PHOENIX (24 de junio, 2024) – Phoenix Art Museum (PhxArt) ha nombrado a Safwat Saleem ganador del Premio Arlene y Morton Scult 2024 (Premio Artístico Scult) y a Elizabeth Z. Pineda y Omar Soto ganadores de los Premios Sally y Richard Lehmann para Artistas Emergentes 2024 (Premios Lehmann para Artistas Emergentes). Además de una Membresía Phoenix Art Museum de por vida, Saleem recibe una ayuda monetaria por un monto de 20,000 dólares, mientras que Pineda y Soto reciben 10,000 dólares cada uno, así como la oportunidad de exponer en de manera individual y colectiva en el Museo. Las exposiciones con obras de Safwat Saleem, Elizabeth Z. Pineda y Omar Soto se estrenarán en el verano de 2025, junto con una charla artística presentada por Saleem. Los detalles de la exposición estarán disponibles próximamente en phxart.org.

“Estamos encantados de otorgar los Premios Scult y Lehmann a los ganadores de este año a Safwat Saleem, Elizabeth Z. Pineda y Omar Soto, en reconocimiento a sus contribuciones artísticas a nuestro panorama artístico y cultural local”, declaró Jeremy Mikolajczak, Director de Sybil Harrington y CEO del Museo. “Cada uno de estos artistas ha construido prácticas dinámicas que ofrecen una visión íntima de sus historias personales, proporcionando perspectivas matizadas sobre temas como la identidad y la comunidad. Nos sentimos honrados de compartir su obra con nuestro público y avanzar en nuestro compromiso continuo de amplificar las voces de los artistas de nuestro estado compartido a través de nuestro programa de los Premios Artísticos de Arizona.”

Cada año, Phoenix Art Museum premia a un artista residente de Arizona en el punto medio de su carrera con el Premio Artístico Scult. Los candidatos elegibles han residido en Arizona durante un mínimo de cuatro años consecutivos y son nominados por un grupo de curadores, directores de museos y otros profesionales de las artes de todo el estado. Su candidatura se evalúa sobre la base de su muestra de excelencia artística, creación activa y exposición de nuevas obras, y evolución a lo largo de su carrera. Tras un exhaustivo proceso de evaluación, un jurado compuesto por curadores, especialistas en arte, artistas y otros expertos y profesionales del sector de todo el estado selecciona al ganador. El Premio Artístico Scult incluye ahora un apoyo monetario de 20,000 dólares—la cantidad más alta concedida a un destinatario Scult en la historia del programa—así como una invitación para presentar una exposición individual de obras nuevas y pasadas en el Museo, a discreción del artista, y una Membresía PhxArt de por vida. El jurado del Premio Scult 2024 estuvo compuesto por Christian Ramírez, Curadora Adjunta Cohn de Iniciativas de Arte Contemporáneo y Comunitario de Phoenix Art Museum. Entre los miembros del jurado se encontraban Jenea Sánchez, ganadora del Premio Scult 2023 y Directora de Comunicaciones de Arts Foundation for Tucson and Southern Arizona; Andrea Álvarez, Curadora Asociada del Buffalo AKG Art Museum; Alexis Wilkinson, Curadora del Museum of Contemporary Art (MOCA) Tucson; y Morton Scult.

El ganador del Premio Arlene y Morton Scult 2024 es Safwat Saleem. La práctica multidisciplinaria de Saleem abarca desde el diseño gráfico y la ilustración hasta la escritura, el cine y el sonido, centrándose en las narrativas de los inmigrantes y la pérdida cultural que resulta de la asimilación. Su obra entreteje temas de preservación, deseo de pertenencia, resistencia y alegría como padre inmigrante que cría a un niño multirracial en el suroeste de Estados Unidos. El humor es un elemento fundamental de su obra; utiliza la sátira como herramienta para cuestionar las percepciones. Su objetivo es poner en primer plano puntos de vista que históricamente han quedado oscurecidos por los sistemas hegemónicos. Saleem ha sido nombrado TED Fellow, Define American Fellow y AAPI Creative Catalyst Fellow. Cree en el uso del arte para lograr un impacto social y ha colaborado con organizaciones de cambio como Represent Us Now (RUN) AAPI, South Asian American Digital Archive (SAADA), 18 Million Rising y Fine Acts. Es fundador de la antigua revista musical pakistaní en línea Bandbaja, que abogaba por el uso de la música popular como herramienta para el activismo y el cambio. Como parte del programa del Premio Artístico Scult, Saleem presentará una exposición individual en el Phoenix Art Museum en el verano del 2025.

Además del Premio Artístico Scult, el Phoenix Art Museum otorga anualmente los Premios Lehmann para Artistas Emergentes. El programa fomenta las prácticas creativas y las carreras de artistas emergentes residentes en Arizona mediante el reconocimiento, el apoyo monetario y la oportunidad de exponer sus obras. Los candidatos deben haber residido en Arizona durante un mínimo de un año y se les invita a presentar su solicitud a través de una convocatoria abierta anual organizada por Artlink, una organización sin fines de lucro que ha apoyado y promovido a los artistas de Arizona y los eventos e iniciativas artísticas basadas en la comunidad durante más de 30 años. Un jurado compuesto por curadores, académicos del arte, artistas y otros expertos y profesionales de las artes visuales de todo el estado selecciona a los ganadores, quienes, además de la Membresía PhxArt de por vida, reciben 10,000 dólares en apoyo monetario, así como la oportunidad de presentar una exposición conjunta en el Museo con sus compañeros ganadores del premio Lehmann. El jurado de los Premios Lehmann para Artistas Emergentes 2024 fue compuesto por Christian Ramírez e incluyó a Jenea Sánchez, galardonada con el Premio Scult 2023, Andrea Álvarez y Alexis Wilkinson.

El Museo ha nombrado a Elizabeth Z. Pineda y Omar Soto ganadores de los Premios Lehmann para Artistas Emergentes 2024. Originaria de Ciudad de México, Pineda es una artista emergente cuya práctica, que utiliza procesos fotográficos, de grabado, de fabricación de papel y de libros de arte históricos y no tradicionales, explora temas relacionados con la inmigración, la identidad, el desplazamiento y las muertes de inmigrantes que se producen en el desierto de Arizona. Pineda articula visualmente la comunidad, abordando las barreras lingüísticas, la cultura y la sociedad. Su obra se ha expuesto en exposiciones individuales y colectivas a escala nacional, y se ha publicado en PhoenixTransect.org, Femme Fotale, Vol. V: Resistance, Resilience, and Hope, y The Experimental Darkroom: Contemporary Uses of Black & White Photographic Materials. En el 2023 recibió el Premio Pat Mutterer en la Bienal de Arizona del Tucson Museum of Art , así como el primer premio y mención honorífica en los XVIII, XX y XXII Premios Julia Margaret Cameron. El portafolio de Pineda fue reconocido como Obra Sobresaliente en el Denis Roussel Award 2022, y su proyecto Maíz fue seleccionado como destinatario del Premio Personal CENTER 2023 y destinatario inaugural del Jay and Susie Tyrrell Excellence in Works By Hand Award. Pineda posee una maestría en Fotografía de Arizona State University y es miembro de Undoc + Collective. Además de trabajar en su estudio, imparte clases de fotografía como profesora asociada en Arizona State University y trabaja en los servicios de información de la biblioteca de University of Arizona, College of Medicine.

Omar Soto es un fotógrafo indocumentado residente de Phoenix que crea imágenes surrealistas que exploran la alegría y el escapismo queer para navegar la marginación que sufren al vivir en la intersección de raza, género y clase social. Nacido en Tijuana en 1996, Soto emigró a Estados Unidos en el año 2000. Con una pasión por las artes, estudió en South Mountain High School bajo el programa de magnet photography de la institución, aprendiendo habilidades fundamentales de fotografía mientras enriquecía su práctica artística. Como parte del programa Lehmann Artist Awards, Soto y Pineda presentarán obras en una exposición colectiva, cuya inauguración también está programada para el verano del 2025 en Phoenix Art Museum.

“Estoy encantada de colaborar con Safwat, Omar y Elizabeth en sus próximas exposiciones y atraer a los visitantes del museo con sus prácticas dinámicas y su amplia gama de perspectivas”, dijo Christian Ramírez, Curadora Adjunta de Iniciativas de Arte Contemporáneo y Comunitario Cohn, quien supervisa el programa de Premios Artísticos de Arizona. “Sus voces artísticas únicas enriquecen enormemente el panorama cultural de Arizona”.

Los Premios Artísticos de Arizona en Phoenix Art Museum son posibles gracias a la generosidad de Arlene y Morton Scult; Sally y Richard Lehmann; y el Cohn Fund for Arts and Culture, una donación fundamental de Phoenix Art Museum Education and Engagement Excellence Fund.

Para más información, ponte en contacto con la Oficina de Comunicaciones del Museo vía samantha.santos@phxart.org o al 602.257.2117. Para fotografía de alta resolución, sigue este enlace.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras de las Américas y del Oeste estadounidense, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca de Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de Artlink Inc.
Artlink mantiene las artes como parte integral de nuestro desarrollo al conectar artistas, empresas y la comunidad. Fundada como una organización sin fines de lucro 501(c)(3) por artistas en 1989, el nombre Artlink es un principio rector para la organización, ya que apoya a las partes interesadas de la comunidad artística y cultural, amplificando su fuerza colectiva. Visita artlinkphx.org para suscribirte al boletín informativo de Artlink, o conéctate socialmente por Facebook, Twitter, o Instagram.

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PHOENIX (26 de febrero, 2024) – Esta primavera, Phoenix Art Museum presenta Larry Bell: Improvisaciones, una muestra de los logros artísticos y la carrera de uno de los artistas más influyentes que surgieron del movimiento Light and Space (Luz y espacio). La exposición explora la progresión del proceso de Bell desde la década de 1960 hasta la actualidad, presentando una amplia gama de cubos de vidrio, esculturas, paredes de pie a gran escala y collages de medios mixtos creados por Bell utilizando una técnica de vanguardia de deposición al vacío. Larry Bell: Improvisaciones se podrá ver desde el 22 de mayo del 2024 hasta el 5 de enero del 2025 en el Ala Katz de Arte Moderno del Museo de Arte de Phoenix.

