PHOENIX (23 de abril del 2025) – Este otoño, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta Eric Fischl: Historias contadas, organizada por PhxArt y curada por Heather Sealy Lineberry, curadora emérita del Arizona State University Art Museum. La gran exposición explora varias series destacadas creadas por el pintor figurativo desde finales de la década de 1970 hasta la actualidad, destacando su compromiso a lo largo de toda su carrera con la representación de la figura humana en entornos suburbanos de clase media inspirados en su infancia y sus experiencias personales. Eric Fischl: Historias contadas estará en exposición en PhxArt del 7 de noviembre del 2025 al 14 de junio del 2026.

“Phoenix Art Museum tiene el honor de presentar Eric Fischl: Historias contadas en la misma ciudad donde Fischl comenzó su carrera artística”, afirmó Jeremy Mikolajczak, director de Sybil Harrington y CEO del Museo. “Durante décadas, la pintura, el dibujo y la escultura de Eric Fischl han cosechado un gran reconocimiento en el mundo del arte, especialmente entre los artistas con un interés particular en la figura humana. Además de su prestigio internacional, Fischl ha tenido un profundo impacto en la escena artística de Phoenix gracias a su larga trayectoria como mentor y a sus iniciativas filantrópicas en Phoenix College, lo que convierte esta retrospectiva de sus obras más emblemáticas —la primera exposición individual a gran escala de Fischl desde el 2018— en una vuelta a casa”.

Fischl (nacido en 1948) creció en Long Island, Nueva York, y Phoenix, Arizona, donde asistió al Phoenix College y a la Arizona State University a finales de la década de 1960. Tras estudiar con el pintor paisajista contemporáneo Merrill Mahaffey, Fischl se licenció en Artes en 1972, formando parte de la primera clase egresada del California Institute for the Arts (CalArts). En una época en la que las nuevas formas e ideas artísticas reinaban en CalArts, Fischl tuvo que aprender a pintar de forma tradicional en gran medida de manera autodidacta, estudiando a artistas modernos clásicos como Manet y Degas. Trabajando con la pintura figurativa y el contenido narrativo a finales de la década de 1970, cuando estaba decididamente en desuso en el mundo del arte, Fischl convirtió en su tema lo que mejor conocía: los recuerdos de la vida suburbana y la familia nuclear de su infancia. A lo largo de su obra, Fischl ha explorado temas como el ambicioso sueño americano de los años 50, los radicales cambios sociales y estéticos de los años 60 y 70, y la cultura embriagadora de la ciudad de Nueva York y sus movimientos artísticos más representativos de los años 80. A lo largo de su extensa carrera, Fischl ha centrado sistemáticamente la figura humana en su obra, situándola en momentos tensos y ambiguos en los que afloran tabúes sociales, ansiedades, secretos familiares, masculinidad, privilegios no reconocidos, el choque entre lo público y lo privado, y mucho más.

Eric Fischl: Historias contadas reúne aproximadamente 40 obras a gran escala que muestran de forma destacada la asombrosa coherencia y el compromiso de Fischl con la pintura de la figura humana en el contexto de la clase media estadounidense. Organizada en cuatro secciones temáticas, la exposición muestra las conocidas pinturas tempranas y obras en papel de Fischl en diálogo con pinturas de series creadas más tarde en su carrera, entre las que se incluyen Late America, My Old Neighborhood, Presence of an Absence, Complications from an Already Unfulfilled Life, Melancholia y Hotel Stories. Las secciones se definen por su elemento compositivo clave, el cuerpo humano, representado solo, en pareja, como parte de una familia o en una multitud. Este enfoque directo resalta la constante reflexión de Fischl sobre la relación entre las identidades individuales y colectivas, y destaca los temas recurrentes a lo largo de su carrera.

“Durante más de 45 años, Eric Fischl ha utilizado la pintura figurativa para examinar los problemas sociales y los acontecimientos actuales que definen nuestra época”, afirma Heather Sealy Lineberry, curadora de la exposición. “Eric Fischl: Historias contadas es una ocasión oportuna para recontextualizar la obra del artista dentro de nuestro momento contemporáneo, a medida que la pintura figurativa experimenta un resurgimiento internacional y que Fischl sigue examinando las posibilidades y promesas, las disparidades y contradicciones de la experiencia americana.”

Eric Fischl: Historias contadas va acompañada de un catálogo de 160 páginas, totalmente ilustrado, publicado por Scala Arts Publishers, Inc. con una introducción de la curadora Heather Sealy Lineberry y ensayos de la historiadora del arte Dra. Kathryn Brown; la crítica de arte y curadora Eleanor Heartney; y Eleanor Nairne, curadora de Arte Moderno y Contemporáneo de Keith L. y Katherine Sachs y Jefa del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo del Philadelphia Museum of Art. La publicación también incluye una conversación entre Eric Fischl y el artista Arcmanoro Niles, así como una cronología comentada de la vida y la carrera de Fischl.

Fotografía de alta resolución de Eric Fischl: Historias contadas pueden descargarse aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o a través de samantha.santos@phxart.org.

Acerca de la exposición
Eric Fischl: Historias contadas está organizada por Phoenix Art Museum y curada por Heather Sealy Lineberry, curadora emérita del Arizona State University Art Museum y profesora asociada del programa de Estudios Museísticos de la Facultad de Arte de ASU. La exposición es posible gracias a Men’s Arts Council, Margaret T. Morris Foundation, Steven Martin y Anne Stringfield, James y Janet Dicke, Bruce y Suzie Kovner, y DL Winters Foundation, con el apoyo adicional de Rafael Jablonka.

Todas las exposiciones de Phoenix Art Museum son financiadas por el Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por The Opatrny Family Foundation, con el importante apoyo adicional de Joan Cremin.

La admisión es gratuita para los miembros del Museo, los menores de 5 años y los estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una tarifa reducida durante las horas de donaciones voluntarias, los miércoles de 3 a 8 de la tarde, gracias a SRP y a City of Phoenix, y el Primer Viernes de 5 a 8 de la tarde, gracias a APS y Lexus. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, visita https://phxart.org/es/visitar/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959, Phoenix Art Museum (PhxArt) ha involucrado a millones de visitantes con el arte de nuestra región y del mundo. Situado en el Corredor Central de Phoenix, PhxArt crea espacios de intercambio y pertenencia para todos los públicos a través de exposiciones dinámicas, colecciones y experiencias con el arte. Cada año, una media de 300 000 visitantes se acercan a exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y a la colección del Museo, compuesta por más de 21 000 obras de arte norteamericano y occidental, asiático, europeo, latinoamericano, moderno y contemporáneo y de diseño de moda, junto con vibrantes exposiciones de fotografía que son posibles gracias a la histórica colaboración del Museo con el Center for Creative Photography de la University of Arizona en Tucson. PhxArt también presenta actuaciones en directo, destacados ejemplos de cine mundial, programas y talleres de educación artística, un festival de arte y música, y mucho más para la comunidad. Para más información sobre Phoenix Art Museum, visita phxart.org o llama al 602.257.1880.

Acerca de Eric Fischl
Eric Fischl nació en 1948 en Nueva York y creció en los suburbios de Long Island. Comenzó su educación artística en Phoenix, Arizona, donde sus padres se habían mudado en 1967. Estudió en el Phoenix College y en la Arizona State University antes de licenciarse en Artes por el California Institute for the Arts en 1972. Después pasó un tiempo en Chicago, donde trabajó como guardia en el Museo de Arte Contemporáneo. En 1974 se trasladó a Halifax, Nueva Escocia, para enseñar pintura en el Nova Scotia College of Art and Design. Fischl celebró su primera exposición individual, curada por Bruce W. Ferguson, en la Dalhousie Art Gallery de Nueva Escocia en 1975, antes de trasladarse a Nueva York en 1978.

