoenix Art Museum.

“Phoenix Art Museum está inmensamente agradecido con Friends of Mexican Art por su duradero apoyo y compromiso compartido para proliferar el acceso al arte mexicano”, dijo Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “Las obras de arte que FOMA ha obsequiado al Museo a lo largo de nuestra asociación de décadas forman la base de nuestra colección de arte latinoamericano, asegurando el impacto indeleble de la organización en esta institución y en la capacidad de nuestra comunidad para participar con obras formativas de artistas de México en un futuro duradero.”

Friends of Mexican Art, coloquialmente conocido como FOMA, fue fundado en 1963 con la misión de fomentar la comprensión y la conciencia sobre la importancia del arte y la cultura mexicana. Durante casi 60 años, la organización sin fines de lucro 501(c)(3) ha aumentado la representación del arte mexicano en Phoenix Art Museum, Heard Museum, Scottsdale Center for the Arts, Phoenix Public Library, Arizona State University Art Museum, Mesa Arts Center, y Tucson Museum of Art a través del apoyo de adquisiciones y exposiciones de arte. En apoyo a la colección PhxArt, FOMA obsequió 25 obras sobresalientes de muchos de los artistas mexicanos más renombrados de los siglos XX y XXI, formando la base de la colección latinoamericana del Museo, que se estableció formalmente en 1992 y en ese momento representaba solo la segunda colección en el país dedicada al arte latinoamericano.

Tras el logro de su misión, FOMA se retira como organización en el 2022. Misión y legado honra el impacto de FOMA al presentar numerosas obras de arte obsequiadas a PhxArt durante las décadas de asociación de las dos instituciones. La exposición también presenta selecciones del Archivo de Friends of Mexican Art, que ahora se encuentra en la Biblioteca de investigación de arte Gene y Cathie Lemon del Museo y que conserva boletines, fotografías, invitaciones, correspondencia y otros materiales creados y asociados con el grupo durante su historia en función. Los objetos de archivo presentados en Misión y legado iluminan las varias formas en que la programación y las actividades de recaudación de fondos de FOMA celebran y preservan el arte mexicano tanto en el Valle del Sol como en México.

“La exhibición Misión y legado en Phoenix Art Museum tiene gran significado para los miembros de Friends of Mexican Art—del presente y del pasado”, dijo Sarah Maresco, uno de los cuatro miembros del presídium de FOMA. “Es un gran regalo ver estas hermosas obras de arte exhibidas juntas en representación de las obras que FOMA ha obsequiado al Museo durante casi 60 años. Muestra que FOMA ha cumplido su misión de aumentar el conocimiento y la comprensión del arte mexicano y ha ayudado a hacer del Valle del Sol un centro para las colecciones de arte mexicano”.

Para obtener más información sobre FOMA y la influencia del grupo en Phoenix Art Museum, comunícate con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía  samantha.santos@phxart.org.

Acerca de la exposición
Misión y legado es organizada por Phoenix Art Museum. Es posible a través de la generosidad de Friends of Mexican Art.  

La admisión es gratuita para los Miembros del Museo; menores de 5 años; y estudiantes de Maricopa County Community Colleges con identificación activa. La admisión a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de admisión reducida a la exposición durante los horarios de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 p. m., gracias al apoyo de SRP y City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/.

La fotografía de alta resolución se puede descargar aquí. Para solicitar entrevistas, comunícate con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum at 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (15 de marzo, 2023) – Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta Matusalén (2022) del artista cubano Reynier Leyva Novo, una obra de arte digital que sigue a un avatar de una mariposa a lo largo de su viaje desde el sur de Canadá, a través de los Estados Unidos, hasta México y de regreso como parte del ciclo reproductivo anual de la especie. Los visitantes presenciales experimentarán los movimientos y comportamientos de la mariposa monarca en un entorno compartido utilizando un dispositivo holográfico. Además, Matusalén es presentado y reproducido en tiempo real en un un sitio web dedicado de modo que los usuarios de todo el mundo con acceso a Internet puedan experimentar la obra en cualquier momento. La instalación de realidad mixta en PhxArt estará a la vista a partir del 6 de mayo en la Katz Wing for Modern Art del Museo. Se presenta en conjunto con Juan Francisco Elso: Por América, la primera retrospectiva desde 1992 para explorar la carrera del difunto artista cubano Juan Francisco Elso

Las mariposas monarca pesan menos de un gramo cada una y viven solo de dos a seis semanas, lo que requiere cuatro generaciones de descendientes para completar su migración anual. Matusalén se refiere a la cuarta generación de monarcas que nacen en el punto situado más al norte del patrón de migración y viven más que las otras generaciones. A fines del verano y el otoño, la generación Matusalén comienza un viaje de dos meses y 6,000 millas desde el sur de Canadá y el norte de los Estados Unidos hasta México, donde se detienen para hibernar en los remotos bosques de oyamel. En febrero y marzo despiertan y emprenden el regreso a casa, poniendo millones de huevos en el camino antes de morir.

Matusalén (2022) fue creado por el artista cubano Reynier Leyva Novo en colaboración con expertos en mariposas, taxidermistas, animadores, modeladores informáticos y diseñadores de software, traduciendo un espécimen analógico en una animación digital o avatar virtual. El modelo de distribución abierta de la obra de arte, que permite la observación las 24 horas del día, se basa en puntos de datos relacionados con las condiciones reales que experimenta la mariposa monarca durante la migración, incluyendo las inclemencias del tiempo y el terreno accidentado. Cualquier persona con conexión a Internet puede acceder a la obra a través de methuselahmonarch.com, lo que ayuda a eliminar las barreras sociales, culturales, geográficas y económicas. También se puede acceder a la obra de arte individualmente en dispositivos móviles a través de una aplicación gratuita en la App Store. A través de una instalación de realidad mixta en PhxArt en mayo, los visitantes presenciales podrán disfrutar de una experiencia íntima con la elegante mariposa monarca a través de un dispositivo holográfico a medida que continúa su ruta migratoria.

En Phoenix Art Museum, Matusalén es presentada en conjunto con la gran exposición Juan Francisco Elso: Por América y la exposición complementaria Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been: Selecciones de la Colección de arte cubano de ASU Art Museum, ambas son curadas por Olga Viso, curadora general de PhxArt y asesora principal del Herberger Institute for Design and the Arts de Arizona State University, en colaboración con Susanna V. Temkin, curadora de El Museo del Barrio, y Julio César Morales, director ejecutivo y jefe adjunto de curaduría de MoCA Tucson, respectivamente. En septiembre del 2022, el Museo formó parte de un grupo de casi 20 organizaciones culturales internacionales que se unieron para apoyar el lanzamiento de Matusalén, entre ellas Americas Society, ​Nueva York​; Art Gallery of Ontario, Canada; Ballroom Marfa, Texas; High Museum of Art, Georgia; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; International Center for the Arts of the Americas / Museum of Fine Arts Houston, Texas; MIT List Visual Arts Center, Massachusetts; Memphis Brooks Museum of Art, Tennessee; Montreal Museum of Fine Arts, Canada; Museo Jumex, Mexico; Museo Universitario Arte Contemporáneo, MUAC, UNAM, México; Museum of Contemporary Art North Miami, Florida; The Nelson-Atkins Museum of Art, Missouri; New York Botanical Garden, Nueva York; Pérez Art Museum Miami, Florida; Santa Barbara Museum of Art, California; y Seattle Art Museum, Washington.

Este verano, Matusalén también estará disponible en otros lugares del Valle, incluyendo el ASU Art Museum en Tempe, donde los estudiantes de ASU y los visitantes del museo pueden experimentar a Matusalén en un entorno de realidad mixta en el espacio Artists’ Workshop del museo; el ASU Media and Immersive eXperience Center (MIX) en Mesa, que transmitirá en vivo la ruta de vuelo de Matusalén hacia el norte en su pantalla gigante exterior de 80 pies; y el Desert Botanical Garden, que presentará una conversación pública con el artista Reynier Leyva Novo y expertos en polinización del Jardín, seguida de un recorrido por el renombrado Cohn Family Butterfly Pavilion del Jardín. Cada institución dará a conocer más información sobre la programación a medida que esté disponible.

“La suave diplomacia de la mariposa monarca, así como su perseverancia, ofrece una metáfora crítica de la existencia del siglo XXI relacionada tanto con la migración como con nuestra inminente crisis climática”, dijo Viso. “Que Novo haya creado esta obra durante su propia migración fuera de Cuba y que la mariposa monarca haya sido clasificada recientemente como una especie en peligro de extinción lo hace aún más conmovedor. Este interés y exploración del transnacionalismo y la fragilidad de la existencia rinde homenaje a la fascinación del propio Juan Francisco Elso por esos temas, demostrando cómo perdura la influencia de Elso en las nuevas generaciones de artistas cubanos como Novo”.

Acerca de la exposición
Matusalén es comisionada por El Museo del Barrio a traves del generoso apoyo de VIA Art Fund. El proyecto se presenta en relación con la exposición Juan Francisco Elso: Por América, la cual es organizada por El Museo del Barrio y fue posible gracias al importante apoyo de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La presentación de Juan Francisco Elso: Por América en Phoenix Art Museum es posible gracias a la generosidad de los patrocinadores asociados Sue y Bud Selig y los patrocinadores de Apoyo Men’s Arts Council, The Opatrny Family Foundation, y el Virginia G. Piper Charitable Exhibition Endowment Fund, con el apoyo adicional de Kimpton Hotel Palomar.

La admisión es gratuita para Miembros del Museo; menores de 5 años de edad; y estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de tarifas reducidas para la exposición durante los horarios de donación voluntaria los miércoles de 3 – 9 pm, hechos posible por SRP y apoyados en parte por la generosidad del Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, visita phxart.org/visit/.

La fotografía de alta resolución se puede descargar aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de El Museo del Barrio
El Museo del Barrio es la institución cultural latinx y latinoamericana líder del país. El Museo da la bienvenida a visitantes de todos los orígenes para que descubran el paisaje artístico de estas comunidades a través de su extensa Colección Permanente, variadas exhibiciones y publicaciones, programas públicos bilingües, actividades educativas, festivales y eventos especiales.

El museo está ubicado en 1230 Fifth Avenue en 104th Street en la ciudad de Nueva York. El Museo está abierto los jueves, viernes, sábados y domingos de 11:00 am a 5:00 pm. Paga lo que quieras. Para conectarse con El Museo a través de las redes sociales, síguenos en Facebook, Instagram y Twitter. Para más información por favor visita elmuseo.org.

About Reynier Leyva Novo
Reynier Leyva Novo  (n. 1983, La Habana, Cuba, y radicado en Houston, Texas) es uno de los principales artistas conceptuales de Cuba. La práctica de Novo desafía la ideología y los símbolos de poder, desafiando las nociones de la capacidad de un individuo para afectar el cambio. Su práctica multidisciplinaria incluye la extracción de datos históricos y documentos oficiales, cuyo contenido transforma en esculturas e instalaciones multimedia inmersivas formalmente minimalistas y conceptualmente cargadas. La obra de arte de Novo ha sido presentada en la Bienal de Liverpool (2010), la Bienal de Venecia (2011, 2017), la Bienal de La Habana (2015, 2019), Bienal de Shanghái (2018), la Bienal del Ghetto en Puerto Príncipe, Haití (2019), y la Trienal de Aichi(2019), entre otras. Su arte es coleccionado por museos e instituciones artísticas internacionales como la Art Gallery of Ontario, Toronto; Bronx Museum of Art, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC; Pérez Art Museum, Miami; Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana; y el Walker Art Center, Minneapolis, entre otros.