“Estamos encantados de reunir este cautivador conjunto de obras del artista del Light and Space Larry Bell”, comentó Jeremy Mikolajczak, Director y CEO Sybil Harrington de Phoenix Art Museum. “Bell ha dedicado su práctica a investigar y perfeccionar técnicas para crear su obra distintiva, y esta encuesta no sólo celebra sus logros a lo largo de una notable carrera de 60 años, sino su influencia en el campo del arte contemporáneo y nuestra comprensión de cómo el arte puede dar forma a las formas en que percibimos nuestro entorno y la realidad.”

Nacido en Chicago en 1939, Larry Bell es un artista experimental que lleva mucho tiempo explorando las interacciones entre la luz y la superficie a través de la escultura de vidrio, la pintura monocroma, el collage y el diseño de muebles. Reconocido en primer lugar por su papel central en el movimiento Light and Space de la década de 1960 junto a Robert Irwin, Ed Ruscha y James Turrell, entre otros, Bell comenzó su carrera creando volúmenes cúbicos utilizando lienzos con formas e incorporando espejos, madera y vidrio. Muy pronto descubrió una técnica de deposición al vacío que le permitía transferir depósitos de película fina sobre paneles de vidrio, lo que dio lugar a sus primeros cubos, de deslumbrantes efectos visuales. A partir de ahí, Bell utilizó la luz como medio para estudiar cómo reflejan, absorben y transmiten la luz las distintas superficies. Siguió utilizando un tanque de vacío y más tarde una prensa de montaje para experimentar con el calor y el papel recubierto de vapor, lo que dio lugar a varias series de obras de collage.

Larry Bell: Improvisaciones muestra la progresión de la práctica de Bell a través de una amplia selección de esculturas de vidrio y obras de collage desde la década de 1960 hasta la actualidad. Los visitantes comienzan examinando una selección de cubos de vidrio a pequeña escala que aparecen enteros o deconstruidos junto a otras obras más pequeñas que exploran el ángulo recto, subrayando la fascinación de Bell por los elementos geométricos. A continuación, unos muros de pie a gran escala compuestos por 12 piezas de vidrio macizo revelan cómo Bell amplió sus investigaciones cúbicas a instalaciones y entornos. Cada muro se configura en el sitio y sus formas se crean en respuesta directa a su entorno. Con sus 2 metros de altura, afectan a la percepción del espectador, poniendo de relieve la relación entre la realidad percibida y la física. Como ejemplo de la obra más reciente de Bell, Improvisaciones presenta una selección de esculturas Light Knot (Nudo de luz) que cuelgan del techo y parecen danzar al absorber y reflejar la luz circundante, junto con una obra a gran escala encargada recientemente: una forma cúbica que representa el sol mercurial, rodeada de un cristal nublado que evoca la niebla de Venice Beach, California.

Además, Improvisaciones presenta obras de collage raramente expuestas de la colección del Museo de Arte de Phoenix, entre las que se incluyen ejemplos de las series Dibujos de vapor (1978-presente), Espejismo (1980-presente) y Fracción (1996-2001) de Bell. Estas obras sobre papel reflejan las cualidades reflectantes, ambiguas y espaciales de las obras escultóricas de Bell y fueron creadas sometiendo mylar, papel y otros materiales a la técnica de deposición al vacío y a la prensa de montaje.

“A lo largo de la exposición, los visitantes descubren la intuición, la espontaneidad y la improvisación inherentes al proceso de Larry Bell”, afirma Rachel Sadvary Zebro, conservadora adjunta de colecciones del Museo y comisaria de la exposición. “A lo largo de cada década, Bell ha experimentado con nuevas técnicas y materiales, pero lo que queda muy claro al contemplar las obras de Improvisaciones es que Bell siempre vuelve a casa—al cubo”.

Fotografías de alta resolución se pueden descargar aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

About the Exhibition
Larry Bell: Improvisaciones es organizada por Phoenix Art Museum y curada por Rachel Sadvary Zebro, curadora asociada de colecciones de Phoenix Art Museum. Ha sido posible gracias a la generosidad de Lee y Mike Cohn. Todas las exposiciones de Phoenix Art Museum son financiadas por el Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por The Opatrny Family Foundation, con el importante apoyo adicional de Joan Cremin.

La admisión es gratuita para los Miembros del Museo, los menores de cinco años y los estudiantes del Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general, incluso durante el horario de donaciones voluntarias los miércoles de 3 a 9 pm, posible gracias a SRP y la City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca de Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (21 de febrero, 2024) – Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980, una gran muestra que reúne a casi 100 artistas de seis países de Europa Central y del Este, entre ellos Alemania del Este, Polonia, Checoslovaquia, Hungría, Rumanía y Yugoslavia. Organizada por el Walker Art Center, la exposición presenta obras raramente vistas y recientemente reconstruidas, que muestran cómo una generación de artistas con distintas experiencias de control estatal localmente específico adoptó la experimentación y las prácticas interdisciplinares para enfrentarse a las duras condiciones de la vida cotidiana. Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 podrá verse del 17 de abril al 15 de septiembre del 2024 en la Steele Gallery de Phoenix Art Museum. 

“Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 es una increíble oportunidad en el Suroeste de conocer el arte de una región y una época que no están representadas en la Colección del Museo de Arte de Phoenix ni se exploran a menudo en los museos de Estados Unidos”, afirma Jeremy Mikolajczak, Director y CEO Sybil Harrington de Phoenix Art Museum. A través de cada uno de los artistas representados, esperamos que esta exposición amplíe la comprensión de nuestro público sobre los retos a los que se enfrentaron los artistas en Europa Central y Oriental durante el tumultuoso periodo comprendido entre las décadas de 1960 y 1980″. Realidades Múltiples y su temática son un contundente recordatorio de las formas en que los artistas a lo largo de la historia han luchado por la libertad artística ideando modos experimentales de expresión para sobrevivir a periodos de censura y lucha, todo ello perseverando y creando algunas de las obras más llamativas y atractivas de la historia del arte.” 

Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 recurre a las artes visuales, el performance, la música y la cultura material para demostrar la innovación conceptual y formal practicada por los artistas del Bloque del Este de la época, quienes negociaban y adaptaban diariamente sus prácticas artísticas dentro de sociedades que imponían restricciones a la forma en que el arte podía producirse, circular y ser recibido por el público. La exposición está organizada en cuatro secciones temáticas. Espacios públicos y privados de control explora cómo los artistas utilizaron la fotografía documental y encubierta, las performances improvisadas y las sombrías obras conmemorativas para reflexionar sobre la regulación estatal del espacio, incluida la vigilancia del comportamiento de los artistas. Dimensiones del ser muestra cómo los artistas utilizaron su propio cuerpo como medio para explorar distintas representaciones de la autoexpresión y la subversión. Esta sección incluye ejemplos de mujeres artistas que reconsideraron radicalmente la forma femenina, fusionando el cuerpo con el paisaje o representando el cuerpo como lugar de enfermedad, trauma, placer, erotismo y sexualidad. Estar juntos: Formas alternativas de lo social explora las múltiples maneras en que los artistas construyeron comunidades y redes de intercambio para ir más allá del sistema prescrito de creación y presentación del arte dictado por el Estado. Mirando al futuro: Ciencia, tecnología y utopía aborda cómo la carrera espacial, el avance de la energía nuclear y las nuevas formas de comunicación desencadenaron importantes avances tecnológicos, todos los cuales inspiraron ideas utópicas. 

Realidades múltiples: Experimental Art in the Eastern Bloc, 1960s-1980s recurre a las artes visuales, la performance, la música y la cultura material para demostrar la innovación conceptual y formal practicada por los artistas del Bloque del Este de la época, quienes negociaban y adaptaban diariamente sus prácticas artísticas dentro de sociedades que imponían restricciones a la forma en que el arte podía producirse, circular y ser recibido por el público. La exposición está organizada en cuatro secciones temáticas. Espacios públicos y privados de control explora cómo los artistas utilizaron la fotografía documental y encubierta, las performances improvisadas y las sombrías obras conmemorativas para reflexionar sobre la regulación estatal del espacio, incluida la vigilancia del comportamiento de los artistas. Dimensiones del ser muestra cómo los artistas utilizaron su propio cuerpo como medio para explorar distintas representaciones de la autoexpresión y la subversión. Esta sección incluye ejemplos de mujeres artistas que reconsideraron radicalmente la forma femenina, fusionando el cuerpo con el paisaje o representando el cuerpo como lugar de enfermedad, trauma, placer, erotismo y sexualidad. Estar juntos: Formas alternativas de lo social explora las múltiples maneras en que los artistas construyeron comunidades y redes de intercambio para ir más allá del sistema prescrito de creación y presentación del arte dictado por el Estado. Mirando al futuro: Ciencia, tecnología y utopía aborda cómo la carrera espacial, el avance de la energía nuclear y las nuevas formas de comunicación desencadenaron importantes avances tecnológicos, todos los cuales inspiraron ideas utópicas. 

“Este amplio estudio ofrece una visión fresca e interdisciplinar de los momentos desafiantes y las formas artísticas experimentales que caracterizaron un periodo de 20 años en Europa Central y del Este”, afirma Rachel Sadvary Zebro, curadora asociada de colecciones y coordinadora de la exposición en Phoenix Art Museum. “Buscando de forma independiente nuevas prácticas artísticas bajo diversos grados de censura, vigilancia y control, los artistas de Realidades Múltiples exploran una historia compleja llena de creatividad, comunidad, autoexpresión y aventura”. 

Entre los aspectos más destacados de la exposición figuran: 

• La selección del artista húngaro Bálint Szombathy de Lenin Budapesten (Lenin en Budapest) (1972), en la que Szombathy posa con un retrato de Vladimir Lenin, el arquitecto de la Revolución Rusa. Desechada tras el desfile del Primero de Mayo, y vacía de su pesado simbolismo, la imagen de Lenin queda reducida a un accesorio en el paseo casual de Szombathy por las calles de Budapest. 