La educación suburbana de Fischl le proporcionó un telón de fondo caracterizado por el alcoholismo y una cultura de club de campo obsesionada con la imagen por encima del contenido. Sus primeras obras se centraron en la brecha entre lo que se vivía y lo que no se podía decir. Su primera exposición individual en Nueva York fue en la galería Edward Thorp en 1979, en una época en la que los suburbios no se consideraban un género artístico legítimo. Fischl recibió por primera vez la atención de la crítica por retratar los oscuros e inquietantes trasfondos de la vida estadounidense dominante.

Las pinturas, esculturas, dibujos y grabados de Fischl han sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas, y su obra está representada en muchos museos, así como en prestigiosas colecciones privadas y corporativas, como The Metropolitan Museum of Art, The Whitney Museum of American Art, The Museum of Modem Art de Nueva York, The Museum of Contemporary Art de Los Ángeles, el St. Louis Art Museum, el Louisiana Museum of Art de Dinamarca, el Musèe Beaubourg de París, The Paine Weber Collection y muchos otros. Fischl ha colaborado con otros artistas y autores, como E.L. Doctorow, Allen Ginsberg, Jamaica Kincaid, Jerry Saltz y Frederic Tuten. También es fundador, presidente y curador principal de America: Now and Here, un proyecto que se puso en marcha en el 2011 y en el que participaron 150 de algunos de los artistas visuales, músicos, poetas, dramaturgos y cineastas más célebres de Estados Unidos.

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PHOENIX (17 de diciembre, 2024) – Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) presentará Ampliando la lente: Fotografía, ecología y paisaje contemporáneo una amplia exposición fotográfica que presenta la obra de casi 20 artistas contemporáneos que examinan la historia y la degradación del medio ambiente, en particular en el paisaje estadounidense, así como las preocupaciones urgentes sobre el cambio climático. Organizada por el Carnegie Museum of Art de Pittsburgh, Ampliando la lente invita al espectador a reconsiderar su relación con el medio ambiente y a explorar cómo la fotografía puede ayudar a visualizar nuevos caminos. Ampliando la lente podrá verse en Phoenix Art Museum del 26 de febrero al 15 de junio de 2025.  

“Estamos muy entusiasmados de traer Ampliando la Lente a Phoenix como continuación de la larga historia del Museo de presentar a nuestro público una programación que invita a la reflexión centrada en el medio ambiente y el paisaje americano,” dijo Jeremy Mikolajczak, Director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “Ampliando la lente es una oportunidad especialmente cautivadora para explorar el uso que los artistas contemporáneos hacen de la fotografía para ampliar nuestra comprensión del mundo natural, su historia y las formas en que las personas lo impactan, tanto positiva como negativamente. La exposición proporcionará un intrigante contrapunto a las obras paisajísticas expuestas en nuestras galerías de arte americano, ofreciendo una visión de cómo las percepciones y la realidad del paisaje americano han cambiado a lo largo del tiempo.” 

Con cerca de 65 obras de 18 artistas de la lente, entre imágenes en blanco y negro e instalaciones escultóricas, Ampliando la lente desafía las concepciones tradicionales de la fotografía al infundir en el paisaje una mayor conciencia de historias, fuerzas naturales y habitantes que se remontan a miles de años atrás. La exposición está organizada en cuatro secciones temáticas. Archivo desafía las narrativas dominantes establecidas en las fotografías históricas. Recordando se adentra en la naturaleza como paisaje conmemorativo, cargado de la complejidad de la identidad humana y las relaciones personales. Buscando caminos presenta obras de arte que iluminan la adaptabilidad, complicidad y parálisis humanas en el medio ambiente. Por último, Horizonte mira hacia el futuro y considera la ansiedad medioambiental, la anticipación, la posibilidad y los caminos alternativos. 

“Estoy encantada de compartir esta poderosa y rica exposición con el público de Arizona,” declaró Emilia Mickevicius, la Curadora adjunta de fotografía de la familia Norton en Phoenix Art Museum y el Center for Creative Photography. “Ampliando la lente cuenta con una fenomenal y diversa lista de artistas que están trabajando en las intersecciones críticas del paisaje con la historia, la identidad y el cambio climático. Juntos, presentan una visión emocionante y expansiva del potencial de la fotografía paisajista. Espero que, al contemplar la exposición en nuestro entorno, el desierto de Sonora, los visitantes se sientan inspirados para observar el paisaje que nos rodea con otros ojos.”  

Entre los artistas destacados de la exposición figuran:  

Fotografía de alta resolución de Ampliando la lente: Fotografía, ecología y paisaje contemporáneo pueden descargarse aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum en el 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.  

Acerca de la exposición 
Ampliando la lente: Fotografía, ecología y paisaje contemporáneo está organizada por el Carnegie Museum of Art de Pittsburgh y curada por Dan Leers, Curador de Fotografía, con Keenan Saiz, asistente curatorial del proyecto Hillman Photography Initiative. La presentación de la exposición en Phoenix Art Museum está coordinada por Emilia Mickevicius, la Curadora Adjunta de Fotografía de la familia Norton en Phoenix Art Museum y el Center for Creative Photography.  
 
La presentación de la exposición en Phoenix Art Museum es posible gracias a la generosidad de The William Talbott Hillman Foundation, The Henry L. Hillman Foundation, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, The Henry Luce Foundation, The Teiger Foundation y The National Endowment for the Arts.  
 
Todas las exposiciones de Phoenix Art Museum están financiadas por el Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por The Opatrny Family Foundation, con el importante apoyo adicional de Joan Cremin. 
 
La admisión es gratuita para los miembros del Museo, menores de 5 años de edad y estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una tarifa reducida de admisión a la exposición durante el horario de donación voluntaria los miércoles de 3 a 8 pm, posible gracias a SRP y a City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/. 

Acerca de Phoenix Art Museum 
Desde 1959, Phoenix Art Museum (PhxArt) ha conectado a millones de visitantes con el arte de nuestra región y del mundo. Situado en el Corredor Central de Phoenix, PhxArt crea espacios de intercambio y pertenencia para todos los públicos a través de exposiciones dinámicas, colecciones y experiencias con el arte. Cada año, un promedio de 300,000 visitantes asisten a exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y a la colección del Museo de más de 21,000 obras de arte de Las Américas y norteamérica, asiática, europea, latinoamericana, moderna y contemporánea y de diseño de moda, junto con vibrantes exposiciones de fotografía que son posibles gracias a la histórica asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona en Tucson. PhxArt también presenta actuaciones en directo, destacados ejemplos de cine mundial, programas y talleres de educación artística, un festival de arte y música, y mucho más para la comunidad. Para más información sobre Phoenix Art Museum, visita phxart.org o llama al 602.257.1880. 

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PHOENIX (11 de diciembre, 2024) – El 12 de abril de 2025, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta su nueva gran exposición de moda, El mundo de Anna Sui, que llega a Phoenix procedente del Fashion and Textile Museum de Londres. La amplia exposición cuenta con más de 100 conjuntos, incluyendo estilos del archivo personal de Sui, prendas de su última colección y diversos objetos y conjuntos de la célebre colección de moda del Museo, seleccionados en colaboración con la diseñadora. El mundo de Anna Sui podrá verse en PhxArt del 12 de abril al 28 de septiembre de 2025.  

“Anna Sui definió una generación de la moda, y el Phoenix Art Museum se complace en presentar El mundo de Anna Sui, que explora el impacto de esta extraordinaria diseñadora,” afirmó Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “En los años 90, Anna Sui fue una de las impulsoras del estilo de la década, ahora icónico, muchos de los cuales inspiran las tendencias actuales de la Generación Z. Desde entonces, ha seguido dando forma a la moda de la Generación Z. Desde entonces, ha seguido dando forma al panorama de la moda, construyendo un universo elaborado e imaginativo que se inspira en la música grunge, la estética gótica, el romanticismo y mucho más. Además, estamos encantados de presentar una versión ampliada de esta increíble exposición de archivo a través de la colaboración entre Anna y Helen Jean, Curadora de Moda Jacquie Dorrance, curando objetos selectos de la Colección PhxArt para que aparezcan en conversación con la galardonada obra de Anna.” 