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PHOENIX (7 de febrero, 2023) – Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) y Arizona State University Art Museum (ASU Art Museum) presentarán una nueva exposición colaborativa, Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been: Selecciones de la Colección de arte cubano de ASU Art Museum, la primera colaboración curatorial significativa entre las dos instituciones en más de una década. La colaboración explora la expresión artística durante tiempos de crisis humanitaria y agitación social al mismo tiempo que presenta un registro de experiencias humanas que resonará entre audiencias de diversas identidades. La nueva exposición se basa en la colección de arte cubano contemporáneo en el ASU Art Museum para proporcionar un contexto más profundo a la presentación simultánea de PhxArt de la exposición de compromiso especial Juan Francisco Elso: Por América, la primera retrospectiva en más de 30 años del difunto artista cubano y un proyecto organizado por El Museo del Barrio en la ciudad de Nueva York. Las dos exposiciones brindarán una comprensión más profunda del contexto social y político en el que surgió el arte de Elso en la Cuba comunista de la década de 1980, además de la cultura y el clima político de la Cuba postsoviética en la década posterior a la muerte de Elso en 1988. PhxArt y ASU Art Museum también colaborarán para presentar programas comunitarios diseñados para conectar a los visitantes con estas dinámicas obras de arte y brindar mayor visibilidad a las complejas historias de la migración en Cuba y México. Ambas, Juan Francisco Elso: Por América yLo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been fueron curadas por Olga Viso, doblemente designada por PhxArt y el Herberger Institute for Design and the Arts de ASU. Las exposiciones estarán abiertas del 6 de mayo al 17 de septiembre del 2023 en Phoenix Art Museum.

“Como instituciones, a menudo pasamos por alto la riqueza de la experiencia y los recursos compartidos dentro de nuestras propias comunidades”, dijo Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “A través de esta colaboración con el Museo de Arte de ASU, el Museo de Arte de Phoenix tiene la oportunidad de traer obras de artistas cubanos de la increíble colección de ASU a nuestras galerías mientras presentamos conjuntamente una serie de programas públicos para comprender mejor la complejidad de los problemas relacionados con el exilio que enfrentan los artistas cubanos. Estas exposiciones presentan una perspectiva distintiva del impacto de un artista singular y su papel en la historia del arte, así como también la comunidad de Phoenix ha acogido y apoyado a artistas cuyas voces y prácticas artísticas han sido desafiadas por las instituciones políticas”.

“ASU Art Museum posee una historia de 25 años destacando la obra, las voces y las perspectivas de los artistas cubanos”, dijo Miki García, directora de ASU Art Museum. “Nuestra colaboración con PhxArt es una gran oportunidad para profundizar nuestra conexión con la comunidad. Los artistas en estas exposiciones demuestran cómo los artistas cubanos crearon una nueva cultura visual—una que desafió la preferencia de la era soviética por el arte imbuido de una agenda política y censura. Los artistas cubanos de los años 70 y 80 experimentaron tanto con los materiales que utilizaron como con los mensajes que elaboraron. Vemos una mezcla de arte conceptual, temas folclóricos y críticas institucionales que simultáneamente dieron forma a la nueva cultura y sirvieron como un espacio para procesar el impacto que las ideologías comunistas tuvieron en el sentido de identidad personal y comunitaria de los artistas”.

Curada por Olga Viso, en colaboración con Susanna V. Temkin, curadora de El Museo del Barrio, Juan Francisco Elso: Por América brinda una rara oportunidad de experimentar las frágiles obras existentes de Elso que se inspiran en las tradiciones indígenas mesoamericanas, las creencias religiosas afrocaribeñas y los traumas de la opresión colonial en las identidades contemporáneas cubanas, caribeñas y latinoamericanas. Las esculturas e instalaciones de Elso revelan una comprensión más amplia de las Américas, libre de naciones y fronteras geopolíticas, y también brindan una visión del contexto social y político de la Cuba comunista de la década de 1980, un período que condujo al colapso del bloque soviético y dio origen a la primera generación de artistas en ser educados completamente dentro de un sistema posrevolucionario. Estos artistas eventualmente surgieron en un escenario internacional y comenzaron a reflexionar críticamente sobre la sociedad cubana.

La historia continúa con Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been: Selecciones de la Colección de arte cubano de ASU Art Museum, la cual presenta las obras de arte más icónicas de ASU Art Museum creadas durante el período inmediatamente posterior a la caída de la Unión Soviética. Denominado el “Período especial en tiempo de paz” de Cuba por el entonces presidente Fidel Castro, desde principios de la década de 1990 hasta mediados de la década del 2000 en la isla se vieron empañados por una grave escasez de alimentos y materiales causada por el colapso de la Unión Soviética y sus subsidios financieros, junto con la persistencia de los embargos comerciales promulgados por Estados Unidos desde principios de la década de 1960. Como resultado, miles de refugiados cubanos huyeron en 1993-1994, en el punto culminante de la crisis, en balsas improvisadas a través de los traicioneros estrechos entre Cuba y Estados Unidos.

Las obras en Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been comentan sobre las luchas de la subsistencia diaria y la experiencia humana durante el “Período especial”, temas que son a la vez específicos y relevantes para las comunidades que han enfrentado el exilio y la represión política en todo el mundo. Las obras destacadas incluyen:

• El kayak improvisado de Kcho de 1996 posado sobre un precario mar de botellas en Para Olvidar, una referencia a la tragedia de los balseros en 1994, muchos de los cuales perecieron en el mar en su intento de conseguir la libertad.
• La maleta pintada de Sandra Ramos de su serie Migraciones II Nadando bajo las estrellas de 1994, que representa a dos figuras que atraviesan aguas oscuras y abiertas.
• La escultura de Aimee García Marrero del 2002 Bajo Presión/Under Pressure de una olla de presión, que hace referencia al uso de ollas y sartenes por parte de las mujeres como objetos de percusión en las protestas contra la escasez generalizada de alimentos.

La exposición también presenta obras de Belkis Ayón, Luis Cruz Azaceta, Abel Barroso, Jacqueline Brito, Yamilys Brito, Los Carpinteros, Carlos Estévez, René Francisco, Luis Gómez, Filiberto Mora, Kadir López Nieves, Fernando Rodríguez y Tonel.

Además de brindar una mirada al pasado, Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been explora la forma en que los artistas cubanos de hoy continúan lidiando con problemas de control gubernamental, fallas económicas y censura que también caracterizó el ‘Período especial’ de la isla. Este es el tema del monumental retrato del héroe nacional cubano, José Martí, de Reynier Leyva Novo, que se encuentra actualmente en exhibición en el piso principal del Ala Katz del Museo. El icónico retrato de Martí aparece como un gigante dormido suspendido en el tiempo. El título de la obra, Lo que es, es lo que ha sido, sirve de inspiración para el título de la exposición más amplia y vincula el pasado reciente con el momento presente. En conversación, la obra de Novo, Por América, y la exposición que presenta las obras de ASU Art Museum adquieren un significado más universal, particularmente cuando se ve a través de la lente del tumulto global y el cambio social en un mundo que cambia rápidamente.

“En 2018, Cuba estableció el Decreto 349, que legisla la expresión creativa e impone controles sobre el contenido artístico”, dijo Olga Viso, dualmente designada tanto por Phoenix Art Museum, así como de Arizona State University. “Los artistas que han protestado por estas medidas en los últimos años se han enfrentado a una dura respuesta gubernamental e incluso al encarcelamiento. Como informó recientemente The New York Times, está en marcha otro éxodo masivo de ciudadanos cubanos que huyen de la isla. El título de esta exposición, Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been, no solo hace eco de un sentimiento común entre la población cubana de hacer frente a lo que se avecina (es lo que es), sino también reconoce conmovedoramente que muy poco ha cambiado con respecto a la escasez y las libertades civiles en Cuba desde que comenzó el ‘Período especial’ hace más de 30 años”.

Juan Francisco Elso: Por América y Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been son exposiciones dirigidas por Olga Viso, asesora principal de asuntos curatoriales y curadora general de PhxArt y asesora principal del Herberger Institute for Design and the Arts de ASU. Viso fue acompañada por el co-curador Julio César Morales, director ejecutivo y jefe de curaduría de MoCA Tucson, en Lo que es, lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been. Fotografía de alta resolución de Lo que es, es lo que ha sido/ What It Is, Is What Has Been puede ser descargada aquí. Para solicitar entrevistas, comunícate con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o al samantha.santos@phxart.org. Para el comunicado de prensa completo de Juan Francisco Elso: Por América, presiona aquí.

Acerca de la exposición
Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been: Selecciones de la Colección de arte cubano de ASU Art Museum es organizada por Phoenix Art Museum y ASU Art Museum y curado por Olga Viso, curadora general de PhxArt y asesora principal del Herberger Institute for Design and the Arts de Arizona State University, y Julio César Morales, director ejecutivo y jefe adjunto de curaduría de MoCA Tucson. La exposición es posible gracias a la generosidad de Circles of Support y los Miembros del Museo.

La admisión es gratuita para miembros del Museo; veteranos, personal militar activo, y sus familiares inmediatos; menores de 5 años de edad; y estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de tarifas reducidas para la exposición durante los horarios de donación voluntaria los miércoles de 3 – 9 pm, hechos posible por SRP y apoyados en parte por la generosidad del Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, visita phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de Arizona State University Art Museum y el arte cubano
La colección de arte cubano contemporáneo de ASU Art Museum se distingue por el arte producido en la isla desde mediados de la década de 1980 hasta principios de la década del 2000 y se centra en el arte realizado durante un período de la historia cubana conocido como el “Período especial”. La colección cuenta con más de 250 objetos en todos los medios. El Museo de Arte de ASU fue uno de los primeros museos de arte a nivel mundial en recopilar arte cubano de este momento en profundidad y continúa manteniendo una de las principales colecciones de arte de esta época.

La colección fue reunida por la ex jefa de curaduría y directora del museo, Marilyn Zeitlin, a fines de la década de 1990 y principios de la del 2000. Zeitlin buscó aprovechar el compromiso del museo desde hace tiempo de coleccionar arte latinoamericano, especialmente de regiones y comunidades subrepresentadas. También ha tenido el objetivo a expandir las colecciones de grabados latinoamericanos del museo y profundizar las concentraciones existentes de gráficos de temática política que documentan los movimientos sociales. La Colección de arte cubano fue comisionada y adquirida por ASU con el generoso apoyo de fundaciones nacionales y donantes locales que buscaban responder con urgencia a las dificultades que estaban experimentando los artistas. En la década de 1990, ASU Art Museum comisionó a muchos de los artistas presentados aquí a que produjeran un portafolio impreso. Esa serie se exhibe simultáneamente en la galería Art in Focus en ASU Art Museum hasta septiembre de 2023. Para obtener más información, visita asuartmuseum.asu.edu.

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PHOENIX (17 de enero, 2023) – Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta Juan Francisco Elso: Por América, la primera retrospectiva en un museo de arte desde 1992 que explora la trayectoria del difunto artista cubano Juan Francisco Elso. La exposición está organizada por El Museo del Barrio y cuenta con la curaduría de Olga Viso, curadora invitada por el El Museo del Barrio, también curadora principal de PhxArt y asesora principal del Herberger Institute for Design and the Arts de Arizona State University, en colaboración con Susanna V. Temkin, curadora de El Museo del Barrio. La retrospectiva ofrece una rara oportunidad para que el público estadounidense experimente las frágiles obras existentes de Elso, incluyendo esculturas e instalaciones que demuestran el riguroso estudio del artista de los rituales afrocubanos y las antiguas culturas indígenas mientras intentaba comprender y articular a la vez una auténtica identidad nacional cubana y exponer una ciudadanía transamericana más amplia. Al situar estas obras de arte en conversación con grabados, esculturas y más de un grupo intergeneracional de artistas activos desde la década de 1970—entre ellos José Bedia, Tania Bruguera, Luis Camnitzer, Melvin Edwards, Karlo Andrei Ibarra, Glenn Ligon, Ana Mendieta, Tiona Nekkia McClodden, Reynier Leyva Novo, Lorraine O’Grady y otros—Por América descubre los impactos del legado de Elso en generaciones de creadores en todo el continente americano desde la prematura muerte del artista en 1988 a la edad de 32 años. Juan Francisco Elso: Por América estará en exhibición desde el 6 de mayo hasta el 17 de septiembre del 2023 en Steele Gallery de Phoenix Art Museum.