• Baubrigade der Sportstudenten de Jürgen Wittdorf, de la serie Jugend und Sport (Brigada de constructores estudiantes de deporte de la serie Juventud y deporte) (1964), comisionada por la Academia de Deportes de Leipzig. Los linograbados estuvieron colgados durante años en la escuela y se publicaron en el diario de la Organización Juvenil Comunista. Los grabados parecen representar a los hombres fuertes y heroicos del realismo socialista, el estilo artístico promovido por los soviéticos que presentaba retratos idealizados de los trabajadores y la industria, pero un homoerotismo apenas disimulado recorre las escenas. 

• Obras de la artista alemana Gabriele Stötzer, entre ellas Nora (1983). Stötzer, una de las pocas voces de la disidencia abierta en Alemania Oriental, pagó un alto precio por sus actividades cuando fue detenida durante un año en la prisión de mujeres de Hoheneck por firmar una petición en apoyo del músico exiliado Wolf Biermann. La galería clandestina de la artista en Erfurt fue clausurada en 1981 por la Stasi, la policía secreta de Alemania Oriental. 

• Una selección de fotografías de la artista checa Libuše Jarcovjáková, entre ellas Selección de la serie T-Club, Praga (década de 1980), que captan la vibrante vida nocturna del T-Club, un legendario bar clandestino LGBTQIA+ de Praga. Fotografiadas en blanco y negro con un dramático flash de cámara, estas imágenes ofrecen una visión de la vívida y alegre vida nocturna de Praga. En lugar de publicar las fotografías, la artista las regaló a sus sujetos. 

• Système Esthétique (1973) de Sherban Epuré, que centró su práctica artística en las intersecciones entre arte y ciencia, incorporando algoritmos, geometría y principios matemáticos a sus experimentaciones visuales. Sus principales puntos de referencia—teoría de la información, cibernética, estructuralismo y constructivismo—se exploraron en relación con la espiritualidad, la intuición, el pensamiento racional y las relaciones entre los seres humanos y las máquinas. 

• Monumento sangrante (1969/2023) de Gyula Konkoly, recreada especialmente para Realidades múltiples y que se expone por primera vez en Estados Unidos. La escultura ofrece una crítica mordaz y una meditación sobre el deshielo que siguió a la Revolución húngara de 1956 de la década anterior, al tiempo que reconoce la agresión de la invasión soviética de la Primavera de Praga de 1968. Obra icónica del artista húngaro, sugiere un torso sangrante y constituye un raro ejemplo de obra que se registra inmediatamente como comentario sobre la situación política de la época. 

• Revisitando a Heracles (1982/2023), de Lutz Dammbeck. Esta obra se inspira en los “collages de medios” interdisciplinarios del artista, en los que superponía pintura, objetos, sonido, imágenes en movimiento y performance para crear instalaciones muy atmosféricas que desdibujaban los límites de los acontecimientos míticos e históricos para explorar y crear nuevos significados. 

La exposición va acompañada de un catálogo ilustrado, producido por el Walker Art Center, que incluye ensayos recientemente comisionados, una mesa redonda y cronologías temáticas que no sólo reflexionan sobre la especificidad del periodo, sino que también consideran cómo las obras de arte y los temas de la exposición resonarán en el público actual. 

Fotografías de alta resolución se pueden descargar aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.  

Acerca de la exposición 
Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 es organizada por el Walker Art Center con el importante apoyo de Martha y Bruce Atwater. La investigación sobre la exposición contó con el apoyo de una beca curatorial de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La exposición está curada por Pavel S. Pyś, Curador de Artes Visuales y Estrategia de Colecciones, en el Walker Art Center. Su presentación en el Phoenix Art Museum está coordinada por Rachel Sadvary Zebro, curadora asociada de colecciones. La presentación de Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 en el Phoenix Art Museum es posible gracias a la generosidad de The Opatrny Family Foundation, Joan Cremin, Men’s Arts Council, y Diana y Mark Feldman. Kimpton Hotel Palomar Phoenix y KJZZ/KBACH prestan su apoyo en especie. Todas las exposiciones de Phoenix Art Museum son financiadas por el Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por The Opatrny Family Foundation, con el importante apoyo adicional de Joan Cremin. 

La admisión es gratuita para los Miembros del Museo, los menores de 5 años y los estudiantes de los Maricopa County Community Colleges. La entrada a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una admisión reducida a la exposición durante las horas de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 pm, posible gracias a SRP y a City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte phxart.org/visit/.phxart.org/visit/. 

Acerca de Phoenix Art Museum  
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca de Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880. 

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PHOENIX (7 de febrero, 2023) – Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) y Arizona State University Art Museum (ASU Art Museum) presentarán una nueva exposición colaborativa, Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been: Selecciones de la Colección de arte cubano de ASU Art Museum, la primera colaboración curatorial significativa entre las dos instituciones en más de una década. La colaboración explora la expresión artística durante tiempos de crisis humanitaria y agitación social al mismo tiempo que presenta un registro de experiencias humanas que resonará entre audiencias de diversas identidades. La nueva exposición se basa en la colección de arte cubano contemporáneo en el ASU Art Museum para proporcionar un contexto más profundo a la presentación simultánea de PhxArt de la exposición de compromiso especial Juan Francisco Elso: Por América, la primera retrospectiva en más de 30 años del difunto artista cubano y un proyecto organizado por El Museo del Barrio en la ciudad de Nueva York. Las dos exposiciones brindarán una comprensión más profunda del contexto social y político en el que surgió el arte de Elso en la Cuba comunista de la década de 1980, además de la cultura y el clima político de la Cuba postsoviética en la década posterior a la muerte de Elso en 1988. PhxArt y ASU Art Museum también colaborarán para presentar programas comunitarios diseñados para conectar a los visitantes con estas dinámicas obras de arte y brindar mayor visibilidad a las complejas historias de la migración en Cuba y México. Ambas, Juan Francisco Elso: Por América yLo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been fueron curadas por Olga Viso, doblemente designada por PhxArt y el Herberger Institute for Design and the Arts de ASU. Las exposiciones estarán abiertas del 6 de mayo al 17 de septiembre del 2023 en Phoenix Art Museum.

“Como instituciones, a menudo pasamos por alto la riqueza de la experiencia y los recursos compartidos dentro de nuestras propias comunidades”, dijo Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “A través de esta colaboración con el Museo de Arte de ASU, el Museo de Arte de Phoenix tiene la oportunidad de traer obras de artistas cubanos de la increíble colección de ASU a nuestras galerías mientras presentamos conjuntamente una serie de programas públicos para comprender mejor la complejidad de los problemas relacionados con el exilio que enfrentan los artistas cubanos. Estas exposiciones presentan una perspectiva distintiva del impacto de un artista singular y su papel en la historia del arte, así como también la comunidad de Phoenix ha acogido y apoyado a artistas cuyas voces y prácticas artísticas han sido desafiadas por las instituciones políticas”.

“ASU Art Museum posee una historia de 25 años destacando la obra, las voces y las perspectivas de los artistas cubanos”, dijo Miki García, directora de ASU Art Museum. “Nuestra colaboración con PhxArt es una gran oportunidad para profundizar nuestra conexión con la comunidad. Los artistas en estas exposiciones demuestran cómo los artistas cubanos crearon una nueva cultura visual—una que desafió la preferencia de la era soviética por el arte imbuido de una agenda política y censura. Los artistas cubanos de los años 70 y 80 experimentaron tanto con los materiales que utilizaron como con los mensajes que elaboraron. Vemos una mezcla de arte conceptual, temas folclóricos y críticas institucionales que simultáneamente dieron forma a la nueva cultura y sirvieron como un espacio para procesar el impacto que las ideologías comunistas tuvieron en el sentido de identidad personal y comunitaria de los artistas”.

Curada por Olga Viso, en colaboración con Susanna V. Temkin, curadora de El Museo del Barrio, Juan Francisco Elso: Por América brinda una rara oportunidad de experimentar las frágiles obras existentes de Elso que se inspiran en las tradiciones indígenas mesoamericanas, las creencias religiosas afrocaribeñas y los traumas de la opresión colonial en las identidades contemporáneas cubanas, caribeñas y latinoamericanas. Las esculturas e instalaciones de Elso revelan una comprensión más amplia de las Américas, libre de naciones y fronteras geopolíticas, y también brindan una visión del contexto social y político de la Cuba comunista de la década de 1980, un período que condujo al colapso del bloque soviético y dio origen a la primera generación de artistas en ser educados completamente dentro de un sistema posrevolucionario. Estos artistas eventualmente surgieron en un escenario internacional y comenzaron a reflexionar críticamente sobre la sociedad cubana.

La historia continúa con Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been: Selecciones de la Colección de arte cubano de ASU Art Museum, la cual presenta las obras de arte más icónicas de ASU Art Museum creadas durante el período inmediatamente posterior a la caída de la Unión Soviética. Denominado el “Período especial en tiempo de paz” de Cuba por el entonces presidente Fidel Castro, desde principios de la década de 1990 hasta mediados de la década del 2000 en la isla se vieron empañados por una grave escasez de alimentos y materiales causada por el colapso de la Unión Soviética y sus subsidios financieros, junto con la persistencia de los embargos comerciales promulgados por Estados Unidos desde principios de la década de 1960. Como resultado, miles de refugiados cubanos huyeron en 1993-1994, en el punto culminante de la crisis, en balsas improvisadas a través de los traicioneros estrechos entre Cuba y Estados Unidos.

Las obras en Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been comentan sobre las luchas de la subsistencia diaria y la experiencia humana durante el “Período especial”, temas que son a la vez específicos y relevantes para las comunidades que han enfrentado el exilio y la represión política en todo el mundo. Las obras destacadas incluyen:

• El kayak improvisado de Kcho de 1996 posado sobre un precario mar de botellas en Para Olvidar, una referencia a la tragedia de los balseros en 1994, muchos de los cuales perecieron en el mar en su intento de conseguir la libertad.
• La maleta pintada de Sandra Ramos de su serie Migraciones II Nadando bajo las estrellas de 1994, que representa a dos figuras que atraviesan aguas oscuras y abiertas.
• La escultura de Aimee García Marrero del 2002 Bajo Presión/Under Pressure de una olla de presión, que hace referencia al uso de ollas y sartenes por parte de las mujeres como objetos de percusión en las protestas contra la escasez generalizada de alimentos.