 Anna Sui, criada en las afueras de Detroit y ahora radicada en Nueva York, se inspira en la nostalgia y el romanticismo intemporales de los comienzos de la moda contemporánea y los combina con su característica estética rockera. Desde el estreno de su primer desfile en 1991, Sui ha lanzado más de 80 colecciones de prêt-à-porter, accesorios, cosméticos y fragancias a través de su marca independiente, popularizando efectivamente el look de moda de boutique. A través de sus atuendos de pies a cabeza, ha creado un universo gráfico habitado por alter-egos del mundo de vaqueras, chicas grunge, hippies, chicas hula, mods, estrellas de rock piratas, doncellas prerrafaelitas y nómadas surfistas. Los diseños de Sui han cobrado vida en la pasarela gracias a modelos como Christy Turlington, Naomi Campbell, Linda Evangelista y Gigi Hadid, y han sido lucidos por Anne Hathaway, Zooey Deschanel, Madonna y otros iconos de la cultura pop. Su obra también se presentó en la exposición de alta costura Camp de 2019 en el Metropolitan Museum of Art. 

El mundo de Anna Sui reúne más de 100 conjuntos del archivo de la célebre diseñadora y presenta una lista de 12 arquetipos básicos de la estética Sui. Desde prendas y accesorios, pasando por peinados y maquillaje, hasta aromas y sonidos, la exposición explora minuciosamente los materiales, las obsesiones culturales y los estilos globales que han inspirado a Sui durante décadas. Como complemento especial de la exposición, PhxArt presentará estilos de las colecciones recientes de Sui entre F/W 2019 y F/W 2024 que muestran el experimentalismo continuo de la diseñadora, que sigue incorporando nuevos materiales a su universo de diseño. Un ejemplo único de ello es el uso que Sui hace del material de papel metalizado en su colección S/S 2024, similar a obras especiales de la colección de moda del Museo. La diseñadora también ha sido invitada a seleccionar obras de la célebre colección del Museo que ejemplifican el espíritu y la estética en los que se inspira creativamente.  

“Anna Sui es una historiadora autodidacta de la cultura, el arte y la moda, y una auténtica maestra a la hora de entrelazar narrativas y estéticas de géneros aparentemente contradictorios en sus diseños,” afirma Helen Jean, curadora de moda Jacquie Dorrance del Museo. “Los visitantes de la exposición descubrirán cómo su obra muestra elementos de la música popular, libros, películas y los movimientos artísticos, al tiempo que hace referencia a tendencias de moda muy variadas, desde ropa deportiva hasta chaquetas de excedentes militares, pasando por pañuelos japoneses y vestidos qipao. El mundo de Anna Sui es un puro deleite visual, con una increíble historia de la cultura pop entretejida por todas partes, y es otra poderosa oportunidad de ver cómo los diseñadores de moda absorben, hacen referencia y se comprometen con los estilos y movimientos sociales definitorios de nuestro pasado y presente colectivo.”  

Las fotografías en alta resolución de El mundo de Anna Sui pueden descargarse aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum en el 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org. 

Acerca de la exposición 
El mundo de Anna Sui está organizada por el Fashion and Textile Museum de Londres y comisariada por Dennis Nothdruft, Jefe de Exposiciones del Fashion and Textile Museum de Londres. Su presentación en Phoenix Art Museum está coordinada por Helen Jean, curadora de Diseño de Moda Jacquie Dorrance , con Catherine Wise, practicante de Diseño de Moda Hirabayashi.

Su estreno en Phoenix ha sido posible gracias al patrocinador principal Thomas Carlton Rogers II, con el apoyo del Arizona Costume Institute y de Bennett y Jacquie Dorrance.

Apoyo adicional de Tran Tran, fundador, Axis Employment Services.

Apoyo en especie proporcionado por KJZZ y Kimpton Hotel Palomar Phoenix.

Todas las exposiciones de moda de Phoenix Art Museum están financiadas por The Kelly EllmanFashion Endowment Fund.

Todas las exposiciones de Phoenix Art Museum están financiadas por el Phoenix Art MuseumExhibit

La admisión es gratuita para los Miembros del Museo, los menores de 5 años y los estudiantes de los Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una tarifa reducida de admisión a la exposición durante el horario de donaciones voluntarias, los miércoles de 3 a 8 pm, posible gracias a SRP y City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/. 

Acerca de Phoenix Art Museum 
Desde 1959, Phoenix Art Museum (PhxArt) ha conectado a millones de visitantes con el arte de nuestra región y del mundo. Situado en el Corredor Central de Phoenix, PhxArt crea espacios de intercambio y pertenencia para todos los públicos a través de exposiciones dinámicas, colecciones y experiencias con el arte. Cada año, un promedio de 300,000 visitantes asisten a exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y a la colección del Museo de más de 21,000 obras de arte de Las Américas y norteamérica, asiática, europea, latinoamericana, moderna y contemporánea y de diseño de moda, junto con vibrantes exposiciones de fotografía que son posibles gracias a la histórica asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona en Tucson. PhxArt también presenta actuaciones en directo, destacados ejemplos de cine mundial, programas y talleres de educación artística, un festival de arte y música, y mucho más para la comunidad. Para más información sobre Phoenix Art Museum, visita phxart.org o llama al 602.257.1880. 

Acerca de Anna Sui 
Anna Sui es una de las diseñadoras de moda más queridas y consumadas de Nueva York, conocida por crear prendas contemporáneas originales inspiradas en espectaculares cantidades de investigación sobre estilos vintage y arcanos culturales. Sui se unió al underground cultural intensamente creativo de Nueva York en la década de 1970, forjando importantes relaciones en los mundos de la moda, la fotografía, el arte, la música y el diseño. Formó parte de una generación de diseñadores de moda que rehicieron el estilo estadounidense en los años noventa. Junto con Marc Jacobs, Isaac Mizrahi, Todd Oldham y Vivienne Tam, rechazó el estilo de vestir poderoso de los ochenta, con sus trajes corporativos y grandes hombreras, en favor de una silueta más relajada que reflejaba los valores de la cultura juvenil. 
 
Sui ha recibido numerosos premios, entre ellos el Perry Ellis Award for New Fashion Talent del CFDA (1992) y el Geoffrey Beene Lifetime Achievement Award del CFDA (2009). También es una apasionada defensora del Garment District de Nueva York. Es estadounidense de origen chino de primera generación y creció en un suburbio de Detroit.  

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PHOENIX (8 de mayo, 2024) – Este otoño, Phoenix Art Museum (PhxArt) inaugura la exposición original, que constituye la primera muestra pública completa de la obra más reciente de Gaines, Numbers and Trees: Arizona Trees 1 (Números y árboles: Árboles de Arizona 1), 2023. Curada por Olga Viso, Jefa de Curaduría de la Familia Selig del Museo, la presentación se realiza al mismo tiempo que Charles Gaines: 1992-2023, un importante compendio de la carrera del artista organizado por el ICA Miami. Ambas exposiciones destacan el uso único que hace Gaines de los sistemas de signos, el lenguaje y las imágenes superpuestas para explorar diversos temas como la raza, la clase, el cambio climático y las filosofías de la creación de significados, la percepción y el sujeto. Numbers and Trees (Arizona Series) [Números y árboles (Serie Arizona)] podrá verse del 30 de octubre de 2024 al 20 de julio de 2025 en el Cummings Great Hall del Museo, y Charles Gaines: 1992-2023, del 30 de octubre de 2024 al 9 de marzo de 2025 en la Steele Gallery.