“Es esencial para Phoenix Art Museum el llevar Juan Francisco Elso: Por América al público del suroeste”, dijo Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “El difunto artista cubano tuvo una carrera breve pero impactante, y como una institución comprometida con la investigación, la academia y la presentación del arte de las Américas, es fundamental que nuestros espectadores comprendan la complejidad y diversidad de perspectivas e historias de la región y entre sus artistas. Las obras profundamente investigadas e increíblemente conmovedoras de Elso hablan de un deseo más amplio de una existencia humana más equitativa y una cosmovisión multicultural informada no solo por puntos de vista filosóficos más amplios sobre la historia de Cuba y su gente, sino también por una mayor identidad latinoamericana y contemporánea. A través de la obra de Elso y la inclusión de una selección impresionante de artistas en conversación, esperamos que esta exposición amplíe la comprensión de nuestra audiencia sobre el arte cubano y que los visitantes encuentren paralelismos entre sus propias experiencias y los problemas que Elso enfrentó durante su carrera”.

Radicado en La Habana y en la Ciudad de México, Juan Francisco Elso (1956–1988) formó parte de la primera generación de artistas nacidos y educados en la Cuba posrevolucionaria. A fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, emergió como artista visual antes de morir de leucemia a la edad de 32 años. Usando materiales naturales y orgánicos como barro, arcilla, paja, ramas, corteza y tierra, Elso elaboró ​​esculturas e instalaciones que examinan las influencias de las tradiciones indígenas, las creencias religiosas afrocaribeñas y los traumas de la opresión colonial en las identidades contemporáneas cubana, caribeña y latinoamericana. La producción limitada del artista, incluyendo los planes para varias obras no realizadas, revelan su comprensión más amplia de las Américas, libre de la división continental y las ideas convencionales de estado y nación.

Juan Francisco Elso: Por América es la primera exposición retrospectiva de la obra del difunto artista en más de 30 años, en gran parte debido a la naturaleza delicada de las obras de Elso y la tensa relación política entre Cuba y los Estados Unidos, que ha dificultado el intercambio de obras de arte extraídas de las colecciones nacionales cubanas entre los dos países. La exposición adopta un enfoque contextual, colocando la obra de Elso en diálogo con un grupo de 40 artistas multigeneracionales activos en el Caribe y en América del Norte, del Sur y Central, que exploran ideas y temas similares que preocuparon a Elso a lo largo de su vida y carrera. Juan Francisco Elso: Por América se organiza en las siguientes secciones temáticas:

Elso y las Américas
En el centro de esta sección se encuentra la obra maestra de Elso, Por América (José Martí) (1986), que retrata al poeta, filósofo, héroe nacional y mártir cubano José Martí. Como líder en la lucha de la isla por la independencia nacional de España en el siglo XIX, Martí finalmente murió en el campo de batalla en busca de esa libertad. Considerada una de las obras más importantes de finales del siglo XX, Por América refunde el icónico retrato de Martí en términos humanos. La figura está realizada en madera, yeso y tierra y se asemeja a un santo de iglesia colonial. Empuñando un machete, el poeta se posiciona como un santo devoto y un guerrero afrocubano. Otras obras en esta sección de una variedad de artistas de Cuba, República Dominicana, Puerto Rico y los Estados Unidos, incluidos Papo Colo, Melvin Edwards, Scherezade García, Ana Mendieta, Belkis Ayón y Ángel Ramírez, y más consideran similarmente los apasionados momentos frenéticos, violentos y revolucionarios a lo largo de la historia que han dado forma a las Américas desde la conquista europea.

Legados africanos
Elso poseía una visión de las Américas como una geografía y un experimento social definido tanto por las historias de las antiguas culturas indígenas como por los legados del comercio transatlántico de esclavos y el colonialismo. Esta sección de la exposición explora la dedicación de Elso al estudio de las historias afrocubanas y amerindias, así como la influencia de su propia práctica devocional de la religión afrocubana La Regla de Ocha (también conocida como Santería) en su producción artística. Impresiones complementarias, objetos y más de artistas como Albert Chong, Lorraine O’Grady, María Magdalena Campos-Pons y el colega y amigo de Elso, José Bedia, también examinan las influencias y los legados de la diáspora africana en el Caribe y más allá.

Ensayo sobre América
Elso a menudo trabajaba en series, creando agrupaciones escultóricas que cuestionaban sus reflexiones más amplias sobre las Américas. Esta sección presenta varias instalaciones de múltiples objetos que consideran a la humanidad como una confluencia de imperfección terrenal y excelencia divina, siempre al borde de la autodestrucción o la iluminación. Pájaro que vuela sobre América (1985), por ejemplo, es una máquina voladora construida con madera, cera y yute. Diseñado para adaptarse a Elso, el objeto está construido para que un guerrero terrenal imaginario acceda metafóricamente a los reinos espirituales y celestiales. Otras obras presentadas en esta sección incluyen grabados, esculturas y más de las artistas mexicanas Graciela Iturbide y Magali Lara.

La transparencia de Dios
Durante los últimos años de su vida mientras vivía en México, Elso comenzó su serie final, La transparencia de Dios, que era parte de una visión más amplia que no pudo completar antes de su muerte. En esta sección de la exposición, los visitantes se encuentran con las tres esculturas que Elso terminó: Corazón de América, El Rostro de Dios y La mano Creadora (1987). -1988). Aunque tres objetos adicionales nunca fueron realizados, el artista dejó instrucciones verbales sobre cómo se deben instalar las tres esculturas entre sí para sugerir los contornos de una entidad monumental parecida a un dios. La presentación de la exposición de La transparencia de Dios honra la intención de Elso con los objetos que completó.

América inconclusa
Elso veía a las Américas como un trabajo en progreso, una entidad viva que podría ser rediseñada, reelaborada y rediseñada sin cesar. Su cosmovisión transamericana esperanzadora, más equitativa, estaba libre de fronteras y naciones geopolíticas y, en cambio, se basaba en el respeto y el cuidado de la tierra, las tradiciones ancestrales y los alimentos, bienes y servicios compartidos que todos los humanos necesitan para prosperar. Esta sección final de Por América presenta la última obra terminada de Elso antes de su muerte: Caballo contra colibrí (1988). La escultura representa un pájaro (símbolo de la vida indígena) enfrentándose a un caballo (símbolo de la colonización europea). Reflexiona sobre las historias vividas de las Américas mientras anima a los espectadores a imaginar una realidad alternativa en la que el pájaro sale victorioso. Las obras de Luis Camnitzer, Karlo Andrei Ibarra, Kcho, Tiona Nekkia McClodden y otros a lo largo de esta sección también consideran y teorizan nuevas narrativas más allá de nuestras memorias colectivas.

“Un enfoque contextual sustenta en su totalidad a Juan Francisco Elso: Por América”, dijo la curadora de la exposición, Olga Viso. “Surge de un deseo de situar al artista firmemente en su lugar y tiempo, considerando también su influencia y legado. Con demasiada frecuencia, el mundo del arte posiciona a los artistas caribeños y latinoamericanos a quienes considera que trabajan fuera de la corriente principal, o que han tenido carreras abreviadas, como anomalías artísticas desligadas de su contexto. Para desafiar tales suposiciones, esta investigación ofrece una propuesta alternativa que entreteje a Elso firmemente en el tejido de un imaginario diaspórico contemporáneo. Es un acercamiento que espero ofrezca a los lectores la oportunidad de conocer a Juan Francisco Elso y la historia de la producción artística en Cuba, así como a una generación de artistas internacionales que estuvieron en el centro de la definición de la multicultural década de 1980 y son figuras críticas del paisaje cultural rico y prismático en las Américas de hoy”.

Juan Francisco Elso: Por América se acompaña de un catálogo completo totalmente ilustrado coeditado por El Museo del Barrio y [NAME] y editado por Olga Viso. El volumen de aproximadamente 400 páginas es la primera publicación monográfica en inglés sobre el artista y también se produce en español. Presenta ensayos de los académicos internacionales Rachel Weiss, Orlando Hernández, Cuauhtémoc Medina y Gerardo Mosquera, cuyos ensayos anteriores y entrevistas con Elso se traducen al inglés por primera vez. Nuevas voces, incluyendo a la académica afrocaribeña Erica Moiah James y el curador cubano-estadounidense Gean Moreno, ofrecen perspectivas teóricas y posiciones informadas por estudios contemporáneos sobre la raza y la diáspora, mientras que las contribuciones de artistas y curadores como Tania Bruguera, Coco Fusco, Jimmie Durham , Graciela Iturbide, Reynold Kerr, Magali Lara, Corina Matamoros, Gerardo Suter y Javier Téllez brindan reflexiones personales sobre el artista y su legado.

Acerca de la exposición
Juan Francisco Elso: Por América es organizada por El Museo del Barrio y por la curadora visitante Olga Viso, curadora general de Phoenix Art Museum y asesora principal del Herberger Institute for Design and the Arts de Arizona State University, en colaboración con Susanna V. Temkin, curadora de El Museo del Barrio. La exposición es hecha posible gracias al gran apoyo de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Las comisiones son hechas posible por VIA Art Fund y la Elizabeth Firestone Graham Foundation. Su presentación en Phoenix Art Museum es hecha posible a través de la generosidad de los patrocinadores asociados Sue y Bud Selig y los patrocinadores de apoyo Men’s Arts Council y la familia Opatrny, y el Virginia G. Piper Charitable Exhibition Endowment Fund, con el apoyo adicional de Kimpton Hotel Palomar. 

La admisión es gratuita para miembros del Museo; veteranos, personal militar activo, y sus familiares inmediatos; menores de 5 años de edad; y estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de tarifas reducidas para la exposición durante los horarios de donación voluntaria los miércoles de 3 – 9 pm, hechos posible por SRP y apoyados en parte por la generosidad del Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, visita phxart.org/visit/.

La fotografía de alta resolución se puede descargar aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de El Museo del Barrio
El Museo del Barrio es la institución cultural latinx y latinoamericana líder del país. El Museo da la bienvenida a visitantes de todos los orígenes para que descubran el paisaje artístico de estas comunidades a través de su extensa Colección Permanente, variadas exhibiciones y publicaciones, programas públicos bilingües, actividades educativas, festivales y eventos especiales. El museo está ubicado en 1230 Fifth Avenue en 104th Street en la ciudad de Nueva York. El Museo está abierto los jueves, viernes, sábados y domingos de 11:00 am a 5:00 pm. Paga lo que quieras. Para conectarse con El Museo a través de las redes sociales, síguenos en Facebook, Instagram y Twitter. Para más información por favor visita elmuseo.org.

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PHOENIX (20 de mayo de 2021) –Este septiembre, Phoenix Art Museum estrenará Oscar Muñoz: Invisibilia, la primera retrospectiva del renombrado artista colombiano Oscar Muñoz presentada en los Estados Unidos. Organizada por Phoenix Art Museum con el Blanton Museum of Art, la exposición itinerante fue organizada por  Vanessa Davidson, PhD, anteriormente la Curadora de Arte Latinoamericano de Phoenix Art Museum, con subvención de Shawn y Joe Lampe, y actualmente la Curadora de Arte Latinoamericano en el Blanton. La retrospectiva incluirá una amplia selección de aproximadamente 50 obras creadas por el artista a lo largo de cinco décadas que exploran los temas del tiempo, la memoria, la historia, y el conocimiento. Comenzando con sus primeros dibujos al carboncillo de los años 1970, la exposición incluye además obras híbridas creadas desde los años 1980 hasta el presente, las que combinan procesos fotográficos con dibujo, grabado, instalación, video, escultura y elementos interactivos. La exposición también presentará nueva obra nunca antes exhibida. Oscar Muñoz: Invisibilia estará abierta al público en el Phoenix Art Museum desde el 11 de septiembre de 2021 al 16 de enero de 2022 antes de viajar al Blanton en la primavera de 2022.