La exposición también presenta obras de Belkis Ayón, Luis Cruz Azaceta, Abel Barroso, Jacqueline Brito, Yamilys Brito, Los Carpinteros, Carlos Estévez, René Francisco, Luis Gómez, Filiberto Mora, Kadir López Nieves, Fernando Rodríguez y Tonel.

Además de brindar una mirada al pasado, Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been explora la forma en que los artistas cubanos de hoy continúan lidiando con problemas de control gubernamental, fallas económicas y censura que también caracterizó el ‘Período especial’ de la isla. Este es el tema del monumental retrato del héroe nacional cubano, José Martí, de Reynier Leyva Novo, que se encuentra actualmente en exhibición en el piso principal del Ala Katz del Museo. El icónico retrato de Martí aparece como un gigante dormido suspendido en el tiempo. El título de la obra, Lo que es, es lo que ha sido, sirve de inspiración para el título de la exposición más amplia y vincula el pasado reciente con el momento presente. En conversación, la obra de Novo, Por América, y la exposición que presenta las obras de ASU Art Museum adquieren un significado más universal, particularmente cuando se ve a través de la lente del tumulto global y el cambio social en un mundo que cambia rápidamente.

“En 2018, Cuba estableció el Decreto 349, que legisla la expresión creativa e impone controles sobre el contenido artístico”, dijo Olga Viso, dualmente designada tanto por Phoenix Art Museum, así como de Arizona State University. “Los artistas que han protestado por estas medidas en los últimos años se han enfrentado a una dura respuesta gubernamental e incluso al encarcelamiento. Como informó recientemente The New York Times, está en marcha otro éxodo masivo de ciudadanos cubanos que huyen de la isla. El título de esta exposición, Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been, no solo hace eco de un sentimiento común entre la población cubana de hacer frente a lo que se avecina (es lo que es), sino también reconoce conmovedoramente que muy poco ha cambiado con respecto a la escasez y las libertades civiles en Cuba desde que comenzó el ‘Período especial’ hace más de 30 años”.

Juan Francisco Elso: Por América y Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been son exposiciones dirigidas por Olga Viso, asesora principal de asuntos curatoriales y curadora general de PhxArt y asesora principal del Herberger Institute for Design and the Arts de ASU. Viso fue acompañada por el co-curador Julio César Morales, director ejecutivo y jefe de curaduría de MoCA Tucson, en Lo que es, lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been. Fotografía de alta resolución de Lo que es, es lo que ha sido/ What It Is, Is What Has Been puede ser descargada aquí. Para solicitar entrevistas, comunícate con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o al samantha.santos@phxart.org. Para el comunicado de prensa completo de Juan Francisco Elso: Por América, presiona aquí.

Acerca de la exposición
Lo que es, es lo que ha sido/What It Is, Is What Has Been: Selecciones de la Colección de arte cubano de ASU Art Museum es organizada por Phoenix Art Museum y ASU Art Museum y curado por Olga Viso, curadora general de PhxArt y asesora principal del Herberger Institute for Design and the Arts de Arizona State University, y Julio César Morales, director ejecutivo y jefe adjunto de curaduría de MoCA Tucson. La exposición es posible gracias a la generosidad de Circles of Support y los Miembros del Museo.

La admisión es gratuita para miembros del Museo; veteranos, personal militar activo, y sus familiares inmediatos; menores de 5 años de edad; y estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de tarifas reducidas para la exposición durante los horarios de donación voluntaria los miércoles de 3 – 9 pm, hechos posible por SRP y apoyados en parte por la generosidad del Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, visita phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de Arizona State University Art Museum y el arte cubano
La colección de arte cubano contemporáneo de ASU Art Museum se distingue por el arte producido en la isla desde mediados de la década de 1980 hasta principios de la década del 2000 y se centra en el arte realizado durante un período de la historia cubana conocido como el “Período especial”. La colección cuenta con más de 250 objetos en todos los medios. El Museo de Arte de ASU fue uno de los primeros museos de arte a nivel mundial en recopilar arte cubano de este momento en profundidad y continúa manteniendo una de las principales colecciones de arte de esta época.

La colección fue reunida por la ex jefa de curaduría y directora del museo, Marilyn Zeitlin, a fines de la década de 1990 y principios de la del 2000. Zeitlin buscó aprovechar el compromiso del museo desde hace tiempo de coleccionar arte latinoamericano, especialmente de regiones y comunidades subrepresentadas. También ha tenido el objetivo a expandir las colecciones de grabados latinoamericanos del museo y profundizar las concentraciones existentes de gráficos de temática política que documentan los movimientos sociales. La Colección de arte cubano fue comisionada y adquirida por ASU con el generoso apoyo de fundaciones nacionales y donantes locales que buscaban responder con urgencia a las dificultades que estaban experimentando los artistas. En la década de 1990, ASU Art Museum comisionó a muchos de los artistas presentados aquí a que produjeran un portafolio impreso. Esa serie se exhibe simultáneamente en la galería Art in Focus en ASU Art Museum hasta septiembre de 2023. Para obtener más información, visita asuartmuseum.asu.edu.

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PHOENIX (8 de Septiembre del 2022) – Este otoño, Phoenix Art Museum presentaráMr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo , la primera exposición individual en los Estados Unidos en más de cinco años que muestra exclusivamente el trabajo de Mr., uno de los artistas japoneses más populares de la actualidad. Abarcando desde finales de la década de 1990 hasta 2022, la exposición presenta casi 50 pinturas, dibujos, esculturas y videos, incluyendo una adquisición reciente del Museo y un nuevo lienzo de 30 pies de largo que disfrutará de su estreno mundial en Phoenix Art Museum. Estas obras vívidas y a menudo caóticas, de las cuales una gran selección fue creada en medio de la pandemia de COVID-19, se inspiran en el anime, el manga y los mundos de fantasía virtual para examinar temas de deseo, tragedia y angustia psicológica. Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo estará en exhibición en la Steele Gallery en Phoenix Art Museum desde el 6 de noviembre del 2022 hasta el 12 de marzo del 2023, luego de una vista previa del Primer viernes y una celebración comunitaria el 4 de noviembre del 2022 de 6 a 9 p.m. La exposición es posible gracias a la generosidad de un donante anónimo, a Ronald y Valery Harrar, Men’s Arts Council, Ms. Isabelle Georgeaux, Kevie Yang, The Japan Foundation–Los Angeles, y el Museum’s Circles of Support y los miembros del museo.

“Durante este momento particular de la historia, marcado por turbulentos acontecimientos actuales a nivel nacional e internacional que están remodelando las formas en que interactuamos entre nosotros y cómo reflexionamos sobre nuestras respectivas sociedades, Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo brinda información sobre la mente de un artista que usa su práctica para responder a tragedias globales mientras explora sus propias ansiedades, frustraciones y angustias”, dijo Jeremy Mikolajczak, director de Sybil Harrington y CEO del Phoenix Art Museum. “Estamos emocionados de presentar este convincente cuerpo de trabajo—un recordatorio del poder del arte para ayudarnos a explorar las emociones complejas que afectan a las personas de todas las culturas— mientras continuamos con la misión del Museo de crear puntos de conexión y unir a personas de diferentes orígenes a través de diversas formas de expresión artística.”

Un miembro autodenominado de la subcultura otaku—caracterizada por intereses obsesivos en el anime, el manga, los videojuegos y otras formas de la cultura popular japonesa—Mr. crea pinturas, esculturas, videos e instalaciones que exploran sus fantasías personales y representan una reflexión más amplia sobre la soledad, el miedo, el deseo y el trauma. Inspirado en el manga (un género de arte japonés que incluye cómics y novelas gráficas) y el anime (derivado del término inglés “animation” y utilizado para dibujos animados en Japón), las obras del artista presentan personajes de estilo kawaii (o “cute“) con amplios ojos, cabello colorido y rostros redondos e infantiles que pretenden evocar sentimientos de moe (una profunda adoración o enamoramiento por las figuras ficticias). Estos temas caricaturescos a menudo se contraponen a fondos similares a grafitis, que hacen eco de la traumática pérdida de vidas en Japón durante la Segunda Guerra Mundial y el desastre nuclear de Fukushima Daiichi.

“Mr. está más estrechamente asociado con el Superflat, el movimiento de arte posmoderno fundado por el artista Takashi Murakami, con quien el Mr. trabajó durante varios años antes de dedicarse a su práctica individual”, dijo Gilbert Vicario, curador de arte moderno y contemporáneo en Phoenix Art Museum. “La obra Neo-pop de Mr., sin embargo, desciende de un marco histórico-artístico aún más amplio, con influencias de los grabados ukiyo-e del siglo XIX, el arte Pop y el Expresionismo Abstracto. Mr. combina estas influencias con elementos de la cultura popular japonesa y referencias que ha obtenido de Internet, presentándolas en las artes para examinar las costumbres de la sociedad japonesa y una comunidad global obsesionada con las redes sociales”.

Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo  es la primera exhibición en los Estados Unidos dedicada exclusivamente al trabajo del artista desde la exhibición Live On: Mr.’s Japanese Neo-pop del 2014 en el Seattle Art Museum. Organizado por el Phoenix Art Museum, Puedes escuchar la canción de este pueblo invita a los visitantes a explorar el vívido e imaginado universo de Mr.. La exposición muestra cerca de 50 obras creadas en las últimas dos décadas, iluminando la evolución estilística del artista. Las obras más antiguas de principios de la década del 2000 a mediados de la del 2010 presentan personajes de colores brillantes con una inocencia de ojos saltones, mientras que las pinturas y dibujos del 2018 en adelante marcan un cambio dramático en el tono y la composición. Varias obras fechadas en 2021, creadas durante el apogeo de la pandemia de COVID-19, representan personajes solitarios de estilo kawaii en blanco y negro. Desprovistas de las expresiones ligeras y alegres características de la obra más grande del artista, estas figuras tal vez reflejen la soledad, el aislamiento, la ira y la confusión que sintieron millones de personas en todo el mundo mientras se resguardaban en su lugar durante meses en un intento de contener la propagación del nuevo coronavirus.