“Es un honor para nosotros estrenar la serie completa de Charles GainesNúmeros y árboles: Árboles de Arizona 1, 2023, que creó después de pasar un tiempo en el desierto de Sonora”, dijo Jeremy Mikolajczak, Director de Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “El álamo, que es una querida especie arbórea nativa del suroeste de Estados Unidos y México, es el eje central de esta serie. Esta exposición, junto con Charles Gaines: 1992-2023, ofrece una oportunidad única para que los espectadores experimenten una encuesta crítica y oportuna de la obra de gran alcance de la carrera de Gaines, mientras que también explora su último conjunto de obras que profundiza en su enfoque estratificado para crear sistemas y estructuras en torno a un solo tema.”

Charles Gaines, figura preeminente del arte conceptual, es ampliamente conocido por convertir imágenes y documentos textuales en estructuras numéricas, notaciones musicales y otros sistemas de signos mediante rigurosos mecanismos de traducción. Desde la década de 1970, se ha inspirado en diversas formas, entre ellas la iconografía de los árboles, desde los nogales y las palmeras de California hasta las pacanas del sur. En su serie de árboles más reciente, Números y árboles: Árboles de Arizona 1, 2023, el artista se centra en el álamo de Arizona. Utilizando sus características técnicas de cuadrícula y capas, Gaines produjo ocho trípticos a gran escala que representan álamos que fueron fotografiados a lo largo del río San Pedro, a las afueras de Sierra Vista, Arizona. A continuación, los árboles se trazaron con colores específicos y una cuadrícula numerada que reflejaba la forma completa antes de superponerlos secuencialmente. El título de cada obra hace referencia a los ríos, arroyos y riachuelos de Utah y Arizona, donde los álamos crecen con más frecuencia cerca de importantes masas de agua.

“Con esta exposición de la obra más reciente de Gaines, centrada en el álamo de Arizona, invitamos al público de la región y a los visitantes a explorar la investigación en curso del artista sobre esta poderosa iconografía en un contexto local”, dijo Olga Viso, Jefa de Curaduría de la Familia Selig del Museo, que curó la exposición. “Presentada junto con una muestra más amplia de la obra de Gaines de las últimas tres décadas, Números y árboles (Serie Arizona) resalta la trayectoria de la carrera del artista, ilustrando temas y enfoques de la creación artística que sigue revisitando y perfeccionando a lo largo de su práctica.”   

Números y árboles (Serie Arizona) se complementa con la presentación de Charles Gaines: 1992-2023 en la Steele Gallery del Museo. Organizada por ICA Miami, la exposición presenta una selección de obras de series en las que Gaines ha trabajado desde 1992, cuando su práctica experimentó un giro fundamental y comenzó a sustituir imágenes indescriptibles por marcos teóricos críticos, que van desde los escritos de Franz Kafka y Frantz Fanon hasta los manifiestos de los Panteras Negras y el Movimiento Indígena Americano. Utilizando estos textos, Gaines canaliza el discurso decolonial en complejas obras formales y conceptuales.

Entre las obras de arte incluidas en el estudio se encuentra Greenhouse (Invernadero) [2003-2023], un enorme recinto escultórico de 12 x 16 pies que contiene tres árboles de acero inoxidable en el centro. Estos árboles se envuelven en humo a medida que los monitores adyacentes rastrean los patrones de temperatura históricos y en tiempo real del calentamiento global. La obra representa una emotiva meditación sobre la crisis climática mundial que ha persistido desde el siglo XVIII hasta la actualidad. La exposición también presenta la instalación escultórica Falling Rock (Roca caída) [2000-2023], en la que un trozo de granito de 18 kg cae a intervalos aleatorios, golpeando o cayendo justo por debajo de una lámina de cristal. El espectador se mantiene a la expectativa del resultado de la obra y de si el cristal se romperá (o cuándo lo hará).

Estas exposiciones demuestran simultáneamente el permanente compromiso estético de Gaines con la desmitificación de los sistemas de representación, así como sus continuas e indispensables aportaciones al campo del arte conceptual.

Fotografías de alta resolución de Charles Gaines: Números y árboles (Serie Arizona) pueden ser descargadas aquí. Imágenes de Charles Gaines: 1992-2003 pueden ser descargadas aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de la exposición
Charles Gaines: Numbers and Trees (Arizona Series) está organizada por Phoenix Art Museum y curada por Olga Viso, Jefa de Curaduría de la Familia Selig. La exposición es posible gracias a la generosidad del Men’s Arts Council, Ellen y Howard Katz, y Jane y Mal Jozoff.

Charles Gaines: 1992-2023 está organizada por el Institute of Contemporary Art, Miami, y curada por Gean Moreno, Director de Knight Foundation Art + Research Center de ICA Miami. Cuenta con el apoyo de Hauser & Wirth, Nicoll Family Fund y The Steven and Kathy Guttman Family Foundation. Funding Arts Network y el Estado de Florida, a través de la División de Arte y Cultura y el National Endowment for the Arts, prestan apoyo adicional. Gracias a Cartier, Socio Líder de ICA Miami, por su apoyo a esta exposición. La presentación de Charles Gaines: 1992-2023 en Phoenix Art Museum está coordinada por Olga Viso, Jefa de Curaduría de la Familia Selig en Phoenix Art Museum. Ha sido posible gracias a la generosidad de Men’s Arts Council, y Ellen y Howard Katz. All exhibitions at Phoenix Art Museum are underwritten by the Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, founded by The Opatrny Family Foundation with additional major support provided by Joan Cremin.

La admisión es gratuita para los Miembros del Museo, los menores de 5 años y los estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la entrada general para el público. Los visitantes también pueden disfrutar de admisión reducida a la exposición durante las horas de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 pm, posible gracias a SRP y la ciudad de Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta https://phxart.org/es/visitar/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (21 de febrero, 2024) – Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980, una gran muestra que reúne a casi 100 artistas de seis países de Europa Central y del Este, entre ellos Alemania del Este, Polonia, Checoslovaquia, Hungría, Rumanía y Yugoslavia. Organizada por el Walker Art Center, la exposición presenta obras raramente vistas y recientemente reconstruidas, que muestran cómo una generación de artistas con distintas experiencias de control estatal localmente específico adoptó la experimentación y las prácticas interdisciplinares para enfrentarse a las duras condiciones de la vida cotidiana. Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 podrá verse del 17 de abril al 15 de septiembre del 2024 en la Steele Gallery de Phoenix Art Museum. 

“Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 es una increíble oportunidad en el Suroeste de conocer el arte de una región y una época que no están representadas en la Colección del Museo de Arte de Phoenix ni se exploran a menudo en los museos de Estados Unidos”, afirma Jeremy Mikolajczak, Director y CEO Sybil Harrington de Phoenix Art Museum. A través de cada uno de los artistas representados, esperamos que esta exposición amplíe la comprensión de nuestro público sobre los retos a los que se enfrentaron los artistas en Europa Central y Oriental durante el tumultuoso periodo comprendido entre las décadas de 1960 y 1980″. Realidades Múltiples y su temática son un contundente recordatorio de las formas en que los artistas a lo largo de la historia han luchado por la libertad artística ideando modos experimentales de expresión para sobrevivir a periodos de censura y lucha, todo ello perseverando y creando algunas de las obras más llamativas y atractivas de la historia del arte.” 

Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 recurre a las artes visuales, el performance, la música y la cultura material para demostrar la innovación conceptual y formal practicada por los artistas del Bloque del Este de la época, quienes negociaban y adaptaban diariamente sus prácticas artísticas dentro de sociedades que imponían restricciones a la forma en que el arte podía producirse, circular y ser recibido por el público. La exposición está organizada en cuatro secciones temáticas. Espacios públicos y privados de control explora cómo los artistas utilizaron la fotografía documental y encubierta, las performances improvisadas y las sombrías obras conmemorativas para reflexionar sobre la regulación estatal del espacio, incluida la vigilancia del comportamiento de los artistas. Dimensiones del ser muestra cómo los artistas utilizaron su propio cuerpo como medio para explorar distintas representaciones de la autoexpresión y la subversión. Esta sección incluye ejemplos de mujeres artistas que reconsideraron radicalmente la forma femenina, fusionando el cuerpo con el paisaje o representando el cuerpo como lugar de enfermedad, trauma, placer, erotismo y sexualidad. Estar juntos: Formas alternativas de lo social explora las múltiples maneras en que los artistas construyeron comunidades y redes de intercambio para ir más allá del sistema prescrito de creación y presentación del arte dictado por el Estado. Mirando al futuro: Ciencia, tecnología y utopía aborda cómo la carrera espacial, el avance de la energía nuclear y las nuevas formas de comunicación desencadenaron importantes avances tecnológicos, todos los cuales inspiraron ideas utópicas. 