“Estamos muy entusiasmados por colaborar con el Blanton Museum of Art para traer una amplia retrospectiva de la obra de Oscar Muñoz a los Estados Unidos por primera vez”, dijo Tim Rodgers, PhD, Director y CEO de Phoenix Art Museum, con subvención de Sybil Harrington. “Por su trabajo en refinar y redefinir el medio de la fotografía, Muñoz se ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más significativos trabajando no sólo en América Latina sino en todo el mundo. Esperamos que las audiencias del suroeste estadounidense y de toda la nación aprovechen esta rara oportunidad de experimentar su obra poderosa y profundamente humana”.

Nacido en 1951 en Popayán, Colombia, Oscar Muñoz es conocido internacionalmente por sus obras materialmente diversas que unen los medios del cine, el vídeo, la fotografía, la instalación y la escultura para explorar temas tan elusivos y universales como la identidad, la amnesia social, la memoria y la transitoriedad de la vida. Trabajando en un país acosado por las catástrofes de la guerra civil, emplea materiales efímeros como la luz, el agua, el fuego y el polvo para crear retratos y obras experienciales que asocian la precariedad de la imagen con la fragilidad de la vida, siendo simultáneamente indelebles y fugaces. Muñoz explora los procesos fotográficos como base de su práctica debido a la relación inherente del medio con los conceptos de tiempo e historia, además de su gran potencial para ser deconstruido y manipulado para otras preocupaciones formales y conceptuales. Aunque no se considera fotógrafo, Muñoz fue galardonado con el Premio Internacional de Fotografía de la Fundación Hasselblad en 2018. Ha sido objeto de retrospectivas internacionales itinerantes por América Latina y Europa, y ha participado en varias exposiciones colectivas a nivel mundial, incluyendo en Argentina, México, Colombia, Suecia, España, París y Nueva York.  Su obra ha sido adquirida por numerosas colecciones privadas y públicas, incluyendo las del Blanton Museum of Art, Austin, Texas; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Los Angeles County Museum (LACMA), Los Ángeles, Calif.; Museum of Fine Arts, Boston, Mass.;  Museum of Modern Art (MoMA), New York, N.Y.;  Tate Modern, Londres, Reino Unido; Daros Latinamerica Collection, Zurich, Suiza; y el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia; entre muchas otras.

Oscar Muñoz: Invisibilia representa la primera colaboración entre Phoenix Art Museum y el Blanton Museum of Art. Davidson ha colaborado estrechamente con el artista desde 2018 para crear esta retrospectiva que traza la evolución de la práctica radical de Muñoz a lo largo de cinco décadas.

“Oscar Muñoz forma parte de una destacada y poco conocida tradición de arte conceptual y fotográfico en Colombia que ha transformado la percepción y comprensión global del arte latinoamericano contemporáneo”, dijo Gilbert Vicario, Curador de Arte Contemporáneo de Phoenix Art Museum. “El enfoque exhaustivo y erudito de la Dra. Vanessa Davidson sobre la práctica de Muñoz cambiará fundamentalmente la profundidad de la comprensión de la obra de este artista en relación con una conversación más amplia sobre el trabajo impulsado conceptualmente y basado en la lente desde la década de 1970.”

Invisibilia presenta obras creadas desde finales de la década de 1970 hasta 2021, desde los primeros dibujos fotorrealistas a carboncillo hasta obras recientes y nunca antes vistas que iluminan el creciente interés del artista por la literatura y la configuración del texto y la imagen sobre la página. En lugar de presentar las obras cronológicamente, Invisibilia está organizada en cuatro secciones interconectadas que exploran los temas entrelazados que caracterizan del enfoque experimental de Muñoz. Presencia/Ausencia presenta obras que examinan los espacios vacíos que quedan donde antes había una forma concreta o un ser físico. Explora la tensión entre nuestra capacidad de ver y nuestra ceguera ante experiencias o historias que preferiríamos olvidar o que se han borrado, sustituido u ocultado físicamente. Memoria/Amnesia destaca las obras que se refieren a la imposibilidad de la permanencia, especialmente en relación con la corrosión o transfiguración de la memoria a lo largo del tiempo y la tendencia de la humanidad a la amnesia social. Apariencia/Desaparición incluye obras que funcionan cíclicamente y evocan asociaciones con la fragilidad de la imagen, la maleabilidad del tiempo y la precariedad de la vida misma. Por último, Cohesión/Fragmentación presenta obras que son autorreferenciales tanto con respecto al proceso como al contenido conceptual, proporcionando breves claves visuales a los espectadores para completar la obra activamente en su imaginación.

Obras de arte claves en Invisibilia incluyen:

• Cortinas de baño (Shower Curtains) (1985-1986), una instalación a gran escala que une el método con el significado, con impresiones de personas duchándose creadas usando agua y tinta de aerógrafo en serigrafías sobre cortinas de plástico ordinarias. Las imágenes resultantes son huellas fantasmales de cuerpos ausentes captados en el momento más íntimo y vulnerable—haciendo desnudos e indefensos su ritual diario. Los espectadores se transforman en mirones de sombras espectrales.

• Ambulatorio (Walking Place/Outpatient Ward) (1994-2008), una instalación de una gran fotografía aérea de Cali, Colombia, impresa en láminas de vidrio de seguridad fragmentadas sobre las que se invita a los visitantes a caminar y contemplar la ciudad. La obra, basada en varias bombas detonadas en Cali, se fractura sonoramente bajo las pisadas, de la misma manera que los peatones caminan por entre los restos de las ventanas destruidas por las explosiones.

• Aliento (Breath) (1995), una serie que consiste en espejos aparentemente en blanco pero que cuando se respira sobre ellos revelan brevemente retratos sacados de los obituarios de personas “desaparecidas” en los conflictos armados o de otro tipo.

• Re/trato (Portrait/I Try Again)(2004), una obra de vídeo que muestra al artista intentando pintar un autorretrato con agua sobre el pavimento calentado por el sol, una imagen que se desvanece rápidamente cuando el líquido entra en contacto con el suelo caliente. Los espectadores ven como Muñoz trata en vano, una y otra vez, de completar la imagen durante 28 minutos ininterrumpidos.

• Paístiempo/Countrytime (2007),una obra interactiva con imágenes y textos pirograbados en papel de periódico que parecen disolverse y desintegrarse a medida que el espectador de vuelta las páginas, reflejando no sólo la obsolescencia inmediata de los contenidos de las publicaciones periódicas tras su impresión, sino también la desafección de los colombianos sobreexpuestos a la violencia en las noticias.

• Libro abierto (Open Book), 2019, un libro de impresiones fotográficas sombrías cuyas páginas muestran una mano fantasmal en medio de dar vuelta a las páginas, creando la ilusión óptica de que el espectador está viendo esta acción en curso.

“La universalidad de la obra de Oscar Muñoz reside en su exploración de temas de gran alcance como la identidad, el tiempo, el conocimiento y la historia a través de diversos medios”, dijo Davidson. “Al tener una experiencia directa de la exposición, espero que los visitantes consideren la forma en que Muñoz utiliza los medios más sencillos, como el agua sobre el cemento, para ilustrar la fugacidad de la imagen como metáfora de la fugacidad de su vida. Muñoz intenta ‘hacer memoria’ en su obra. También espero que contemplen cómo los significados de las fotografías que toman y guardan para documentar sus propias vidas cambian con el tiempo, y cómo ayudan a construir la memoria y la comunidad ¿Qué dicen de nosotros nuestras selfies, y cómo ‘hacen memoria’ ellas mismas?”.

Acerca de la exposición

Oscar Muñoz: Invisibilia será presentada desde el 11 de septiembre de 2021 hasta el 16 de enero de 2022 en la Ellen and Howard C. Katz Wing for Modern Art de Phoenix Art Museum. La exposición está organizada en colaboración entre Phoenix Art Museum y el Blanton Museum of Art. Su estreno en Phoenix se ha hecho posible gracias a la generosidad de The Diane & Bruce Halle Foundation y la Carl & Marilynn Thoma Foundation, y Sicardi | Ayers | Bacino, con apoyo adicional de los Círculos de Apoyo del Museo y los Miembros del Museo. Para más detalles sobre la exposición, visite https://phxart.org/es/exhibition/oscar-munoz-invisibilia/.

Oscar Muñoz: Invisibilia será acompañada con un catálogo bilingüe en inglés y español, que constituye la primera monografía importante sobre la obra del artista en inglés. El catálogo de la exposición también será el primero en considerar el impacto de las cinco décadas de carrera del artista, presentando obras desde la década de 1970 hasta 2020 para subrayar sus contribuciones al campo de la fotografía conceptual en América Latina y a nivel global. También incluirá dos entrevistas con Oscar Muñoz, y un texto del artista. La publicación está diseñada por Tracey Shiffman Associates, publicada por Hirmer Publishers (Nueva York y Berlín) en asociación con la University of Chicago, y editada por la Vanessa Davidson, PhD, anteriormente la Curadora de Arte Latinoamericano de Phoenix Art Museum, con subvención de Shawn y Joe Lampe, y actualmente la Curadora de Arte Latinoamericano en el Blanton Museum of Art de la University of Texas en Austin. Entre los colaboradores se encuentran: Natalia Brizuela, PhD, de la University of California, Berkeley; Marta Gili, anteriormente la Directora del Jeu de Paume, París; Mariangela Mendéz, PhD, de la Universidad de los Andes, Bogotá; Mari Carmen Ramírez, PhD, Museum of Fine Arts, Houston; María Inés Rodríguez, Curadora Independiente y Curadora General, MASP São Paulo; Robert Storr, Director de Artes Visuales de la 52ª Bienal de Venecia y ex Decano de la Yale School of Art; Joan Fontcuberta, Curador Independiente, Barcelona; y Alejandra Uslenghi, PhD, de la Northwestern University.

La entrada es gratis para Miembros del Museo; veteranos y militares en servicio activo y sus familias; y jóvenes de 5 años o menos. La entrada a la exposición está incluida en la entrada general para el público en general. Durante las horas de donación voluntaria, el público general puede ver la exposición pagando lo que desee por la entrada. Los horarios de donación voluntaria son los miércoles de 3 a 7 pm y el primer viernes de cada mes de 3 a 7 pm. Para ver un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte phxart.org/es/visitar/.  

Para solicitar entrevistas y fotografías de alta resolución, contacte la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum llamando al 602.257.2105 o enviando un mensaje a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de nivel mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es una destinación dinámica para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y con la colección del museo, que cuenta con más de 20,000 piezas de arte de los estados unidos y del oeste estadounidense, asiático, europeo, latinoamericano, arte moderno y contemporáneo y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos preparados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

Acerca de Oscar Muñoz

Nacido en Popayán, Colombia, Oscar Muñoz (n. 1951) estudió arte en la Escuela de Bellas Artes en Cali en la década de 1970. Como estudiante de arte, comenzó haciendo dibujos basados en imágenes fotográficas, y aunque sus estudios no incluyeron específicamente la fotografía o los medios audiovisuales, su exploración independiente de estos medios se convirtieron en aspectos centrales de su práctica artística. Conocido por su uso de materiales efímeros en reflexiones poéticas sobre la memoria y la mortalidad, Muñoz suele combinar los medios del cine, el vídeo, la fotografía, la instalación y la escultura. Su obra se ha mostrado en numerosas exposiciones internacionales individuales y colectivas, entre ellas las del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), México; Jeu de Paume, París, Francia; Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia; Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte del Banco de la República – Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, Colombia; y High Line Art, Nueva York, N. Y. Las obras de Muñoz se encuentran en numerosas colecciones privadas y públicas de todo el mundo, como las del Blanton Museum of Art de Austin, Texas; la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá, Colombia; la Daros Latinamerica Collection de Zúrich, Suiza; el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, Distrito de Columbia; el Los Angeles County Museum (LACMA) de Los Ángeles, California, y el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia; Museo del Barrio, Nueva York, NY; Museum of Contemporary Art (MoCA), Los Ángeles, California; Museum of Fine Arts, Houston (MFAH), Houston, Texas; Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, N. Y.; Pérez Art Museum Miami, Miami, Florida; San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA), San Francisco, California; y Tate Modern, Londres, Reino Unido; entre muchos otros.