Sin embargo, el único trabajo de video de la exposición demuestra que las motivaciones detrás de la obra de arte del Mr. se han mantenido igual durante mucho tiempo, aunque su estética visual ha cambiado con el tiempo. Creado en 1998, el video de producción propia presenta al artista moviéndose a través de varias poses con una espada samurái y fue creado después de una ruptura, recordando a los espectadores que el Mr. siempre ha canalizado sentimientos de angustia y ansiedad, tanto personales—como colectivos—en su obra de arte.

Acerca de la exposición
Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo estará en exhibición desde el 6 de noviembre del 2022 hasta el 12 de marzo del 2023 en la Steele Gallery en el Phoenix Art Museum. Esta exposición es organizada por el Phoenix Art Museum. Es hecha posible gracias a la generosidad de un donante anónimo, a Ronald and Valery Harrar, Men’s Arts Council, Ms. Isabelle Georgeaux, Kevie Yang, The Japan Foundation-Los Angeles, y el Museum’s Circles of Support y a los miembros del Museo. Para obtener más detalles sobre la exposición, haga clic aquí. 

La admisión es gratuita para los miembros del museo; veteranos, militares en servicio activo y sus familias inmediatas; y niños de menores de 5 años. La admisión a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Durante los tiempos de donación voluntaria, la exhibición cuesta $5 para el público en general. Los horarios de donaciones voluntarias incluyen los miércoles de 3 a 9 p. m., hecho posible por SRP y financiado en parte gracias a la generosidad de Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts, y el Primer viernes de cada mes de 3 a 9 p. m. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte phxart.org/visit/.

Fotografía de alta resolución se puede descargar aquí. Para solicitar entrevistas, comuníquese con la Oficina de Comunicaciones del Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o samantha.santos@phxart.org.

Programación relacionada

Mr. Celebracion comunitaria: Primer viernes
4 de noviembre del 2022 | 6 – 9 pm
El público del Valle está invitado a asistir a la celebración inaugural del Primer viernes de Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo el 4 de noviembre de 2022 de 6 a 9 p. m. La velada contará con la entrada gratuita al Museo, incluido el acceso a Puedes escuchar la canción de este pueblo, vendedores de cominda, música en vivo y programación de participación artística. Los detalles se publicarán próximamente y se compartirán en phxart.org y en los canales de redes sociales del Museo. La celebración de Primer viernes de Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo es patrocinada por el Men’s Arts Council.

El Men’s Arts Council (MAC) de Phoenix Art Museum, fundada en enero de 1967, es una organizacion sin lucro 501(c)3 que apoya los programas y actividades del Museo a través de eventos únicos como el Copperstate Overland. Los esfuerzos del Men’s Arts Council permiten que la organización haga contribuciones anuales al presupuesto operativo del Phoenix Art Museum y patrocine exhibiciones financieramente. Para más información visite mensartscouncil.com.

Exposiciones relacionadas

Para proveer context historico a Mr.: Puedes escuchar la cancion de este pueblo, Phoenix Art Museum presentará una excelente selección de arte popular japonés, grabados y más a partir de diciembre del 2023.

Demónico, divino, humano: El teatro Noh de Japón.
Abriendo el 3 de diciembre del 2022
Una forma de teatro clásico japonés, Noh combina música, representación religiosa, danza y drama. Esta exposición muestra varias máscaras de Noh y el trabajo de artistas de grabado que transmitieron escenas de personajes divinos, demoníacos y animales extraídos de las obras de Noh. Presentado al mismo tiempo que Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo, Demónico, divino, humano permite a los visitantes establecer conexiones entre el artista contemporáneo y los creadores de máscaras y escenas de Noh. En sus universos imaginados, los personajes de Mr. se inspiran en el anime, el manga y otros elementos de la cultura japonesa y representan una reflexión más amplia sobre la soledad, la ansiedad social y el miedo. En el teatro Noh, los escritores se inspiraron en el folclore, los cuentos históricos y las leyendas para crear personajes inspirados en humanos, seres espirituales y animales. Luego, estos personajes cobraron vida a través de máscaras, disfraces y bailes. Para obtener información sobre patrocinios, visite phxart.org.

Belleza y función: arte popular japonés de la colección Mayro-Stelitz
Abriendo el 3 de diciembre del 2022
En el Japón de la década de 1920, filósofos y artesanos crearon el concepto de mingei, o arte popular, para desafiar la estrecha definición de arte y realzar la belleza de los objetos cotidianos creados por la gente común. En esta exposición, varios objetos cotidianos tradicionales de Japón están a la vista del público por primera vez, incluidos letreros pictóricos de tiendas, abrigos de bombero, fundas de futones, cascos de samurái y utensilios de cerámica y metal que presentan motivos populares y diseños simbólicos. Presentado al mismo tiempo que Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo, Belleza y función permite a los visitantes descubrir cómo las obras de Mr. y el arte popular histórico japonés desafían las definiciones tradicionales de las bellas artes y reflejan las imágenes populares de la época. en que fueron creados. Para obtener información sobre patrocinios, visite phxart.org.

Esmaltes exquisitos: Regalos de cloisonné de Waynor y Laurie Rogers
Abriendo el 3 de diciembre del 2022
Los artistas comenzaron a crear cloisonné hace siglos en Europa, y desde allí, las técnicas se extendieron por todo el Medio Oriente hasta China y Japón. Utilizando alambres finos y pasta de vidrio, los artistas del cloisonné crearon patrones de superficie ricamente coloreados en una variedad de objetos. Esta exposición muestra ejemplos significativos de cloisonné japonés del siglo XIX, cuando las técnicas de esmalte cloisonné alcanzaron su punto máximo en la isla y las mercancías se convirtieron en una exportación exitosa. Junto con Mr: Puedes escuchar la canción de este pueblo, Esmaltes exquisitos ilustra cómo los artistas japoneses han combinado durante mucho tiempo influencias culturales externas con formas de arte tradicionales para crear nuevos estilos arraigados en la historia, pero con una perspectiva moderna. Para obtener información sobre patrocinios, visite phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el corredor central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americanas del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Center for Creative Photography, University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visitephxart.org, o llame al 602.257.1880.

About Mr.
Mr. (n. 1969, Cupa, Japón, vive y trabaja en Saitama, Japón) aborda el lenguaje visual del anime y el manga como un medio para examinar la cultura japonesa, fusionando formas altas y bajas de expresión contemporánea. Al igual que sus compañeros artistas de Superflat, como Takashi Murakami, Mr. utiliza otaku, la subcultura japonesa “cute” que está marcada por una obsesión con la adolescencia, el manga, el anime y los videojuegos. Mr. se graduó en 1996 del Departamento de Bellas Artes de la Sokei Art School in Tokyo. Se han organizado exposiciones individuales de su obra en el HOW Art Museum, Shanghái, China (2021); Musée Guimet, París, Francia (2019); Seattle Art Museum, Seattle, WA (2014); y Musée d’Art Contemporain de Lyon, Lyon, Francia (2006), entre otros. Las exposiciones colectivas seleccionadas que presentan su obra incluye MURAKAMI VS MURAKAMI, Tai Kwun Contemporary, Hong Kong (2019); Bishojo: Monsters, Manga y Murakami, Musée en Herbe, París, Francia (2019); Islands, Constellations & Galapagos, Yokohama Triennale, Yokohama, Japón (2017). Su trabajo se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, incluyendo el Philadelphia Museum of Art, Seattle Art Museum, y el Daegu Art Museum en Korea del Sur.

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La práctica de Alshaibi interroga los códigos sociales que se encuentran en imágenes, textos y artefactos para cuestionar la construcción de la historia y su impacto en un futuro especulativo. Moldeado por el papel histórico y descomunal de la fotografía en la generación de representaciones aplanadas y de género de las personas del Medio Oriente y África del Norte y sus espacios, Alshaibi reformula este legado al presentar la figura femenina árabe como un sitio complejo que encarna los reinos físicos y psíquicos del individuo y comunidad cuando los recursos, la tierra, la movilidad y la agencia política están comprometidos. La exposición individual de Alshaibi, Sama Alshaibi: Generación tras generación estará en exhibición en PhxArt desde el 17 de septiembre hasta el 14 de mayo del 2023, junto con la exposición de los Premios Lehmann para artistas emergentes, mostrando obras por Gloria Martinez-Granados, Chris Vena, y Merryn Omotayo Alaka y Sam Frésquez.

Los asientos para la conferencia de la artista del Premio Scult el 28 de septiembre son limitados y se requiere reservación previa. Para obtener más información sobre la conferencia y reservar boletos, por favor haz click aquí.

Si tienes alguna pregunta o deseas entrevistar a alguno de los ganadores de los premios Scult y Lehmann, no dudes en comunicarse. Si necesita imágenes de alta resolución, por favor haz click aquí.

Sobre la exposicion
Sama Alshaibi: generación tras generación y la exhibición de los Premios Lehmann para artistas emergentes del 2021 estarán en exhibición desde el 17 de septiembre hasta el 14 de mayo del 2023 en las galerías Marshall y Hendler. Sama Alshaibi: generación tras generación es organizada por Phoenix Art Museum. Es hecha posible a través de la generosidad del Arlene and Morton Scult Contemporary Artist Award Fund. La exposición de los premios Lehmann para artistas emergentes es organizada por Phoenix Art Museum. Es hecha possible a través de la generosidad del Sally and Richard Lehmann, con el apoyo adicional de Cattryn Somers y Michael Cafiso. La conferencia del premio Arlene y Morton Scult y la recepción inaugural de la exposición de los premios Lehmann  es hecha posible a través de la generosidad del Arlene and Morton Scult Contemporary Artist Award Fund, y Sally y Richard Lehmann, con el apoyo adicional de Cattryn Somers y Michael Cafiso.

La admisión es gratuita para los miembros del Museo, veteranos y personal militar activo. La admisión a la exhibición está incluida en la admisión al público en general. Durante los horarios de donación voluntaria, la exhibición será ofrecida al público en general con la admisión de donación voluntaria. Los horarios de donación voluntaria incluyen los miércoles de 3 – 9 pm y los primeros viernes de cada mes de 3 – 9 pm. Para la información completa de precios de admisión general y horarios, visita phxart.org/visit/.