Realidades múltiples: Experimental Art in the Eastern Bloc, 1960s-1980s recurre a las artes visuales, la performance, la música y la cultura material para demostrar la innovación conceptual y formal practicada por los artistas del Bloque del Este de la época, quienes negociaban y adaptaban diariamente sus prácticas artísticas dentro de sociedades que imponían restricciones a la forma en que el arte podía producirse, circular y ser recibido por el público. La exposición está organizada en cuatro secciones temáticas. Espacios públicos y privados de control explora cómo los artistas utilizaron la fotografía documental y encubierta, las performances improvisadas y las sombrías obras conmemorativas para reflexionar sobre la regulación estatal del espacio, incluida la vigilancia del comportamiento de los artistas. Dimensiones del ser muestra cómo los artistas utilizaron su propio cuerpo como medio para explorar distintas representaciones de la autoexpresión y la subversión. Esta sección incluye ejemplos de mujeres artistas que reconsideraron radicalmente la forma femenina, fusionando el cuerpo con el paisaje o representando el cuerpo como lugar de enfermedad, trauma, placer, erotismo y sexualidad. Estar juntos: Formas alternativas de lo social explora las múltiples maneras en que los artistas construyeron comunidades y redes de intercambio para ir más allá del sistema prescrito de creación y presentación del arte dictado por el Estado. Mirando al futuro: Ciencia, tecnología y utopía aborda cómo la carrera espacial, el avance de la energía nuclear y las nuevas formas de comunicación desencadenaron importantes avances tecnológicos, todos los cuales inspiraron ideas utópicas. 

“Este amplio estudio ofrece una visión fresca e interdisciplinar de los momentos desafiantes y las formas artísticas experimentales que caracterizaron un periodo de 20 años en Europa Central y del Este”, afirma Rachel Sadvary Zebro, curadora asociada de colecciones y coordinadora de la exposición en Phoenix Art Museum. “Buscando de forma independiente nuevas prácticas artísticas bajo diversos grados de censura, vigilancia y control, los artistas de Realidades Múltiples exploran una historia compleja llena de creatividad, comunidad, autoexpresión y aventura”. 

Entre los aspectos más destacados de la exposición figuran: 

• La selección del artista húngaro Bálint Szombathy de Lenin Budapesten (Lenin en Budapest) (1972), en la que Szombathy posa con un retrato de Vladimir Lenin, el arquitecto de la Revolución Rusa. Desechada tras el desfile del Primero de Mayo, y vacía de su pesado simbolismo, la imagen de Lenin queda reducida a un accesorio en el paseo casual de Szombathy por las calles de Budapest. 

• Baubrigade der Sportstudenten de Jürgen Wittdorf, de la serie Jugend und Sport (Brigada de constructores estudiantes de deporte de la serie Juventud y deporte) (1964), comisionada por la Academia de Deportes de Leipzig. Los linograbados estuvieron colgados durante años en la escuela y se publicaron en el diario de la Organización Juvenil Comunista. Los grabados parecen representar a los hombres fuertes y heroicos del realismo socialista, el estilo artístico promovido por los soviéticos que presentaba retratos idealizados de los trabajadores y la industria, pero un homoerotismo apenas disimulado recorre las escenas. 

• Obras de la artista alemana Gabriele Stötzer, entre ellas Nora (1983). Stötzer, una de las pocas voces de la disidencia abierta en Alemania Oriental, pagó un alto precio por sus actividades cuando fue detenida durante un año en la prisión de mujeres de Hoheneck por firmar una petición en apoyo del músico exiliado Wolf Biermann. La galería clandestina de la artista en Erfurt fue clausurada en 1981 por la Stasi, la policía secreta de Alemania Oriental. 

• Una selección de fotografías de la artista checa Libuše Jarcovjáková, entre ellas Selección de la serie T-Club, Praga (década de 1980), que captan la vibrante vida nocturna del T-Club, un legendario bar clandestino LGBTQIA+ de Praga. Fotografiadas en blanco y negro con un dramático flash de cámara, estas imágenes ofrecen una visión de la vívida y alegre vida nocturna de Praga. En lugar de publicar las fotografías, la artista las regaló a sus sujetos. 

• Système Esthétique (1973) de Sherban Epuré, que centró su práctica artística en las intersecciones entre arte y ciencia, incorporando algoritmos, geometría y principios matemáticos a sus experimentaciones visuales. Sus principales puntos de referencia—teoría de la información, cibernética, estructuralismo y constructivismo—se exploraron en relación con la espiritualidad, la intuición, el pensamiento racional y las relaciones entre los seres humanos y las máquinas. 

• Monumento sangrante (1969/2023) de Gyula Konkoly, recreada especialmente para Realidades múltiples y que se expone por primera vez en Estados Unidos. La escultura ofrece una crítica mordaz y una meditación sobre el deshielo que siguió a la Revolución húngara de 1956 de la década anterior, al tiempo que reconoce la agresión de la invasión soviética de la Primavera de Praga de 1968. Obra icónica del artista húngaro, sugiere un torso sangrante y constituye un raro ejemplo de obra que se registra inmediatamente como comentario sobre la situación política de la época. 

• Revisitando a Heracles (1982/2023), de Lutz Dammbeck. Esta obra se inspira en los “collages de medios” interdisciplinarios del artista, en los que superponía pintura, objetos, sonido, imágenes en movimiento y performance para crear instalaciones muy atmosféricas que desdibujaban los límites de los acontecimientos míticos e históricos para explorar y crear nuevos significados. 

La exposición va acompañada de un catálogo ilustrado, producido por el Walker Art Center, que incluye ensayos recientemente comisionados, una mesa redonda y cronologías temáticas que no sólo reflexionan sobre la especificidad del periodo, sino que también consideran cómo las obras de arte y los temas de la exposición resonarán en el público actual. 

Fotografías de alta resolución se pueden descargar aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.  

Acerca de la exposición 
Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 es organizada por el Walker Art Center con el importante apoyo de Martha y Bruce Atwater. La investigación sobre la exposición contó con el apoyo de una beca curatorial de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La exposición está curada por Pavel S. Pyś, Curador de Artes Visuales y Estrategia de Colecciones, en el Walker Art Center. Su presentación en el Phoenix Art Museum está coordinada por Rachel Sadvary Zebro, curadora asociada de colecciones. La presentación de Realidades múltiples: Arte experimental en el Bloque del Este, décadas de 1960 a 1980 en el Phoenix Art Museum es posible gracias a la generosidad de The Opatrny Family Foundation, Joan Cremin, Men’s Arts Council, y Diana y Mark Feldman. Kimpton Hotel Palomar Phoenix y KJZZ/KBACH prestan su apoyo en especie. Todas las exposiciones de Phoenix Art Museum son financiadas por el Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por The Opatrny Family Foundation, con el importante apoyo adicional de Joan Cremin. 

La admisión es gratuita para los Miembros del Museo, los menores de 5 años y los estudiantes de los Maricopa County Community Colleges. La entrada a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una admisión reducida a la exposición durante las horas de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 pm, posible gracias a SRP y a City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte phxart.org/visit/.phxart.org/visit/. 

Acerca de Phoenix Art Museum  
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca de Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880. 