En 2006, Muñoz fundó Lugar a Dudas, un centro cultural y programa de residencia para artistas ubicado en Cali, que se ha convertido en un centro donde artistas jóvenes pueden desarrollar ideas y participar en un diálogo y debate público sobre el arte y la política. Para más información sobre el artista, visite sicardi.com.

Acerca del Blanton Museum of Art

Fundado en 1963, el Blanton Museum of Art contiene la colección pública más grande del centro de Texas, con aproximadamente 19 000 objetos. Reconocida como el sitio de la obra Austin de Ellsworth Kelly, sus principales áreas de coleccionismo son el arte moderno y contemporáneo estadounidense y latinoamericano; la pintura del Renacimiento y el Barroco italianos; y las obras en grabado y dibujo. El Blanton ofrece encuentros con el arte que invitan a la reflexión, son visualmente sorprendentes y personalmente conmovedores.

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PHOENIX (10 de noviembre, 2020) – El 10 de diciembre de 2020, Phoenix Art Museum presentará la artista internacionalmente renombrada Teresita Fernández como la oradora de la tercera Conferencia Lenhardt anual, un componente clave de la Iniciativa de Arte Contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. Considerada una de las artistas más innovadoras de su generación, Fernández, quien fue nombrada Becaria de la Fundación MacArthur en 2005, es mejor conocida por sus instalaciones y  esculturas inmersivas y sus comisiones de arte público monumentales. La Conferencia Lenhardt de 2020 que destaca a Fernández coincide con la presentación en Phoenix Art Museum de Teresita Fernández: Elemental, una exposición retrospectiva de media carrera de la obra de la artista, exhibida actualmente hasta el 3 de enero de 2021. En respuesta a la pandemia de COVID-19, este año la Conferencia Lenhardt será presentada virtualmente y transmitida en vivo a las 6 pm el 10 de diciembre de 2020. Este evento virtual es gratis para Miembros del Museo y a disposición del público con donación sugerida.

“Estamos encantados de anunciar a Teresita Fernández como la oradora de la próxima Conferencia Lenhardt del Museo,” dijo Tim Rodgers, PhD, el Director y CEO de Phoenix Art Museum, con subvención por Sybil Harrington. “El evento de este año es una oportunidad especialmente única para que nuestras audiencias escuchen a una artista internacionalmente renombrada que tiene más de 50 esculturas a gran escala, instalaciones, y obras de pared de técnica mixta actualmente exhibidas en nuestras galerías aquí en el Museo. Agradecemos la generosidad continua de Dawn y David Lenhardt, cuyo apoyo ha hecho este evento virtual posible y cuya iniciativa trascendental continúa a exponer a nuestra comunidad a algunos de los artistas contemporáneos más innovadores y significativos trabajando hoy en día”.

Radicada en Nueva York, Fernández es famosa por sus instalaciones públicas prominentes y sus esculturas experimentales. Por medio de su práctica, ella explora la percepción y psicología de mirar, inspirada por una reconsideración del paisaje y el lugar y regularmente manipulando la luz y el espacio para crear experiencias inmersivas, íntimas y evocadoras para espectadores individuales. Fernández enfatiza la conexión entre sitio y material, usando oro, grafito, mineral de hierro, carboncillo y otros minerales que tienen relación histórica cargada con la colonización y la violencia incrustada en el paisaje. Su obra se caracteriza por un sutil desenredo del sitio, el poder, la visibilidad y la borradura. Esculturas minimalistas pero sustantivas evocan paisajes, elementos y diversas maravillas naturales, como lluvias de meteoritos, formaciones de nubes y el cielo nocturno. Fernández, que ha creado comisiones de sitio específico para espacios públicos tales como Harvard University, Madison Square Park, y Olympic Sculpture Park en Seattle, recibió la Beca Guggenheim en 2003, y en 2005, fue nombrada Becaria de la Fundación MacArthur por “integrar la arquitectura y los efectos ópticos del color y la luz en espacios contemplativos,” según el sitio web de la Fundación. Exposiciones individuales de su obra han sido organizadas en el Massachusetts Museum of Contemporary Art (North Adams, Mass.); el Museum of Contemporary Art North Miami (Fla.); y el Modern Art Museum of Fort Worth (Texas), entre otros. Su obra se puede encontrar en varias colecciones públicas y privadas internacionales, como el Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (N.Y.); el The Museum of Modern Art (N.Y.); el Museum of Fine Arts, Boston (Mass.); el Israel Museum (Tel Aviv, Israel); el Pérez Art Museum, Miami (Fla.); y el San Francisco Museum of Modern Art (Calif.).

“La Conferencia Lenhardt está diseñada para exponer a nuestra comunidad a importantes artistas dinámicos que están haciendo una contribución significativa en el campo de arte contemporáneo,” dijo David Lenhardt, vicepresidente de la Junta de Fideicomisarios del Museo. “Este año, Dawn y yo estamos emocionados por darle la bienvenida a Teresita Fernández porque no solo es considerada una de las artistas más innovadoras de su generación, su labor de defensa ha ayudado a abrir puertas y hacer espacio para otros artistas y curadores latinxs en el mundo de arte”.

Fernández actualmente tiene obra exhibida en Phoenix Art Museum hasta el 3 de enero de 2021 como parte de Teresita Fernández: Elemental, su primera retrospectiva a media carrera. Organiza colaborativamente por Phoenix Art Museum y el Pérez Art Museum Miami, Elemental incluye más de 50 esculturas a gran escala, instalaciones y obras de pared de técnica mixta de a mediados de la década de 1990 hasta el presente, ofreciendo una visión comprehensiva de la carrera de Fernández hasta ahora e introduciendo las creaciones evocadores de la artista que reinterpretan las relaciones entre la naturaleza, la historia y la identidad a audiencias en Arizona. Obras presentadas incluyen Untitled (1997), una escultura de piso espejada que hace referencia al voyeurismo pero motiva autorreflexión en los que examinan la estructura, y Fire (2005), que usa miles de hilos de seda teñidos a mano para construir patrones de llamas activados por la luz y el aire a medida que observadores se mueven a su alrededor. Elemental también presenta la obra más reciente de la artista, en la cual muestra la diferencia entre la naturaleza sublime de los paisajes tradicionales con el clima políticamente cargado actual de los Estados Unidos. Fire (America) 5 (2017) y Charred Landscape (America) (2017) subrayan la reinterpretación de Fernández de la tierra, presentando un paisaje contemporáneo estadounidense dañado por violencia, cambio climático, e ideologías en conflicto que están en marcado contraste a a la visión idealizada del sueño estadounidense. La exposición está acompañada por una publicación bilingüe completamente ilustrada diseñada por McGinty, Inc., co-publicada con DelMonico Prestel Books, y presentando contribuciones por co-curadores Amada Cruz, anteriormente la Directora y CEO de Phoenix Art Museum, con subvención por Sybil Harrington, y Franklin Sirmans, Director del Pérez Art Museum Miami, y María Elena Ortiz, Curadora Adjunta del Pérez Art Museum Miami; Matthew Spellberg, PhD, Becario de la Sociedad de Becarios de Harvard; Aruna D’Souza, autora de Whitewalling: Art, Race & Protests in 3 Acts; y Seph Rodney, PhD, redactor y editor para Hyperallergic, y miembro adjunto de la facultad de la Parsons School of Design.

“La obra de Teresita Fernández contribuye a un debate urgente alrededor de la diversidad e inclusión que está dando forma al diálogo cultural del momento,” dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe del Museo, con subvención por la Familia Selig, quien sirvió como el curador organizador para la presentación de  Teresita Fernández: Elemental. “Estamos emocionados de que nuestras audiencias en Arizona experimenten sus obras de arte a gran escala, que están forjadas de un marco conceptual que cuestiona las narrativas aceptadas históricas y políticas y confeccionadas de materiales naturales con relaciones complejas ligadas al colonialismo, la tierra y el poder”.

Fernández es la tercera oradora destacada de la Conferencia Lenhard anual, que previamente ha presentado a artistas internacionalmente renombrados Jim Hodges y Daniel Joseph Martinez a audiencias en Arizona. La Conferencia Lenhardt fue establecida como parte de la Iniciativa del Arte Contemporáneo de Dawn y David Lenhardt, la cual busca elevar al arte contemporáneo en Phoenix Art Museum y brindar acceso para la comunidad de Phoenix en general a artistas internacionales importantes trabajando actualmente. Junto con la Conferencia Lenhardt, la Iniciativa Lenhardt también proporciona recursos para adquirir nuevas obras por artistas contemporáneos y apoya la Conferencia Lenhardt de Artista Emergente, que presenta artistas emergentes de escala nacional cuya obra ha sido adquirida por medio de la Iniciativa Lenhardt. Para más información sobre la Conferencia Dawn y David Lenhardt o  Teresita Fernández: Elemental, contacte la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.307.2003 o samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Teresita Fernández

Teresita Fernández (n. 1968, Miami, Fla.) vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Ella recibió su licenciatura en bellas artes de Florida International University, Miami, en 1990 y su maestría de Virginia Commonwealth University, Richmond, en 1992. La obra de Fernández se caraceriza por un interés en la percepción y en la psicología de mirar. Sus obras a gran escala inmersivas frecuentemente se inspiran en una reconsideración del paisaje y el sitio, así como en referencias históricas y culturales diversas. Con referencias frecuentes al mundo natural, la práctica conceptual de Fernández enfatiza la conexión entre sitio y material, utilizando oro, grafito, mineral de hierro y otros minerales que tienen relación histórica cargada con la colonización y la violencia incrustada en el paisaje. Su obra se caracteriza por un sutil desenredado del sitio, poder, visibilidad y borradura que provoca una experiencia íntima para espectadores individuales. Designada por el Presidente Obama, ella es la primera latina en servir en la Comisión de Bellas Artes de EE.UU., un panel federal de cien años que aconseja al presidente y al Congreso sobre cuestiones nacionales de diseño y estética.

La obra de Fernández  ha sido exhibida nacionalmente e internacionalmente en The Museum of Modern Art (N.Y.); San Francisco Museum of Modern Art (Calif.); The Museum of Fine Arts, Boston (Mass.); The Smithsonian Museum of American Art (Washington, D.C.); Massachusetts Museum of Contemporary Art (North Adams, Mass.); y el Castello di Rivoli, Turín, Italia, entre otros.

Acerca de la Conferencia Dawn y David Lenhardt

La Conferencia Dawn y David Lenhardt atrae audiencias del Valle con algunos de los artistas más aclamados del mundo. En 2018, la conferencia inaugural presentó al artista radicado en Nueva York Jim Hodges, y en 2019, el Museo le dio la bienvenida a Daniel Joseph Martinez, un artista radicado en Los Ángeles, como el orador de la conferencia.