Para solicitar entrevistas e imagines fotográficas de alta resolución , contacta a la oficina de comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el corredor central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Center for Creative Photography, University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visite phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (22 de agosto del 2022) – Desde el 17 de septiembre hasta el 14 de mayo del 2023, Phoenix Art Museum presentará Sama Alshaibi: generación tras generación y la exposición de los Premios Lehmann para artistas emergentes. Las dos exposiciones exhibirán respectivamente obras de la galardonada del Premio Arlene y Morton Scult del 2021, Sama Alshaibi, y los galardonados de los Premios Lehmann para artistas emergentes del 2021: Gloria Martinez-Granados, Chris Vena, y Merryn Omotayo Alaka y Sam Frésquez. Las instalaciones, pinturas, obras de medios mixtos y más exploraran temas de empoderamiento cultural, identidades multinacionales, y de profunda introspección.

“Los Premios artísticos Scult y los Premios Lehmann para artistas emergentes ejemplifican una de las maneras en las que el Phoenix Art Museum está comprometido al apoyo y amplificación de artistas contemporáneos en Arizona”, mencionó Jeremy Mikolajczak, el director y CEO Sybil Harrington del Phoenix Art Museum. “Nos da una gran emoción presentar las exposiciones de este año y exhibir las obras de artistas comprometidos y apasionados representantes de nuestra vasta y diversa comunidad.”

Cada año, el Premio artístico Arlene y Morton Scult reconoce a un artista de Arizona en el punto medio de su trayectoria artística. El ganador es seleccionado de un grupo de candidatos basados en varios criterios. Los candidatos a elegir son artistas quienes han demostrado excelencia artística a través de su obra; están creando nuevas obras y exhibiendo actualmente; han demostrado un crecimiento significativo en su obra a través de su carrera; y han sido residentes de Arizona por más de cuatro años consecutivos. Los galardonados son entonces seleccionados con base en las obras que actualmente producen adicionalmente a las obras que han creado previamente. El premio incluye una compensación monetaria en apoyo a la creación de nuevas obras, al igual que una exhibición individual en el Museo al año siguiente.

Este otoño, la galardonada del Premio artístico Scult, Sama Alshaibi, exhibirá Sama Alshaibi: generación tras generación presentando sus recientes proyectos de imágenes fotográficas, video e instalación, los cuales conectan temas de despojo, movilidad, periferias, refugio, entropía ecológica e imaginaciones históricas y futuras. Como parte del galardón, la artista basada en Tucson y ganadora del Guggenheim Fellowship del 2021 también presentará una lectura sobre su obra y práctica artística el 28 de septiembre del 2022 en Phoenix Art Museum. Los boletos para esta lectura están disponibles en phxart.org.  

La práctica artística de Alshaibi interroga los códigos sociales encontrados en imágenes, textos y artefactos que cuestionan la construcción de la historia y su impacto en un futuro especulativo. Formada por el rol histórico y descomunal de la fotografía en generar las representaciones aplanadas específicas de genero de mujeres del Medio Oriente y personas de Africa del Norte y sus espacios. Alshaibi re-enmarca este legado al presentar la figura femenina árabe como un sitio complejo que encarna el reino físico y psicológico del individuo y de la comunidad cuando los recursos, tierra, movilidad, y el poder político están comprometidos. Sus objetos escultóricos e instalaciones aplican vacíos espaciales para evocar la ausencia del cuerpo, sirviendo de contra-memoriales de guerra, migraciones forzadas y la diáspora.

También en exhibición este otoño, la exposición de los Premios Lehmann para artistas emergentes exhibirá las obras de los artistas emergentes Gloria Martinez-Granados, Chris Vena, y Merryn Omotayo Alaka y Sam Frésquez. Los Premios Sally y Richard Lehmann para artistas emergentes (Premios Lehmann para artistas emergentes) son presentados anualmente por Phoenix Art Museum para dar reconocimiento y apoyo económico para artistas profesionales y emergentes basados en Arizona. Los candidatos a elegir participan a través de un llamado y deben ser considerados artistas emergentes quienes estén trabajando actualmente y hayan residido en Arizona por un periodo mínimo de un año, entre otros requisitos. Cada galardonado recibe un premio monetario en apoyo a la creación de nuevas obras y es invitado a participar en una exposición en grupo en Phoenix Art Museum al año siguiente de la premiación.

Originalmente de Guanajuato, México, y ahora basada en Phoenix, Gloria Martinez-Granados migró a temprana edad con su familia a los Estados Unidos. Sus impresiones y otras obras sirven como memoria, reflexionando sobre su experiencia creciendo y viviendo como inmigrante indocumentada a través de sus documentos personales y fotografías los cuales son manipulados digitalmente. La obra reciente de Chris Vena examina la solitud y el malestar de la vida durante la pandemia del COVID-19. Sus pinturas exploran temas de perdida, aislamiento, inseguridad económica, y muerte masiva. Merryn Omotayo Alaka y Sam Frésquez, quienes presentan obras conjuntamente, trabajan a través de varios medios para facilitar conversaciones sobre raza, genero, y queerness. En su práctica colaborativa y basada en procesos artesanales, las artistas trabajan con iconografías de la cultura Pop, tendencias contemporáneas y referencias históricas, trazando la evolución de la cultura material, incluyendo el cabello, joyería y textiles. Su obra también examina jerarquías sociales y estereotipos raciales y de genero para cuestionar por qué sus comunidades han sido devaluadas y tokenizadas en los Estados Unidos.

“Estoy muy emocionado de estar trabajando con el grupo de artistas de este año,” dijo Gilbert Vicario, el curador de arte contemporáneo del Museo. “Cada uno de ellos, en su propia manera, posee una singular capacidad estética acompañada de una urgencia social que conecta a estos artistas basados en Arizona con profundas conversaciones que toman lugar en una escala global.”

Sobre la exposicion
Sama Alshaibi: generación tras generación y la exhibición de los Premios Lehmann para artistas emergentes del 2021 estarán en exhibición desde el 17 de septiembre hasta el 14 de mayo del 2023 en las galerías Marshall y Hendler. Sama Alshaibi es organizada por Phoenix Art Museum. Es hecha posible a través de la generosidad del Arlene and Morton Scult Contemporary Artist Award Fund. La exposición de los premios Lehmann para artistas emergentes es organizada por Phoenix Art Museum. Es hecha posible a través de la generosidad de Sally and Richard Lehmann, con apoyo adicional del Cattryn Somers and Michael Cafiso.

La admisión es gratuita para los miembros del Museo, veteranos y personal militar activo. La admisión a la exhibición está incluida en la admisión al público en general. Durante los horarios de donación voluntaria, la exhibición será ofrecida al público en general con la admisión de donación voluntaria. Los horarios de donación voluntaria incluyen los miércoles de 3 – 9 pm y los primeros viernes de cada mes de 3 – 9 pm. Para la información completa de precios de admisión general y horarios, visita phxart.org/visit/.

Para solicitar entrevistas e imagines fotográficas de alta resolución , contacta a la oficina de comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el corredor central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Center for Creative Photography, University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visite phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (marzo 11, 2022) – El museo Phoenix Art Museum estrenará una nueva exposición el 24 de abril, 2022 que estudia las relaciones entre transporte, paisaje y la identidad en nuestra región del desierto.   Navegando el Desierto   destaca una muestra diversa de instalaciones a gran escala, grabados, esculturas y más por artistas de origen latino y artistas Indígenas, incluyendo a Cara Romero, Douglas Miles, Margarita Cabrera, Liz Cohen, and Justin Favela, cada uno de ellos inspirados por la cultura de los autos personalizados y la cultura lowrider del suroeste. Organizado por el Phoenix Art Museum y curado por Gilbert Vicario, curador de arte contemporáneo,  Navegando el Desierto  presentara el estreno mundial de obras comisionadas específicamente para la exhibición. 

“Estamos emocionados de compartir el estreno de Navegando el Desierto con nuestra comunidad” dijo Mark Koening, el interino de Sybil Harrington Director y CEO de Phoenix Art Museum. “Esta exhibición amplifica las voces que desafían los conceptos preconcebidos alrededor de la identidad y la creatividad mismas. El Navegando el Desierto proporciona a la audiencia de Arizona, la oportunidad de ver como las perspectivas Indígenas y Latinx e interpretaciones de las subculturas de automóviles y patinetas, definen la identidad regional del suroeste. Estamos encantados de presentar obras distintas, muchas por artistas trabajando aquí en Arizona.”

Navegando el desierto explora la génesis de la cultura de los autos personalizados y la cultura lowrider con raíces en la cultura posguerra de los años 50, lo que hizo mitológica nuestra dependencia y fascinación con los automóviles. La exhibición conecta el arte contemporáneo con el desarrollo de la contracultura de los años 60, personificado en el fenómeno lowrider que ocurrió simultáneamente con otras formas de protesta civil. Imágenes de vehículos personalizados rugiendo a lo ancho de los amplios paisajes del suroeste americano captaron las nociones de liberación, libertad, rebelión e inconformidad. Los autos se convirtieron en decretos desafiantes, paseando a escasos centímetros del pavimento.  Artesanos México-Americanos adornaban sus autos con imágenes culturales y religiosas, incluyendo símbolos Mayas y Nahuas pintados en las capuchas de sus autos de colores vibrantes, un rechazo a la estética automovilística convencional.  Para muchas de las comunidades Latinx and Chicanx al día de hoy, los lowrider continúan como un símbolo de individualidad, identidad cultural, resistencia y orgullo.

Para Justin Favela, un artista conocido por sus instalaciones y esculturas a gran escala que exploran la cultura popular y temáticas de autenticidad y lugar, la cultura lowrider también refleja los esfuerzos de los jóvenes Mexico-Americanos de lograr el Sueño Americano a su manera. Los visitantes verán uno de los artes de Favela creados específicamente para Navegando el Desierto: un lowrider hecho a escala y elaborado con cartón, pañuelos de papel y otros materiales. También instalará su obra Siete Neumáticos Mágicos (Seven Magic Tires), una versión satírica del artista Suizo Ugo Rondinone de las Siete Montañas Mágicas, situadas en las afueras de Las Vegas. La instalación de Favela, presenta neumáticos pintados de colores brillantes, apilados, acomodados en diferentes alturas, inspirado por neumáticos pintados que una vez vio afuera de un taller de autos en Las Vegas.  Jose Villalobos, otro artista destacado, suscita recuerdos de su familia y su historia personal por medio de la nueva obra encargada recientemente para el Navegando el  Desierto en el cual él con “extravagancia embellecerá” las sillas de montar, utilizando técnicas y accesorios típicamente reservados para lowriders, incluyendo volantes de cadenas y lacas de colores brillantes, deconstruyendo la masculinidad inherente en dichos objetos.