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PHOENIX (19 de septiembre, 2023) – El 14 de febrero del 2024, Phoenix Art Museum (PhxArt), en colaboración con Illusion Projects y Mattel, Inc., empresa líder mundial en juguetes y propietaria de uno de los catálogos de franquicias de entretenimiento infantil y familiar más potentes del mundo, inaugurará Barbie: Un icono de la cultura, la primera presentación de la gran exposición en Arizona.La amplia exposición examina los más de 60 años de historia de la marca Barbie y el impacto global de la muñeca en la cultura pop a través de una amplia muestra de más de 250 muñecas vintage, diseños de moda en tamaño real, entrevistas exclusivas y secciones narrativas que consideran las tendencias de estilo, las carreras y las identidades que Barbie ha encarnado y popularizado a lo largo de las décadas. La exposición se complementará con una muestra original de diseño de moda de PhxArt titulada El poder del rosa, que explora la historia, la ciencia y las asociaciones del color sinónimo de la icónica marca Barbie. Barbie: Un icono de la cultura podrá verse en Phoenix Art Museum del 14 de febrero al 7 de julio del 2024.

“Durante generaciones, Barbie ha sido una figura popular y prominente en nuestra cultura contemporánea, reflejando la evolución del género, la identidad, la belleza, el empoderamiento y el éxito. A menudo influyendo y cambiando las normas sociales de manera tangible, Barbie también ha estado en sintonía con las tendencias a lo largo de la historia de la moda”, dijo Jeremy Mikolajczak, Director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “Como una institución dedicada a la investigación, la academia y la exposición de diseño de moda y uno de los siete museos de arte en los Estados Unidos con un enfoque activo de colección, seguimos dedicados a la presentación de exposiciones que ofrecen nuevas y emocionantes exploraciones de esta increíble forma de arte, incluyendo las intersecciones de la alta costura y la cultura popular. Estamos encantados de ofrecer a nuestros visitantes una oportunidad única de examinar a Barbie en este contexto a través de Barbie: Un icono cultural“.

Creada por Illusion Projects y curada por Karan Feder en colaboración con Mattel, Barbie: Un icono de la cultura examina el impacto cultural de Barbie desde 1959 hasta nuestros días, mostrando más de 250 muñecas vintage—incluyendo a la Barbie original—de las colecciones del coleccionista privado David Porcello y Mattel. La exposición también cuenta con más de 50 objetos históricos y diseños de moda de tamaño real, entrevistas en vídeo con los diseñadores de Barbie en cinco televisores personalizados de Barbie Dreamhouse y cinco oportunidades únicas para hacerse fotos, incluyendo un Corvette rosa-espejo de Barbie de tamaño real con el que los visitantes pueden interactuar.

“Estamos encantados de anunciar la apertura de Barbie: un icono de la cultura en PhxArt”, dijo Julie Freeland, Directora Principal de Global Location Based Entertainment de Mattel. “Barbie es una marca que ha evolucionado a través de generaciones, ¡y no podemos esperar a que fans de todas las edades hagan un viaje en el tiempo con nosotros!”.

Los visitantes de la exposición podrán seguir la evolución de Barbie desde un juguete infantil hasta un icono mundial a través de seis secciones distintas. En la primera sección se narra la historia del origen de Barbie y se presentan los 22 conjuntos originales, mientras que en las siguientes se analiza la influencia de la Era Espacial, la creación de Christie, la primera muñeca negra, la llegada de Ken y la creación de la Barbie Dreamhouse™. Los visitantes también podrán ver a Barbie con la moda icónica de los años setenta, como el estilo groovy, la ropa de playa y los diseños de temática disco, mientras que las secciones dedicadas a los años ochenta y noventa presentan una selección de diversas muñecas Barbie que representan una gama de etnias, tipos de cuerpo y carreras. La exposición culmina en la década de 2000, destacando la continua diversificación de personajes dentro del universo Barbie y conectándolos con tendencias de moda, perspectivas e identidades contemporáneas.

“Barbie siempre ha estado asociada a la moda innovadora, vistiendo trajes de pantalón y vestidos, patines y ropa de deporte, siguiendo las tendencias de la época”, afirma Helen Jean, Curadora de Diseño de Moda Jacquie Dorrance de PhxArt. “Sin embargo, en la última década hemos visto cómo Barbie ha pasado de ser un espejo de las tendencias a ser una creadora de tendencias, que ya no se limita a llevar las siluetas y los estilos que más se promocionan entre las niñas y las mujeres, sino que dicta lo que son o pueden ser esas modas. Ha inspirado colecciones de moda de pasarela en los últimos 10 años. Barbie: un icono de la cultura ofrece una oportunidad apasionante de explorar este cambio de paradigma”.

La presentación de Barbie: un icono cultural en PhxArt se complementará con una exposición seleccionada exclusivamente de la amplia colección de diseño de moda del Museo. Del 14 de febrero al 7 de julio del 2024, El poder del rosa, celebra la compleja historia del color rosa, típicamente asociado a la expresión femenina. La exposición recorre la historia del color y la evolución de su uso en la moda desde sus orígenes en la Francia del siglo XVII, donde lo llevaban tanto hombres como mujeres como símbolo de estatus, lujo y poder, hasta la Norteamérica de los años cuarenta, cuando el marketing de masas empezó a clasificar el color en función del sexo, asignando el rosa a las niñas y el azul a los niños. A través de más de 10 prendas y conjuntos, El poder del color rosa fomenta el examen reflexivo del color y su influencia en grandes diseñadores como Gianfranco Ferré, Christian Dior, Valentino, Yves Saint Laurent, etc.

“Nuestra presentación de Barbie: un icono de la cultura nos brinda la oportunidad de recurrir a nuestra increíble colección de diseño de moda para explorar el color favorito de Barbie”, declaró Jean, curadora de El Poder del color rosa. “Al igual que Barbie, el color rosa suscita conversaciones y, al igual que Barbie, el rosa está siendo el centro de atención. Estamos entusiasmados por reflexionar sobre la historia, la política y la ciencia que hay detrás de este color tan popular y polarizante.”

Fotografía de alta resolución para Barbie: Un icono de la cultura puede descargarse aquí. Las imágenes de El poder de color rosa pueden descargarse aquí. Para solicitar entrevistas, póngase en contacto con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de la exposiciones
Barbie®: Un icono de la cultura fue creada por Illusion Projects y curada por la historiadora del vestuario, Karan Feder, en colaboración con Mattel. La presentación de la exposición en Phoenix Art Museum es coordinada por Helen Jean, Curadora de Diseño de Modas Jacquie Dorrance Curator of Fashion Design.

Barbie®: A Cultural Icon es posible gracias a la generosidad de The Opatrny Family Foundation and Men’s Arts Council.

El poder del color rosa es organizado por Phoenix Art Museum y curado por Helen Jean, Curadora de Diseño de Moda Jacquie Dorrance de Phoenix Art Museum. El poder del color rosa es posible a través de la generosidad de Arizona Costume Institute y Kelly Ellman Fashion Design Endowment Fund. 

Todas las exposiciones en Phoenix Art Museum son financiadas con el apoyo del Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por Opatrny Family Foundation con un importante apoyo adicional proporcionado por Joan Cremin.

La admisión es gratuita para Miembros del Museo; jóvenes de cinco años o menos; y estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la entrada general para el público. Durante el horario de donaciones voluntarias de los miércoles de 3 a 9 pm, hecho posible gracias a SRP y a City of Phoenix, la admisión a las exposiciones de compromiso especial se ofrece a un precio reducido. Para consultar el desglose completo de precios y horarios de admisión general, visita phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de Mattel, Inc.
Mattel es una empresa líder mundial en juguetes y propietaria de uno de los catálogos de franquicias de entretenimiento infantil y familiar más sólidos del mundo. Creamos productos y experiencias innovadoras que inspiran, entretienen y desarrollan a los niños a través del juego. Atraemos a los consumidores a través de nuestra cartera de marcas icónicas, entre las que se incluyen Barbie®, Hot Wheels®, Fisher-Price®, American Girl®, Thomas & Friends®, UNO®, Masters of the Universe®, Monster High® y MEGA®, así como otras propiedades intelectuales populares de las que somos propietarios o licenciatarios en asociación con empresas de entretenimiento globales. Nuestra cartera de productos incluye contenidos de cine y televisión, juegos, música y eventos en directo. Operamos en 35 ubicaciones y nuestros productos están disponibles en más de 150 países en colaboración con las principales empresas de comercio minorista y electrónico del mundo. Desde su fundación en 1945, Mattel se enorgullece de ser un socio de confianza que ayuda a los niños a explorar las maravillas de la infancia y a desarrollar todo su potencial. Visítanos en línea en mattel.com.