La Conferencia Lenhardt es un componente clave de la Iniciativa de Arte Contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. Hecha posible por medio de la generosidad de la familia Lenhardt de Arizona, la iniciativa aspira a profundizar el compromiso del Museo al arte contemporáneo por medio de varios programas y, junto con la Conferencia Lenhardt anual, incluye el Fondo Lenhardt para la Adquisición de Artistas Emergentes, el primer fondo del Museo diseñado específicamente para colectar obras por artistas contemporáneos de la próxima generación; la Serie de Conferencias Lenhardt de Artistas Emergentes, que aspira a introducir artistas contemporáneos emergentes en escala nacional a audiencias en Arizona; y la Galería Dawn y David Lenhardt, diseñada para la presentación de arte contemporáneo, lo que incluye obras adquiridas con fondos del Fondo Lenhardt para la Adquisición de Artistas Emergentes, préstamos de obras de colectoras nacionales y locales, y una serie de obras de arte en rotación de la colección personal de los Lenhardts.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (10 de septiembre, 2020) – Historias de abstracción: arte latinoamericano contemporáneo en contexto global en Phoenix Art Museum estrenará más de 40 obras de arte contemporáneo latinoamericano recientemente adquiridas en conversación con obras por 30 artistas estadounidenses y europeos, incluyendo cuatro actualmente trabajando en Phoenix. La nueva exposición explora cómo el lenguaje visual de la abstracción ha generado profundos conocimientos sobre la cultura y las políticas latinoamericanas y cómo los artistas latinoamericanos han sacado inspiración de la historia paralela de la abstracción en los Estados Unidos y Europa. Proveyendo un resumen  de la abstracción después de la década 1990 de diferentes geografías en Latinoamérica, la exposición examina cómo se utiliza la abstracción en el arte latinoamericano contemporáneo para expresar emociones, historias e ideas específicas surgiendo del zeitgeist cultural y político mientras abordando la multitud de formas en que el arte sin figuración o personajes reconocibles puede generar nuevo discurso, comentario profundo y hasta cambio político. Historias de abstracción será exhibido en el Phoenix Art Museum desde el 1 de octubre, 2020 hasta el 31 de enero, 2021.

“Historias de abstracción intenta a destapar la abstracción como una herramienta de los artistas latinoamericanos en el discurso cívico radical y la exploración de temas relevantes para la sociedad”, dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe, con subvención por la Familia Selig. “El título de la exposición aclara la existencia de narrativas complejas que acompañan estas obras abstractas que conectan a Latinoamérica al resto del mundo. La abstracción no se desarrolló en Latinoamérica independientemente, más bien su génesis está atado inextricablemente a la historia colonialista de la región, una relación visualmente evidente a través de los marcos formales y conceptuales. Phoenix Art Museum se dedica a la preservación de obras notables por artistas latinoamericanos tanto como al desarrollo de la erudición original del significado y el fundamento del arte latinoamericano abstracto. Historias de abstracción le ofrece a nuestra comunidad de demográfica de más de 40% Latinx un análisis oportuno e inspirador de este lenguaje visual universal”.

La exposición también celebra una donación hecha en 2018 de más de 112 obras latinoamericanas contemporáneas incluyendo pinturas, esculturas, instalaciones y obras sobre papel de parte de Nicholas Pardon, cofundador de la anteriormente conocida Colección SPACE, la serie más grande de arte latinoamericano fechado después de la década 1990 en los Estados Unidos. Presentando obras de arte del regalo significante que representan un aumento de 300% en las posesiones contemporáneas latinoamericanas del Museo, Historias de abstracción hace accesible una amplia gama de obras de arte cautivadoras por algunos de los artistas más innovadores, incluso siete mujeres artistas, de Venezuela, México, Perú, Argentina, Colombia, Brasil, Honduras, y Guatemala, así aclarando el poder de la abstracción de hacer concretas las filosofías sociales de hoy en día.

Para contextualizar las obras latinoamericanas contemporáneas del regalo reciente de Pardon históricamente dentro de la exposición, Historias de abstracción incorporará obras de artistas de las Américas y alrededor del mundo de una generación anterior para corroborar su influencia en los abstraccionistas latinoamericanos después de la década de 1990. Estas obras por artistas seminales como Alexander Calder, Pedro Friedeberg, Agnes Martin, Carlos Mérida, Hélio Oiticica, Frank Stella, Bridget Riley y Jesús Rafael Soto crearán puntos de referencia históricos demostrando cómo se apropiaron, reconfiguraron y reimaginaron los temas formales dentro del paisaje latinoamericano después de la década de 1990.

Obras por artistas estadounidenses contemporáneos trabajando en abstracción, incluyendo artistas radicados en Phoenix, seguirán expandiendo la conversación sobre la abstracción para iluminar cómo continúan a desarrollar y revelarse estas tendencias en un contexto global. Artistas radicados localmente presentados en Historias de abstracción incluirán a la escultora argentina y artista de luz y fuego Geny Dignac, artista abstracto y conceptual Matt Magee, fotógrafa y artista de performance Liz Cohen y escultor y artista internacionalmente renombrado Rotraut Moquay-Klein.

“Por medio de incluir obras por artistas radicados en Phoenix, Historias de abstracción ayudará a las audiencias a rastrear la evolución de la abstracción hasta el tiempo presente e iluminar su importancia como lenguaje visual que aún se utiliza dentro de nuestra comunidad de arte local a través de varios medios”, dijo Vicario. “Cada artista usa la abstracción de maneras sorprendentemente diferentes para provocar trascendencia emocional y espiritual hacia fines singulares”.

Los puntos destacados de la exposición incluyen:

• Pantones (2013) del artista hondureño Adán Vallecillo consiste de seis banderas colgantes compuestas de cubiertas de taxis situadas en diálogo el uno con el otro. La obra subraya el uso de materiales no tradicionales de la abstracción latinoamericana e invita a los espectadores a investigar las capas de significado.

• La instalación escultural Sin título (siete conejos) (2001-2013) del artista colombiano Gabriel Sierra, hecho de bloques de paja y pegamento ordenado en escala descendente continúa la investigación del artista de los idiomas del diseño y la arquitectura. Sierra utiliza la paja como un material vernáculo para la construcción, significando la modificación de la naturaleza y la adaptación al entorno por los humanos, atrayendo ideas de comunidad, hábitat y urbanismo y examinando las fuerzas que gobiernan la interacción humana con los entornos construidos.

• Shanty Nucleus After Derrida 2 (2011-2013) del artista argentino Sergio Vega presenta planos monocromos amarillos suspendidos en el espacio para crear una serie de configuraciones y pasarelas que producen una experiencia de visualización interactiva. Estos varios planos constituyen la base de color en el cual se han montado fotografías de casas “chabolas” para crear formaciones escultóricas fragmentadas inspiradas por la teoría de deconstrucción de Derrida.
  
• Royal Tide V (Marea real V) (1960) de la artista estadounidense Louise Nevelson, una obra escultórica hecha de piezas de madera descartadas que presenta composiciones abstractas enmarcadas dentro de estructuras cuadriculadas. Las esculturas de madera grandiosas y frecuentemente monótonas de Nevelson se mencionan comúnmente en relación a tropos artísticos como el expresionismo abstracto y el ensamblaje y tienen una semejanza fuerte, sin embargo en un espacio tridimensional, a la obra de Joaquin Torres-Garcia y su Escuela del Sur.
  
• Constellation with Orange Anvil (1960) del artista estadounidense Alexander Calder, la cual se ha reproducido en metal laminado pintado y alambre. De la serie Constellations del artista, la obra muestra el interés profundo del artista en la cosmología, evocando los movimientos y las formas puras de los planetas. Sus formas biomórficas también hacen referencia a obras de Joan Miró, Yves Tanguy y Jean Arp.
  
• Him (2015-16) por la artista estadounidense Liz Cohen, quien se radica y trabaja en Phoenix. En esta obra, la lana y seda de los tejidos de Loja Saarinen se encuentran con la madera de nogal de una silla Eames, un ejemplo de mobiliario moderno de mediados de siglo. Him une la abstracción a la creación de imágenes y el interés de la artista en representar las dificultades de la autoexpresión radical.
  
• Xantrion (2013) del artista estadounidense Matt Magee, la cual refleja su uso característico de la repetición. Magee, quien se radica también en Phoenix, encuentra inspiración en Agnes Martin, y su obra que combina la geometría, la cuadrícula, la ciencia y la naturaleza con un sentido poético aleatorio hace referencia a un lenguaje tanto interior como intuitivo enraizado en lo objetivo y experiencial.  
  
• Stella Stella (1968) por la artista radicada en Phoenix Geny Dignac, una pieza de neón explorando la percepción y el movimiento del color. Nacida en Buenos Aires en 1932, Digna fue expuesta en la década de 1950 a la vanguardia artística de Latinoamérica que busco crear arte concreto, no objetivo. Sus esculturas de luz cinéticas, que finalmente han resultado en una reconsideración radical del fuego como medio artístico, continúan los principios de artistas como Gyula Kosice.

“Historias de abstracción sitúa al Museo en la vanguardia de las conversaciones en torno a la erudición, las prácticas de exhibición y la importancia global del arte latinoamericano contemporáneo”, dijo Vicario. “La exposición promoverá nuevos diálogos en la comunidad de Phoenix y más allá y dará la oportunidad de aprender sobre los logros significativos de los artistas abstractos principales de Latinoamérica”.

Acerca de la exposición

Historias de abstracción: Arte latinoamericano contemporáneo en contexto global estará a la vista del 19 de septiembre, 2020 al 24 de enero, 2021 en la Galería Steele. Es organizado por Phoenix Art Museum y hecho posible por la generosidad de los Círculos de Apoyo y los Miembros del Museo. La exposición consiste de objetos donados a la colección del Phoenix Art Museum por Nicholas Pardon.

Entrada a esta exposición especial es gratis para los Miembros del Museo; veteranos, militares, y sus familias inmediatas, por cortesía de APS; estudiantes de Maricopa Community College (con identificación); y niños de 5 años y menores. Para un desglose de entrada general completo, visite phxart.org/es/visitar/.

Entrada a todas las exposiciones especiales está incluida con admisión general. Durante horas de donación voluntaria cuando la admisión general es de pago lo que guste, se ofrece entrada a Historias de abstracción al público por $5. Para un desglose completo de horarios y el precio de entrada, favor de consultar phxart.org/es/visitar/ .

Para pedir entrevistas y fotografías de alta resolución, comuníquese con la Oficina de Marketing y Comunicaciones del Phoenix Art Museum al 602.257.2160 o por correo electrónico a samantha.andreacchi@phxart.org.

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Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (15 de mayo, 2020) – Una nueva exposición de Phoenix Art Museum destaca más de 40 obras de arte latinoamericano contemporáneo en conversación con obras por 30 artistas estadounidenses y europeos. Historias de abstracción: Arte latinoamericano contemporáneo en contexto global explora cómo el lenguaje visual de la abstracción ha generado profundos conocimientos sobre la cultura y las políticas latinoamericanas y cómo los artistas latinoamericanos han sido inspirados por la historia paralela de la abstracción en los Estados Unidos y Europa. Proveyendo un resumen de la abstracción después de la década 1990 de diferentes geografías en Latinoamérica, la exposición explora cómo se utiliza la abstracción en el arte latinoamericano contemporáneo para expresar emociones, historias e ideas específicas surgiendo del zeitgeist cultural y político mientras abordando la multitud de formas en que el arte sin figuración o personajes reconocibles puede generar nuevos discursos, comentarios profundos y hasta cambio político. Historias de abstracción será exhibido en el Phoenix Art Museum desde el 1 de octubre, 2020 hasta el 31 de enero, 2021.