Mas allá del diseño y de la inherente artesanía en la cultura lowrider, la exhibición también explora la influencia del movimiento, desplazamiento y la ubiquidad de la cultura automovilística y su apariencia en el arte contemporáneo. Las obras presentadas, utilizan símbolos de transporte y movimiento para interrogar conceptos de masculinidad y feminidad por Liz Cohen, Sam Fresquez, and Carlotta Boettcher y nociones de migración y movilidad por Betsabeé Romero, así como obras por Cara Romero y Laurie Steelink que exploran como auto describir “el ser ´indio´” negocia valores indígenas tradicionales con la vida contemporánea.

“Navegando el Desierto explora la manera en que la cultura automovilística en el suroeste ha influenciado el arte de los artistas contemporáneos de origen latino e Indígenas, quienes están examinando la intersección del movimiento y traslado, migración, genero, sexualidad, trabajo e identidad,” dijo Gilbert Vicario, quien fue el curador de la exhibición. “Es importante reconocer a todos los artistas representados, quienes son miembros de comunidades que fueron forzadas a los márgenes de nuestro espacio geográfico, experiencias que van paralelas a la historia misma de lowrider. Espero que los visitantes vean el impacto que la cultura local ha tenido en artistas trabajando en el suroeste y que aprecien esta parte de la historia de la tierra en la cual nacieron.”

Como complemento de la exhibición, el bibliotecario del museo, Jesse Alexander Lopez va a curar una nueva instalación extraída de los archivos de la biblioteca del museo, junto con nuevas adquisiciones. Presentando libros, revistas y otros efímeros, la instalación de la biblioteca satélite examinará la unión entre la cultura chicanx lowrider y sus antiguas raíces mexicanas y latinoamericanas, y la filosofía de la visión mundial del mestizaje. Esta instalación complementaria estará a la vista en ambos, en la extensión sur de la galería Steele Gallery y la galería interactiva del museo Ballinger,  familiarmente conocido como la biblioteca BIG Little Library, y destacara publicaciones lowrider emblemáticas desde los años 1970s hasta el día de hoy; libros de la cultura de los Aztecas y las secuelas de la conquista, letras de amor de la prisión y tarjetas hechas a mano, y una vistazo especial a la popularidad de la cultura lowrider en Japón.

Acerca de la Exhibición

Navegando el desierto estará a la vista del 24 de abril, 2022 hasta el 18 de septiembre, 2022 en la galería Steele Gallery en Phoenix Art Museum. La exhibición es organizada por el Phoenix Art Museum. Ha sido posible por la generosidad de la Oficina de Turismo del Estado de Arizona y el Men’s Arts Council, con apoyo adicional del Círculo de Apoyo del Museo y los miembros del Museo. Para mayor detalle de la exhibición, visite phxart.org/exhibition/desert-rider/.  Para solicitar una entrevista, contactar la oficina de comunicación del Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o con samantha.santos@phxart.org. Para fotografías de alta resolución, haga clic Aquí.

Acerca de la Exhibición

Navegando el Desierto, una exhibición especial, será gratuita para los Miembros del Museo y para niños de 5 años o menos. La exhibición será también gratuita para veteranos y militares activos y sus familiares por medio del Programa de Acceso a la Milicia del Phoenix Art Museum (MAP@PAM), hecho posible gracias a la generosidad de Dr. Hong and Doris Ong, Nancy Hanley Eriksson, y la fundación Shamrock Foods Foundation. Los visitantes también podrán disfrutar de un bajo precio en la admisión a la exhibición durante los tiempos de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 de la noche, hecho posible por SRP y apoyado en parte por la generosidad de Angela y Leonard Singer Endowment for Performing Arts, y el primer viernes de cada mes de 3 a 9 de la noche. Para un desglose completo de los precios y horarios para admisión general, visite  phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corridor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras Americanas y Americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber mas acerca del Phoenix Art Museum, visite  phxart.org, o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (15 de mayo de 2021) – Phoenix Art Museum ha abierto la convocatoria para los Premios Sally y Richard Lehman para Aristas Emergentes, el programa de becas para artistas de la institución (Lehmann Emerging Artist Awards). Este recientemente creado programa de becas, con jurado, ofrece reconocimiento y apoyo financiero a artistas emergentes, profesionales y afincadxs en Arizona. Los Premios Lehmann para Artistas Emergentes sustituyen a las previas Becas para Artistas del Foro Contemporáneo. Para la convocatoria de los Premios Lehmann para Artistas Emergentes de 2021, Phoenix Art Museum colaborará con Artlink, una organización artística con sede en Phoenix, que acogerá y ayudará a promover la convocatoria de presentación de obras.  La convocatoria está abierta desde el 15 de mayo hasta el 15 de julio de 2021 a artistas que deseen presentar su obra para su consideración. La cuota de presentación es de $10, y los ingresos apoyan los programas de educación y las exposiciones del Phoenix Art Museum. El 30 de septiembre de 2021 se anunciarán hasta tres ganadorxs de los Premios Lehmann para Artistas Emergentes, cada unx de lxs cuales recibirá una beca de $1500 y la oportunidad de participar en una exposición colectiva en Phoenix Art Museum en la primavera de 2022.

Los Premios Sally y Richard Lehmann para Artistas Emergentes son un programa anual de becas para artistas. El programa de reconocimiento es la continuación de un programa iniciado por el antiguo grupo de apoyo del Museo, el Foro Contemporáneo, que concedió más de 180 becas para artistas durante más de 30 años. Las Becas para Artistas del Foro Contemporáneo concluyeron en 2017, momento en el que Phoenix Art Museum continuó subvencionando un programa anual de becas para artistas con el fin de apoyar los esfuerzos y el reconocimiento de los artistas radicados en Arizona. En abril de 2021, el programa anual de becas para artistas fue renombrado para reconocer el apoyo de los donantes locales Sally y Richard Lehmann, que se han comprometido a financiar los Premios Lehmann para Artistas Emergentes anualmente durante un mínimo de 10 años.

Los Premios Lehmann para Artistas Emergentes fomentan la creación de arte contemporáneo alentando a los artistas emergentes que trabajan en Arizona a través de becas y exposiciones anuales, así como proporcionando oportunidades adicionales de programación para charlas de artistas con la comunidad y presentadas en el Phoenix Art Museum. Cada año, un jurado formado por Gilbert Vicario, curador de arte contemporáneo de Phoenix Art Museum, y que incluye a curadores de dentro y fuera del estado de Arizona, selecciona hasta tres artistas como beneficiarixs del premio. El jurado también puede incluir a artistas de renombre internacional y a otrxs expertxs en arte visual. Entre los anteriores miembros del jurado se encuentran Tyler Cann, Curador Asociado de Arte Contemporáneo del Columbus Museum of Art, y Kate Green, Directora Ejecutiva de MoCA Tucson. Lxs ganadorxs de los Premios Lehmann para Artistas Emergentes de 2021 recibirán $1500 cada unx para apoyar su trabajo y serán invitados a presentar nuevas obras en una exposición colectiva junto a quien gane el Premio Arlene y Morton Scult para Artistas (Premio Scult) de 2021 del Museo, que se nomina por invitación y se selecciona por un jurado. La exposición de Los Ganadores de las Becas para Artistas del Phoenix Art Museum de 2019, presentada desde ahora hasta el 5 de septiembre de 2021, muestra obras de las artistas emergentes Christina Gednalske, Danielle Hacche, Lena Klett, Nazafarin Lotfi y Kimberly Lyle, que forman parte de la primera cohorte de becas para artistas del Museo formada exclusivamente por mujeres. Esta exposición se presenta conjuntamente con Ann Morton: La protesta violeta, que presenta la obra de la ganadora del Premio Scult de 2019, Ann Morton.

Convocatoria de los Premios Lehmann para Artistas Emergentes de 2021

Phoenix Art Museum aceptará solicitudes para los Premios Lehmann para Artistas Emergentes de 2021 desde el 15 de mayo hasta el 15 de julio de 2021. Las solicitudes sólo se aceptan en línea y deben presentarse antes del 15 de julio de 2021. Un jurado, que se anunciará al público el 30 de septiembre de 2021, seleccionará a lxs ganadorxs. El comité de selección otorgará un máximo de tres becas de $1500 cada una, y se invitará a cada beneficiarix a presentar su obra en la exposición de beneficiarixs de los Premios Lehmann para Artistas Emergentes de 2022. Hay una cuota de $10 para participar en la convocatoria abierta, y los ingresos apoyan la educación artística y las exposiciones en Phoenix Art Museum. 

Requisitos de elegibilidad:

• Lxs artistas deben ser consideradxs artistas emergentes, cumpliendo al menos uno de los criterios a continuación:
• Individuals who have completed degree programs in the last 5 years
  • Artists who exhibit their work in Arizona but may not have shown nationally or internationally
  • Artists with a website and a few different bodies of work that show development over time
• Lxs artistas deben estar trabajando actualmente.
• Artistas que trabajan en cualquier medio, incluidos la pintura, la escultura, el dibujo, la instalación, los nuevos medios, la performance, la fotografía y el vídeo, pueden participar.
• Lxs artistas deben ser residentes de Arizona durante un mínimo de un año.
• Las obras presentadas deben haber sido producidas en los últimos dos años.
• Lxs artistas no pueden estar inscritxs en un programa de titulación universitaria.
• Lxs anteriores beneficiarixs de las Becas para Artistas no son elegibles.
• Lxs artistas deben estar registradxs como “Artlink Articipant”. Regístrese como Articipant* con Artlink aquí:

*Tenga en cuenta: Mientras que la Articipation de Artlink no requiere pago, hay beneficios adicionales a los niveles pagados. Visite artlinkphx.org para los detalles. ¿Tiene preguntas acerca de Artlink? envíe un correo electrónico a info@artlinkphx.org. 