About Illusion Projects Inc.
Illusion Projects es una empresa creativa de diseño y producción. Trabajando con líderes de la industria como Meow Wolf, Spiegelworld, Caesars Entertainment y Cirque du Soleil, se especializan en la producción, diseño y fabricación de experiencias emocionantes y entretenimiento teatral. Como empresa creativa, creen en la combinación de intriga, espectáculo, educación y fascinación para ofrecer recuerdos duraderos y aventuras increíbles.

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PHOENIX (8 de septiembre, 2023) – Este otoño, el Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta Amalia Mesa-Bains: Arqueología de la memoria, la primera gran retrospectiva que explora la obra y la carrera históricamente significativas de la aclamada artista multimedia, académica y activista Amalia Mesa-Bains, que ha dedicado su práctica y su labor de defensa a recalcar el valor y la legitimidad del arte chicanx dentro del mundo del arte contemporáneo. Calificada de “largamente esperda” por ARTnews, la exposición organizada por el Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA) abarca más de cuatro décadas y reúne cerca de 60 obras en diversas técnicas, incluyendo las icónicas instalaciones en altares de la artista y sus menos estudiados libros hechos a mano y grabados en palimpsesto, típicas de su característica estética arqueológica de superposición y excavación. Amalia Mesa-Bains: Arqueología de la memoria estará en exhibición del 5 de noviembre del 2023 al 25 de febrero del 2024 en la Steele Gallery de Phoenix Art Museum.

“Phoenix Art Museum se enorgullece en presentar Amalia Mesa-Bains: Arqueología de la memoria al público de Arizona”, ha comentó Jeremy Mikolajczak, Director de Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “Durante los últimos 40 años, Mesa-Bains ha desempeñado un papel fundamental en la elevación del arte chicanx y en la visibilización de las experiencias de las mujeres mexico-americanas y otras mujeres marginadas cuyas historias a menudo son silenciadas. Con esta retrospectiva, Mesa-Bains finalmente recibe el reconocimiento que merece, y estamos muy contentos de traer su importante obra a nuestra comunidad local como una prueba más del cómo las mujeres artistas Latinx han expandido —y continúan impactando—las formas de arte y los modos de expresión contemporáneos, un tema que exploramos a lo largo de nuestra temporada de exposiciones 2023-2024.”

Nacida en 1943 en Santa Clara, California, de padres inmigrantes, Mesa-Bains es una artista, activista, educadora y académica, que ha explorado las experiencias, prácticas espirituales e historias de las mujeres mexico-americanas. A mediados de la década de 1970, empezó a innovar con formas sagradas como los altares, las ofrendas y los descansos, que tienen sus raíces en las tradiciones indígenas mexicanas de honrar a los antepasados familiares. Estas obras—que ahora se consideran su firma de instalaciones de altares—también honran la memoria de las predecesoras culturales de la artista, como Sor Juana Inés de la Cruz, Santa Teresa de Ávila, Frida Kahlo y otras mujeres cuyas vidas desafiaron las normas y expectativas sociales de su época. Con el tiempo, Mesa-Bains amplió su enfoque de la instalación para explorar entornos más públicos, como laboratorios, bibliotecas, jardines y paisajes, que su obra sigue considerando en la actualidad.

La obra colectiva de la artista ofrece un examen arqueológico de la política del espacio, destacando las complejidades de la vida doméstica de las mujeres inmigrantes y mexicano-americanas a lo largo de diferentes periodos históricos. Mesa-Bains explora también las múltiples formas en que las narrativas coloniales borran las identidades mexicana, afroamericana e indígena de la cultura y los medios de comunicación estadounidenses. A través de su práctica, la artista ha abierto un camino para el arte feminista chicanx, llevándolo a un público global más amplio y forjando un lugar para él más extenso dentro de la historia del arte contemporáneo estadounidense.

“Estamos muy contentos de destacar la importante obra de Amalia Mesa-Bains y compartir con el público de la región no sólo su gran impacto en el campo del arte contemporáneo estadounidense, sino también su conexión personal con el área metropolitana de Phoenix”, dijo Christian Ramírez, curadora adjunta de iniciativas de arte contemporáneo y comunitario. “En 1990, el Movimiento Artístico del Río Salado, un espacio artístico sin ánimo de lucro dirigido por artistas que promovía la obra de artistas de Arizona y mexicano-americanos/chicanos, presentó una exposición individual de la obra de Mesa-Bains titulada (Re)(Un)(Dis)covering America: A Counter Quincentenary Celebration. Ahora, décadas después, estamos encantados de volver a mostrar la obra de Amalia en el Valle, esta vez en Phoenix Art Museum y a través de una importante exploración de la totalidad de su carrera y de su perdurable impacto en el arte chicanx y feminista”.

Amalia Mesa-Bains: Arqueologia de la memoria se acompaña de la primera gran monografía sobre la obra del artista. La publicación, editada por las comisarias María Esther Fernández y Laura E. Pérez, abarca por primera vez las instalaciones creadas por la artista desde la década de 1970 hasta la actualidad e incluye un ensayo y una entrevista con Mesa-Bains. El libro también reúne a estudiosos de primer nivel, como Amalia Mesa-Bains, María Esther Fernández, Laura E. Pérez, Lowery Stokes Sims, Jennifer A. González, Adriana Zavala y Tomás Ybarra-Frausto, que exploran el ecofeminismo, las historias de inmigrantes, la espiritualidad y las políticas de supresión que fundamentan la práctica interdisciplinar de Mesa-Bains. La monografía está coeditada por el Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA) y University of California Press.

Las fotografías de alta resolución pueden ser descargadas aquí. To request interviews, contact the Communications Office of Phoenix Art Museum at 602.257.2117 or samantha.santos@phxart.org.

Acerca de la exposición

Amalia Mesa-Bains: Archaeology of Memory es organizada por el Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA). La exposición está co-curada por María Esther Fernández, Directora Artística Inaugural del Cheech Marin Center for Chicano Art & Culture de Riverside Art Museum, y Laura E. Pérez, PhD, Profesora y Presidenta del Latinx Research Center de University of California, Berkeley. Ha sido posible gracias al generoso apoyo de la Henry Luce Foundation y la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La presentación de la exposición en Phoenix Art Museum está coordinada por Christian Ramírez, curadora adjunta de iniciativas de arte contemporáneo y comunitario del museo. Cuenta con el apoyo adicional del socio corporativo, Kimpton Hotel Palomar. Todas las exposiciones en Phoenix Art Museum son financiadas con el apoyo del Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por Opatrny Family Foundation con un importante apoyo adicional proporcionado por Joan Cremin.