“Historias de abstracción intenta a destapar la abstracción como una herramienta de los artistas latinoamericanos en el discurso cívico radical y la exploración de temas relevantes para la sociedad” dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe, con subvención por la Familia Selig. “El título de la exposición aclara la existencia de narrativas complejas que acompañan estas obras abstractas que conectan a Latinoamérica al resto del mundo. La abstracción no se desarrollo en Latinoamérica independientemente, más bien su génesis está atado inextricablemente a la historia colonialista de la región, una relación visual que fluye a través de los marcos formales y conceptuales. Phoenix Art Museum se dedica a la preservación de obras notables por artistas latinoamericanos tanto como al desarrollo de la erudición original del significado y el fundamento del arte latinoamericano abstracto. Historias de abstracción le ofrece a nuestra comunidad de demográfica de más de 40% Latinx un análisis oportuno e inspirador de este lenguaje visual universal.”

La exposición también celebra una donación hecha en 2018 de más de 112 obras latinoamericanas contemporáneas incluyendo pinturas, esculturas, instalaciones y obras sobre papel de parte de Nicholas Pardon, cofundador de la anteriormente conocida Colección SPACE, la serie más grande de arte latinoamericano fechado después de la década 1990 en los Estados Unidos. Presentando obras de arte del regalo significante que representan un aumento de 300% en las posesiones contemporáneas latinoamericanas del Museo, Historias de abstracción hace accesible una amplia gama de obras de arte cautivadoras por algunos de los artistas más innovadores, incluso siete mujeres artistas, de Venezuela, México, Perú, Argentina, Colombia, Brasil, Honduras y Guatemala, así aclarando el poder de la abstracción de hacer concretas las filosofías sociales de hoy en día.

Para contextualizar las obras latinoamericanas contemporáneas del regalo reciente de Pardon históricamente dentro de la exposición, Historias de abstracción incorporará obras de artistas de las Américas y alrededor del mundo de una generación anterior para corroborar su influencia en los abstraccionistas latinoamericanos después de la década de 1990. Estas obras por artistas seminales como Alexander Calder, Pedro Friedeberg, Agnes Martin, Carlos Mérida, Hélio Oiticica, Frank Stella, Bridget Riley y Jesús Rafael Soto crearán puntos de referencia históricos demostrando cómo se apropiaron, reconfiguraron y reimaginaron los temas formales dentro del paisaje latinoamericano después de la década de 1990. Obras por artistas estadounidenses contemporáneos trabajando en abstracción, incluyendo artistas radicados en Phoenix, seguirán expandiendo la conversación sobre la abstracción para iluminar cómo continúan a desarrollar y revelarse estas tendencias en un contexto global.

Los puntos destacados de la exposición incluyen:

• Pantones (2013) del artista hondureño Adán Vallecillo consiste de seis banderas colgantes compuestas de cubiertas de taxis situadas en diálogo el uno con el otro. La obra subraya el uso de materiales no tradicionales de la abstracción latinoamericana e invita a los espectadores a investigar las capas de significado.

• Artista venezolana Emilia Azcárate contribuye La mar de letras (2013), una obra de cinco paneles de letras escritas a máquina en una tinta verde radiante. Al hacer visibles formas mecánicas, repetitivas y obsesivas de hacer marcas en papel, su creación indescifrable es una explotación abstracta de la falibilidad del lenguaje y las complicaciones de la comunicación.
  
• La instalación escultural Sin título (siete conejos) (2001-2013) del artista colombiano Gabriel Sierra, una instalación escultórica que consiste en pegamento y ladrillos de paja dispuestos en escala descendente, continúa la exploración del artista de los lenguajes de diseño y arquitectura. Sierra utiliza paja como material vernáculo para la construcción, lo que significa la modificación de la naturaleza por parte de los humanos y su adaptación al medio ambiente. Generando ideas de comunidad, hábitat y urbanismo, Sierra manipula la dinámica arquitectónica para examinar las fuerzas que rigen la interacción humana con los entornos construidos.
  
• Inspirado por la teoría de la deconstrucción, argentino Sergio Vega presenta una serie de planos monocromos amarillos suspendidos, creando una variedad de configuraciones y pasarelas, que permiten una experiencia de visualización interactiva en Shanty Nucleus After Derrida 2 (2011-2013).  Estos diversos planos constituyen el fondo de color sobre el que se han montado fotografías de chabolas para crear formaciones escultóricas fragmentadas inspiradas en la teoría de la deconstrucción de Derrida.

“Historias de abstracción sitúa al Museo a la vanguardia de las conversaciones en torno a la erudición, las prácticas de exhibición y la importancia global del arte latinoamericano contemporáneo,” dijo Vicario. “La exposición dará la oportunidad de profundizar comprensión acerca de los logros válidos de principales artistas abstractos latinoamericanos y a la vez promulgará diálogos renovados en la comunidad de Phoenix y más allá. 

Acerca de la exposición

Historias de abstracción: Arte latinoamericano contemporáneo en contexto global estará a la vista del 1 de octubre, 2020 al 31 de enero, 2021 en la Galería Steele. Es organizado por Phoenix Art Museum y hecho posible por la generosidad de los Círculos de Apoyo y los Miembros del Museo. La exposición consiste de objetos donados a la colección del Phoenix Art Museum por Nicholas Pardon.

Entrada a esta exposición especial es gratis para los Miembros del Museo; veteranos, militares, y sus familias inmediatas; alumnos del Colegio Comunitario Maricopa (con ID); y niños menores de cinco años.

Admisión general:
$23 — Adultos
$20 — Personas de la tercera edad (65+)
$18 — Alumnos (con ID)
$14 — Jóvenes (edades 6–17)

Entrada a todas las exposiciones especiales es gratuita con admisión general. Durante horas de donación voluntaria cuando la admisión general es de pago lo que guste, se ofrece la exposición al público por $5. El horario para entrada de donación voluntaria es: miércoles de las 3 pm a las 9 pm: el primer viernes de cada mes de las 6 pm a las 10 pm; y el último sábado de cada mes de 10 am a las 5 pm para los jóvenes menores de 18 años. Para el desglose completo de horarios y el precio de entrada, favor de consultar bit.ly/VisitPhxArt.

Para pedir entrevistas y fotografías de alta resolución, comuníquese con la Oficina de Marketing y Comunicaciones del Phoenix Art Museum por correo electrónico a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (14 de febrero, 2020) – Una nueva exposición en Phoenix Art Museum estrenará más de 40 obras de arte latinoamericano contemporáneo en una celebración del regalo de Nicolas Pardon en 2018, cofundador de la anteriormente conocida Colección SPACE, la serie mas grande de arte latinoamericano fechada después de la década 1990 en los Estados Unidos. Más de 25 artistas de ocho países exploran como el lenguaje visual de abstracción ha generado profundos conocimientos sobre la cultura y las políticas latinoamericanas. La exposición examina cómo la historia del genero penetra la región –  así como los Estados Unidos y Europa – y hace visible las filosofías sociales de hoy en día.  Historias de abstracción: Arte latinoamericano contemporáneo estará a la vista del 2 de mayo al 20 de septiembre, 2020. 

“Historias de abstracción intenta a destapar la abstracción como una herramienta por artistas latinoamericanos en el discurso cívico radical y la exploración de temas relevantes para la sociedad” dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe, con subvención por la Familia Selig. “El título de la exposición aclara la existencia de narrativas complejas que acompañan estas obras abstractas. Phoenix Art Museum se dedica a la preservación de obras notables de artistas latinoamericanos tanto como al desarollo de la erudición original del significado y el fundamento del arte latinoamericano abstracto. Historias de abstracción ofrece a nuestra comunidad de demografica de mas de 40% Latinx una explicación oportuna e inspiradora de este lenguaje universal.”

La adquisición reciente de Pardon totalizando 112 obras de arte representa un aumento de 300% en las posesiones contemporaneas latinoamericanas del Museo. Las historias en la exposición se cuentan a través de pinturas, esculturas, instalaciones, y obras hechos en papel de algunos de los artistas mas inovadores de Venezuela, México, Peru, Argentina, Colombia, Brasil, Honduras, y Guatemala, incluso siete mujeres artistas. Adicionalmente, las obras están contextualizados entre otros movimientos abstractos y complementado por obras distintas de décadas anteriores de artistas Alexander Calder, Pedro Friedeberg, Carlos Mérida, Frank Stella, Bridget Riley, y Jesús Rafael Soto, entre otros seleccionado de la colección del Museo.

Los puntos destacados de la exposición incluyen:

• Pantones (2013) del artista hondureño Adán Vallecillo consiste de seis banderas colgantes compuesto de cubiertas de taxis situada en diálogo el uno con el otro. La obra subraya el uso de materiales no tradicionales de la abstracción latinoamericana e invita a los espectadores a investigar las capas de significado.

• Artista venezolana Emilia Azcárate contribuye La mar de letras (2013), una obra de cinco paneles de letras escritas a máquina en una tinta verde radiante. Al hacer visibles formas mecánicas, repetitivas y obsesivas de hacer marcas en papel, su creación indescifrable es una explotación abstracta de la fallabilidad del lenguaje y las complicaciones de la comunicación.

• La instalación escultural Sin título (siete conejos) (2001-2013) hecho de bloques de paja y pegamento ordenado en escala descendente del artista colombiano Gabriel Sierra promueve a la investigación de idiomas y arquitectura.  Sierra ilustra como los ser humanos aplican a materiales ordinarios en la modificación del etorno y la dinámica de construcción a atraer ideas de comunidad, hábitat, y urbanismo.

• Inspirado por la teoría de deconstrucción, argentino Sergio Vega presenta una serie de planos monocromos amarillos sospendidos para configurar pasarelas en Shanty Nucleus After Derrida 2 (2011-2013). Una experiencia interactiva se produce cuando los espectadores toman fotografías de casas “chabolas” montadas en los planos como formaciones escultóricas fragmentadas.

En una exploración del rol relevante de la abstracción en el arte contemporáneo latinoamericano, los narrativos tejidos dentro de las emociones y conceptos derivando del zeitgeist son hechos concretos.  Con su representación de varios países en Latinoamérica, la exposición sugiere la multitud de formas en que las obras de arte abstractas pueden generar comentarios globales perspicaces e incluso cambios políticos.

“Historia de abstracción sitúa al Museo a la vanguardia de las conversaciones en torno a la erudición, las prácticas de exhibición y la importancia global del arte latinoamericano contemporáneo,” dijo Vicario. “La exposición daré la oportunidad de profundizar comprensión acerca de los logros válidos de principales artistas abstractos  latinoamericanos y a la vez promulgará dialogos renovados en la comunidad de Phoenix y más allá.  

Acerca de la exposición

Historias de abstracción: Arte latinoamericano contemporáneo estará a la vista del 2 de mayo al 20 de septiembre, 2020 en la Galería Steele. Es organizado por Phoenix Art Museum y hecho posible por la generosidad de los Círculos de Apoyo y los Miembros del Museo. La exposición es compuesto de objetos donado a la colección del Phoenix Art Museum por Nicholas Pardon.

Esta exposición especial es gratis para los Miembros del Museo; veteranos, militares, y sus familias inmediatas; y niños menores de cinco años.

Admisión general:

$23 — Adultos

$20 — Personas de la tercera edad (65+)

$18 — Alumnos (con ID)

$14 — Jóvenes (edades 6–17)

Entrada a todas las exposiciones especiales son gratuita con admisión general. Durante horas de donación voluntaria, se ofrece la exposición al público general con entrada de pago lo que guste de $5. El horario para entrada de donación voluntaria es: miércoles de las 3 pm a las 9 pm: los primeros viernes de cada mes de las 6 pm a las 10 pm; y el último sábado de cada mes de 10 am a las 5 pm para los jovenes menores de 18 años. Para el desglose completo de horarios y el precio de entrada, favor de consultar bit.ly/VisitPhxArt.