Requisitos de presentación

Las solicitudes deben presentarse USANDO EL ENLACE A CONTINUACIÓN: bit.ly/LehmannAwardsOpenCall

Las presentaciones DEBEN incluir:

• Nombre de artista, dirección postal, correo electrónico y número de teléfono
• Currículum/CV
• Declaración de artista (opcional; 150 palabras o menos)
• Descripción de cada obra presentada (título, fecha, medio, dimensiones)
• Tres (3) JPEGS o tres (3) vídeos de diferentes ejemplos de trabajos
  • No se aceptarán vídeos de más de tres minutos.

Fecha de entrega:

Todos los materiales deben entregarse en línea antes de la medianoche hora del Pacífico el 15 de julio de 2021. Entregue las solicitudes al siguiente enlace: bit.ly/LehmannAwardsOpenCall. Envíe un correo electrónico a curatorial@phxart.org si tiene alguna duda.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

Acerca de Artlink Inc.

Artlink mantiene las artes como parte integral de nuestro desarrollo, conectando a los artistas, las empresas y la comunidad. Fundada como una organización sin fin de lucro 501(c)(3) por artistas en 1989, el nombre de Artlink es un principio rector de la organización, ya que apoya a las partes interesadas de la comunidad artística y cultural, amplificando su fuerza colectiva. Visite artlinkphx.org para suscribirse al boletín de Artlink, o conéctese socialmente en Facebook, Twitter e Instagram.

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PHOENIX (1 de diciembre de 2020) – Del 10 de marzo al 5 de septiembre de 2021, Phoenix Art Museum presentará a Ann Morton: la protesta violeta y la Exposición de Becas para Artistas de Phoenix Art Museum de 2019. Las dos exposiciones, que anteriormente se pospusieron debido al cierre temporario del Museo hecho necesario por COVID-19, mostrarán respectivamente las obras de la ganadora del Premio al Artista de Arlene y Morton Scult de 2019, Ann Morton, y de las ganadoras de las Becas para Artistas de Phoenix Art Museum de 2019, Christina Gednalske, Danielle Hacche, Lena Klett, Nazafarin Lotfi y Kimberly Lyle, que representan la primera cohorte completamente femenina de becas para artistas del Museo. Las instalaciones, pinturas, obras de medios mixtos y más explorarán las divisiones políticas en los Estados Unidos, el poder de la colaboración, la identidad, la memoria y la percepción, y la comunicación y la tecnología. 

"Estamos encantados de presentar estas exposiciones que presentan obras de artistas radicadas en Arizona", dijo Tim Rodgers, PhD, Director y CEO de Phoenix Art Museum, con subvención por Sybil Harrington. "El Premio al Artista de Scult y las Becas para Artistas son dos importantes oportunidades de reconocimiento para los artistas contemporáneos de Arizona, y representan el compromiso continuo del Museo de utilizar su plataforma para apoyar y amplificar el trabajo de artistas emergentes y establecidos que ejercen un profundo impacto en el ecosistema artístico de nuestra región". 

Cada año, el Premio al Artista de Arlene y Morton Scult reconoce a un artista a mitad de carrera que trabaje en Arizona. Los solicitantes deben demostrar la excelencia artística a través de su trabajo, participar activamente en la realización y exhibición de nuevas obras, demostrar un crecimiento significativo de su trabajo a lo largo de sus carreras y haber sido residentes de Arizona durante un mínimo de cuatro años consecutivos. Un panel de jurados altamente calificados, que incluye a curadores y artistas, selecciona al ganador basándose en el trabajo que está produciendo actualmente, además de las piezas que ha creado en el pasado. El premio incluye un premio de $5000 y una exposición individual en el Museo el año siguiente.

Las Becas para Artistas de Phoenix Art Museum, por lo contrario, apoyan a los artistas emergentes que trabajan en Arizona para fomentar la creación de arte contemporáneo en la región. De un grupo competitivo de solicitantes que responden a una convocatoria abierta anual, los beneficiarios de las Becas para Artistas son seleccionados por un jurado de curadores y artistas. Se conceden hasta cinco subvenciones de $2,000 para cada uno a los beneficiarios, que luego presentan su trabajo en una exposición colectiva en el Museo el año siguiente. Las Becas para Artistas se conocían anteriormente como los premios de las Becas para Artistas del Foro Contemporáneo, llamados así por un grupo de apoyo del Museo que estuvo activo desde 1982 hasta 2018.

El jurado para el Premio al Artista de Scult de 2019 y las Becas para Artistas de 2019 estuvo compuesto por Kate Green, Directora Ejecutiva del Museum of Contemporary Art, Tucson; Tyler Cann, Jefe de Exposiciones y Curador de la Familia Pizzuti de Arte Contemporáneo del Columbus Museum of Art; y el artista Matt Magee, ganador del Premio al Artista de Arlene y Morton Scult de 2017.

Phoenix Art Museum otorgó el Premio al Artista de Scult de 2019 a Ann Morton, una artista radicada en Phoenix que trabaja principalmente en el arte textil. Según su declaración de artista, el trabajo de Morton utiliza las técnicas tradicionales de fibra como herramientas conceptuales para la comunicación estética y social para examinar una sociedad de la que todos somos parte—como espectadores, participantes, víctimas y perpetradores. Ella crea obras de arte que reflejan tanto su propio trabajo manual como el de los miembros comunitarios interesados a través de intervenciones públicas que buscan emplear el poder de la creación para el beneficio y cambio social. Entre las intervenciones públicas anteriores organizadas por Morton se encuentran ReThanks (2017) y la galardonada Ground Cover (2013).

Ann Morton: la protesta violeta de Phoenix Art Museum presentará el último proyecto de arte colaborativo de la artista, que busca unir a creadores de diversas ideologías políticas y fomentar la colaboración bipartidista. En enero de 2020, Morton anunció una convocatoria abierta a los fabricantes de los Estados Unidos y Puerto Rico, pidiéndoles que presentaran unidades textiles cuadradas de 8 x 8 pulgadas que utilizaran partes iguales de material rojo y azul, simbolizando la unión de ideologías políticas opuestas de los Estados Unidos. Desde entonces, Morton ha recibido compromisos de casi 1,600 artistas y fabricantes textiles de los 50 estados, así como de Columbia Británica y Alberta en Canadá, que se han comprometido a entregar más de 12,000 cuadrados que Morton utilizará para construir su instalación a gran escala La protesta violeta. La obra contará con cuadrados textiles rojos y azules apilados y configurados en las letras “U” y “S”, con el rojo y el azul mezclados para crear la impresión general del color violeta. Los cuadrados también se exhibirán a lo largo de las paredes de las galerías para asegurar que el trabajo de cada creador contribuyente sea exhibido. Morton seguirá aceptando proyectos hasta el 1 de agosto de 2021 y planea añadir a las pilas de la “U” y la “S” durante toda la duración de la instalación. Después de que la exposición del Museo de La protesta violeta termine el 5 de septiembre de 2021, Morton desmontará la obra y enviará cuadros de la instalación a cada senador y representante de los Estados Unidos, acompañados de una foto de la obra y una carta en la que se pide a los funcionarios electos que se reúnan, que den prioridad a la representación de sus diversos distritos electorales y que rechacen las divisiones políticas.

Esta primavera también se podrá ver la Exposición de ganadores de las Becas para Artistas de Phoenix Art Museum de 2019, en la que se presentarán obras de las artistas emergentes Christina Gednalske, Danielle Hacche, Lena Klett, Nazafarin Lotfi y Kimberly Lyle, que constituyen la primera cohorte de becas para artistas compuesta exclusivamente por mujeres. Las obras de arte de Gednalske utilizan el vídeo, la escritura, la fotografía, la pintura y la actuación para examinar la presencia a través del cuerpo, la memoria y el lugar, mientras que las abstracciones geométricas de líneas rectas de Hacche hechas con pastel y guache enfatizan la materialidad y la dedicación al proceso. Los dibujos, las esculturas y los vídeos de Klett exploran cómo se forma el conocimiento por medio de la intuición, la interacción y la observación, mientras que las obras interdisciplinarias de Lyle exploran la relación de la humanidad con los sistemas de comunicación, aprendizaje y tecnología, desafiando eficazmente las fronteras entre los lenguajes, entre humano y máquina, entre pasado y presente. Por último, las obras dinámicas de Lotfi exploran las fuerzas de la oposición, la tensión, la armonía y cómo permiten la posibilidad y el crecimiento.

“Nos emociona compartir las obras conmovedoras y dinámicas de estas artistas contemporáneas con nuestro público”, dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe del Museo, con subvención por la Familia Selig. “A través de varios medios, están examinando algunos de los temas formativos de nuestro tiempo mientras demuestran cómo la creación artística colaborativa y la abstracción como lenguaje visual proporcionan la oportunidad de contemplar y reformular nuestras realidades individuales y colectivas”.

Acerca de la exposición

Ann Morton: la protesta violeta y la Exposición de ganadores de las Becas para Artistas de Phoenix Art Museum de 2019 serán exhibidas desde el 10 de marzo al 5 de septiembre de 2021 en las galerías Marshall y Hendler. Ann Morton: la protesta violeta está organizada por Phoenix Art Museum. Es hecha posible por medio de la generosidad de Arlene y Morton Scult. La Exposición de ganadores de las Becas para Artistas de Phoenix Art Museum de 2019 está organizada por Phoenix Art Museum. Es hecha posible por medio de la generosidad de los Círculos de Apoyo y los Miembros del Museo. Para más detalles acerca de la exposición, por favor visite la página de exposición.

La entrada es gratuita para los Miembros del Museo; los veteranos y los militares en servicio activo; y los jóvenes de 5 años o menos. La entrada a la exposición está incluida en la admisión general para el público general. Durante el tiempo de donación voluntaria, la exposición se ofrece al público general con admisión de ‘pague lo que quiera’. El horario de donación voluntaria incluye los miércoles de 3 a 7 pm y el primer viernes de cada mes de 3 a 7 pm. Para un desglose completo de precios de entrada general y horarios, consulte https://phxart.org/es/visitar/.

Para solicitar entrevistas y fotografía de alta resolución, contacte la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.307.2003 o a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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