Para pedir entrevistas y fotografías de alta resolución, comuníquese con la Oficina de Marketing y Comunicaciones del Phoenix Art Museum al 602.257.2160 o por email a melissa.dunmore@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (Febrero 2019) –Desde el 21 marzo hasta el 26 de julio, 2020, Phoenix Art Museum presentará a Teresita Fernández: Elemental, coorganizada con Pérez Art Museum Miami (PAMM) como la primera encuesta retrospectiva abarcando mas de dos decadas de la carrera de la artista quien fue nombrada MacArthur Foundation Fellow en 2005. La exposición itinerante está co-curada por Amada Cruz, ex directora durada de Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum quien actualmente sirve como la directora durada de Illsley Ball Nordstrom y CEO de Seattle Art Museum; Franklin Sirmans, director del Pérez Art Museum Miami; Gilbert Vicario, subdirector de asuntos curiatorales y curador general durado de la familia Selig de Phoenix Art Museum; y María Elena Ortiz, Curadora Asociada del Pérez Art Museum Miami. La retrospectiva presentará aproximadamente 60 obras de arte creadas por Fernández durante dos décadas y ofrece a los visitantes la oportunidad de experimentar las esculturas a gran escala, instalaciones, y obras de medios mixtos que combinan aspectos formales y conceptuales de su práctica a través del uso de materiales naturales y género histórico de paisajse para reinterpretar las relaciones entre naturaleza, historia e identidad. Teresita Fernández: Elemental se estrenará en el Pérez Art Museum Miami del 17 de octubre al 16 de febrero de 2020 antes de viajar a Phoenix en la primavera de 2020.

“Estamos encantados de colaborar con Pérez Art Museum Miami para compartir las obras de Teresita Fernández con nuestra comunidad en Arizona”, dijo Amada Cruz, ex directora durada de Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum y co-curadora de la exposición, ahora la directora durada de Illsley Ball Nordstrom y CEO de Seattle Art Museum. “Fernández es una de las artistas más innovadoras de su generación y una de las artistas contemporáneas más destacadas de los Estados Unidos, y esperamos presentar su obra poderosa en Phoenix.”

Con base en Nueva York, Fernández, quien nació en 1968 en Miami de padres cubanos, es famosa por sus destacadas instalaciones públicas y esculturas experienciales. A través de su práctica, explora la percepción y la psicología de mirar, manipulando regularmente la luz y el espacio para crear experiencias envolventes, íntimas y evocadoras. Utilizando una amplia gama de materiales, como seda, grafito, ónix, espejos, vidrio y carbón, sus instalaciones y esculturas minimalistas pero sustanciales evocan paisajes, elementos y diversas maravillas naturales, como lluvias de meteoros, formaciones de nubes y el cielo nocturno. Fernández, que ha creado comisiones específicas para el sitio para espacios públicos como Harvard College, Madison Square Park y Olympic Sculpture Park en Seattle, recibió la beca Guggenheim en 2003. En 2005, fue nombrada becaria de la Fundación MacArthur por “integración de arquitectura y los efectos ópticos del color y la luz en espacios contemplativos exquisitamente construidos”, según el sitio web de la Fundación. Se han organizado exposiciones individuales de su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts (North Adams, Mass.); Museo de Arte Contemporáneo del norte de Miami (Florida); y el Museo de Arte Moderno de Fort Worth (Texas), entre otros.

Teresita Fernández: Elemental representa la primer colaboración entre Phoenix Art Museum y Pérez Art Museum Miami y se extiende desde medios de los 1990s hasta el presente para ofrecer una vista amplia de la carrera de Fernández hasta la fecha. Las obras destacadas incluyen Intitulado (1997), una escultura de piso espejado que hace referencia al voyeurismo pero que alienta la auto-reflexión de aquellos dentro de la estructura, y Fuego (2005), que utiliza miles de hilos de seda teñidos a mano para construir patrones de llamas que se animan con la luz. Y el aire como espectadores se mueven por la escultura.

La exposición también mostrará la obra más reciente de la artista, en la que contrasta la naturaleza sublime de los paisajes tradicionales con el actual clima políticamente cargado de Estados Unidos. Tanto Fuego (America) 5 (2017) como Paisaje Chamuscado (America) (2017) subrayan la reinterpretación de Fernández de las representaciones de la tierra, presentando un paisaje americano contemporáneo marcado por la violencia, el cambio climático y las ideologías en conflicto que contrastan con el idealizado visión del sueño americano.

“Fernández usa estratégicamente la belleza y la luz para evocar un sentido de placer, vulnerabilidad e intimidad”, dijo Cruz. “Al hacer esto, ella puede hablar con elocuencia sobre algunos de los problemas sociales más apremiantes que enfrenta Estados Unidos hoy en día, incluidos los desafíos de la democracia, al mismo tiempo daré a aliento a los espectadores a participar en estos temas importantes”.

En una entrevista con Cruz en 2018, Fernández ofrecio perspicacia addicional en este método:

“Hay un paso lateral que emplea la belleza. No es que el trabajo sea “sobre” la justicia social … Es que la belleza de una obra de arte puede usarse como un trampolín para agregar otras urgencias. La belleza seduce, atrae la atención, crea un espacio y una pausa donde otros mensajes se pueden alojar suavemente, sutilmente colocados para quedarse. La palabra ‘estética’ en su forma original en realidad significa “concienciar”. … los artistas a su vez deben permitir que [las personas] se sientan conectadas de manera palpable.”

La exposición irá acompañada de una publicación bilingüe, completamente ilustrada, diseñada por McGinty, Inc. y coeditada con DelMonico Prestel Books. El catálogo contará con las contribuciones de Amada Cruz, ex directora durada de Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum y ahora directora durada de Illsley Ball Nordstrom y CEO de Seattle Art Museum; Franklin Sirmans, director del Pérez Art Museum Miami; Matthew Spellberg, PhD, Junior Fellow en la Harvard Society of Fellows; Aruna D’Souza, autora de Whitewalling: Art, Race & Protests in 3 Acts; Seph Rodney, PhD, redactor y editor del personal de Hyperallergic, y miembro adjunto de la facultad en Parsons School of Design; y María Elena Ortiz, Curadora Asociada del Pérez Art Museum Miami.

Teresita Fernández: Elemental ofrece a la comunidad de Phoenix una oportunidad sin precedentes de experimentar numerosas obras de uno de los artistas contemporáneos más importantes del país. La exposición cuenta la historia de una creadora que, a través de su práctica, refleja y desafía las percepciones del mundo natural y el orden social de los EE. UU., Y pide a los espectadores que contemplen sus roles en esos espacios.

Acerca de la exposición

Teresita Fernández: Elemental estará en exposición desde el 21 de marzo hasta el 26 de julio de 2020 en Ellen and Howard C. Katz Wing para Arte moderna.  La exposición es co-organizada por Phoenix Art Museum y Pérez Art Museum Miami (PAMM), y comisariada por Amada Cruz, ex directora durada de Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum y ahora directora durada de Illsley Ball Nordstrom y CEO de Seattle Art Museum; Franklin Sirmans, director del Pérez Art Museum Miami; Gilbert Vicario, subdirector de asuntos curiatorales y curador general durado de la familia Selig de Phoenix Art Museum; y María Elena Ortiz, Curadora Asociada del Pérez Art Museum Miami. Su estreno en Phoenix Art Museum es posible gracias a la generosidad de la Fundación Ford y la Fundación Diane & Bruce Halle. La exposición irá acompañada de una publicación bilingüe y totalmente ilustrada con textos académicos escritos por los curadores de la exposición y colaboradores adicionales. La publicación está diseñada por McGinty, Inc. y se publica conjuntamente con DelMonico Prestel Books. Para más detalles sobre la exposición, visite www.phxart.org/exhibition/teresitafernandez.

La entrada es gratuita para los Miembros del Museo; veteranos y militares en servicio activo y sus familias; Estudiantes, personal y facultad de Maricopa Community College (con identificación); y jóvenes de 5 y menores. La entrada a la exposición está incluida en la admisión general para el público en general. La exposición se ofrece al público en general durante los tiempos de donación voluntaria. Los horarios de donación voluntaria incluyen los miércoles de 3 a 9 pm, el primer viernes de cada mes de 6 a 10 pm y el segundo domingo de cada mes de mediodía a 5 pm. Para un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte bit.ly/VisitPhxArt.  

Para solicitar entrevistas y fotografías de alta resolución, comuníquese con la Oficina de Márketing y Comunicaciones al 602.257.2105 o margaree.bigler@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Phoenix Art Museum ha brindado acceso a programas de artes visuales y educativos en Arizona por casi 60 años y es el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica se muestran junto con la colección permanente del Museo de más de 19,000 obras de arte estadounidense, asiático, europeo, latinoamericano, moderno y contemporáneo, y diseño de moda. El museo también presenta festivales, un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para iluminar, entretener y estimular a los visitantes de todas las edades. Los visitantes también disfrutan de exposiciones de fotografía vibrantes a través de la asociación histórica del Museo con el Centro para Fotografía Creativa, Universidad de Arizona. Para aprender más sobre el Museo de Arte de Phoenix, visite phxart.org, o llame a 602.257.1880.

Acerca de Teresita Fernández

Teresita Fernández (n. 1968, Miami, Florida) vive y trabaja en Brooklyn, NY. Recibió un BFA de la Universidad de Florida Internacional University, Miami, en 1990 y un MFA de la Universidad de la comunidad de Virginia, Richmond, en 1992. Fernández es mejor conocida por sus destacadas instalaciones públicas y esculturas de gran escala experiencial que evocan paisajes impactantes. Su trabajo, a menudo inspirado por maravillas naturales, invita a una experiencia individualizada de la obra y el espacio que ocupa. Ella le da particular importancia a su elección de medio, jugando con las limitaciones de los materiales y empleando aquellos como el oro, el grafito y otros minerales que tienen historias complicadas que a menudo están vinculadas al colonialismo. Todo su trabajo se caracteriza por un interés en la percepción y la psicología de la mirada. Fue becaria de la Fundación MacArthur de 2005 y recibió el Premio Aspen de Arte 2013, la Beca Guggenheim 2003 y el Premio Bienal Tiffany Louis Comfort de 1999. Nombrada por el presidente Obama, fue la primera latina en formar parte de la Comisión de Bellas Artes de los Estados Unidos, un panel federal de 100 años que asesora al presidente y al Congreso sobre asuntos nacionales de diseño y estética. El trabajo de Fernández se encuentra en las colecciones permanentes de varias colecciones públicas y privadas internacionales, entre ellas, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (N.Y.); El Museo de Arte Moderno (N.Y.); Museo de Bellas Artes, Boston (Massachusetts); Museo de Israel (Tel Aviv, Israel); Museo de Arte Pérez, Miami (Florida); Museo de Arte Moderno de San Francisco (California); y Walker Art Center, Minneapolis (Minn.). Para más información sobre el artista, por favor visite lehmannmaupin.com.

Acerca de Pérez Art Museum Miami

Pérez Art Museum Miami (PAMM) promueve la expresión artística y el intercambio de ideas, fomentando el conocimiento público y la apreciación del arte, la arquitectura y el diseño, y refleja la diversa comunidad de su ubicación geográfica fundamental en la encrucijada de las Américas. La institución de 35 años del sur de la Florida, anteriormente conocida como Miami Art Museum (MAM) y dirigida por el Director Franklin Sirmans, abrió un nuevo edificio, diseñado por los arquitectos de renombre mundial Herzog & de Meuron, el 4 de diciembre de 2013 en Parque del museo en Downtown Miami. La instalación es un modelo moderno para el diseño sostenible de museos y la programación progresiva, y cuenta con 200,000 pies cuadrados de espacio para programas en interiores y exteriores con galerías flexibles; verandas sombreadas al aire libre; un restaurante y bar frente al mar; una tienda de museo; y un centro de educación con una biblioteca, un laboratorio de medios y espacios para salones de clase.

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