La admisión es gratuita para los Miembros del museo, los menores de 5 años y los estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La entrada a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una admisión reducida a la exposición durante las horas de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 pm, posible gracias a SRP y a City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (8 de Septiembre del 2022) – Este otoño, Phoenix Art Museum presentaráMr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo , la primera exposición individual en los Estados Unidos en más de cinco años que muestra exclusivamente el trabajo de Mr., uno de los artistas japoneses más populares de la actualidad. Abarcando desde finales de la década de 1990 hasta 2022, la exposición presenta casi 50 pinturas, dibujos, esculturas y videos, incluyendo una adquisición reciente del Museo y un nuevo lienzo de 30 pies de largo que disfrutará de su estreno mundial en Phoenix Art Museum. Estas obras vívidas y a menudo caóticas, de las cuales una gran selección fue creada en medio de la pandemia de COVID-19, se inspiran en el anime, el manga y los mundos de fantasía virtual para examinar temas de deseo, tragedia y angustia psicológica. Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo estará en exhibición en la Steele Gallery en Phoenix Art Museum desde el 6 de noviembre del 2022 hasta el 12 de marzo del 2023, luego de una vista previa del Primer viernes y una celebración comunitaria el 4 de noviembre del 2022 de 6 a 9 p.m. La exposición es posible gracias a la generosidad de un donante anónimo, a Ronald y Valery Harrar, Men’s Arts Council, Ms. Isabelle Georgeaux, Kevie Yang, The Japan Foundation–Los Angeles, y el Museum’s Circles of Support y los miembros del museo.

“Durante este momento particular de la historia, marcado por turbulentos acontecimientos actuales a nivel nacional e internacional que están remodelando las formas en que interactuamos entre nosotros y cómo reflexionamos sobre nuestras respectivas sociedades, Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo brinda información sobre la mente de un artista que usa su práctica para responder a tragedias globales mientras explora sus propias ansiedades, frustraciones y angustias”, dijo Jeremy Mikolajczak, director de Sybil Harrington y CEO del Phoenix Art Museum. “Estamos emocionados de presentar este convincente cuerpo de trabajo—un recordatorio del poder del arte para ayudarnos a explorar las emociones complejas que afectan a las personas de todas las culturas— mientras continuamos con la misión del Museo de crear puntos de conexión y unir a personas de diferentes orígenes a través de diversas formas de expresión artística.”

Un miembro autodenominado de la subcultura otaku—caracterizada por intereses obsesivos en el anime, el manga, los videojuegos y otras formas de la cultura popular japonesa—Mr. crea pinturas, esculturas, videos e instalaciones que exploran sus fantasías personales y representan una reflexión más amplia sobre la soledad, el miedo, el deseo y el trauma. Inspirado en el manga (un género de arte japonés que incluye cómics y novelas gráficas) y el anime (derivado del término inglés “animation” y utilizado para dibujos animados en Japón), las obras del artista presentan personajes de estilo kawaii (o “cute“) con amplios ojos, cabello colorido y rostros redondos e infantiles que pretenden evocar sentimientos de moe (una profunda adoración o enamoramiento por las figuras ficticias). Estos temas caricaturescos a menudo se contraponen a fondos similares a grafitis, que hacen eco de la traumática pérdida de vidas en Japón durante la Segunda Guerra Mundial y el desastre nuclear de Fukushima Daiichi.

“Mr. está más estrechamente asociado con el Superflat, el movimiento de arte posmoderno fundado por el artista Takashi Murakami, con quien el Mr. trabajó durante varios años antes de dedicarse a su práctica individual”, dijo Gilbert Vicario, curador de arte moderno y contemporáneo en Phoenix Art Museum. “La obra Neo-pop de Mr., sin embargo, desciende de un marco histórico-artístico aún más amplio, con influencias de los grabados ukiyo-e del siglo XIX, el arte Pop y el Expresionismo Abstracto. Mr. combina estas influencias con elementos de la cultura popular japonesa y referencias que ha obtenido de Internet, presentándolas en las artes para examinar las costumbres de la sociedad japonesa y una comunidad global obsesionada con las redes sociales”.

Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo  es la primera exhibición en los Estados Unidos dedicada exclusivamente al trabajo del artista desde la exhibición Live On: Mr.’s Japanese Neo-pop del 2014 en el Seattle Art Museum. Organizado por el Phoenix Art Museum, Puedes escuchar la canción de este pueblo invita a los visitantes a explorar el vívido e imaginado universo de Mr.. La exposición muestra cerca de 50 obras creadas en las últimas dos décadas, iluminando la evolución estilística del artista. Las obras más antiguas de principios de la década del 2000 a mediados de la del 2010 presentan personajes de colores brillantes con una inocencia de ojos saltones, mientras que las pinturas y dibujos del 2018 en adelante marcan un cambio dramático en el tono y la composición. Varias obras fechadas en 2021, creadas durante el apogeo de la pandemia de COVID-19, representan personajes solitarios de estilo kawaii en blanco y negro. Desprovistas de las expresiones ligeras y alegres características de la obra más grande del artista, estas figuras tal vez reflejen la soledad, el aislamiento, la ira y la confusión que sintieron millones de personas en todo el mundo mientras se resguardaban en su lugar durante meses en un intento de contener la propagación del nuevo coronavirus.

Sin embargo, el único trabajo de video de la exposición demuestra que las motivaciones detrás de la obra de arte del Mr. se han mantenido igual durante mucho tiempo, aunque su estética visual ha cambiado con el tiempo. Creado en 1998, el video de producción propia presenta al artista moviéndose a través de varias poses con una espada samurái y fue creado después de una ruptura, recordando a los espectadores que el Mr. siempre ha canalizado sentimientos de angustia y ansiedad, tanto personales—como colectivos—en su obra de arte.

Acerca de la exposición
Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo estará en exhibición desde el 6 de noviembre del 2022 hasta el 12 de marzo del 2023 en la Steele Gallery en el Phoenix Art Museum. Esta exposición es organizada por el Phoenix Art Museum. Es hecha posible gracias a la generosidad de un donante anónimo, a Ronald and Valery Harrar, Men’s Arts Council, Ms. Isabelle Georgeaux, Kevie Yang, The Japan Foundation-Los Angeles, y el Museum’s Circles of Support y a los miembros del Museo. Para obtener más detalles sobre la exposición, haga clic aquí. 

La admisión es gratuita para los miembros del museo; veteranos, militares en servicio activo y sus familias inmediatas; y niños de menores de 5 años. La admisión a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Durante los tiempos de donación voluntaria, la exhibición cuesta $5 para el público en general. Los horarios de donaciones voluntarias incluyen los miércoles de 3 a 9 p. m., hecho posible por SRP y financiado en parte gracias a la generosidad de Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts, y el Primer viernes de cada mes de 3 a 9 p. m. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte phxart.org/visit/.

Fotografía de alta resolución se puede descargar aquí. Para solicitar entrevistas, comuníquese con la Oficina de Comunicaciones del Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o samantha.santos@phxart.org.

Programación relacionada

Mr. Celebracion comunitaria: Primer viernes
4 de noviembre del 2022 | 6 – 9 pm
El público del Valle está invitado a asistir a la celebración inaugural del Primer viernes de Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo el 4 de noviembre de 2022 de 6 a 9 p. m. La velada contará con la entrada gratuita al Museo, incluido el acceso a Puedes escuchar la canción de este pueblo, vendedores de cominda, música en vivo y programación de participación artística. Los detalles se publicarán próximamente y se compartirán en phxart.org y en los canales de redes sociales del Museo. La celebración de Primer viernes de Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo es patrocinada por el Men’s Arts Council.

El Men’s Arts Council (MAC) de Phoenix Art Museum, fundada en enero de 1967, es una organizacion sin lucro 501(c)3 que apoya los programas y actividades del Museo a través de eventos únicos como el Copperstate Overland. Los esfuerzos del Men’s Arts Council permiten que la organización haga contribuciones anuales al presupuesto operativo del Phoenix Art Museum y patrocine exhibiciones financieramente. Para más información visite mensartscouncil.com.

Exposiciones relacionadas

Para proveer context historico a Mr.: Puedes escuchar la cancion de este pueblo, Phoenix Art Museum presentará una excelente selección de arte popular japonés, grabados y más a partir de diciembre del 2023.

Demónico, divino, humano: El teatro Noh de Japón.
Abriendo el 3 de diciembre del 2022
Una forma de teatro clásico japonés, Noh combina música, representación religiosa, danza y drama. Esta exposición muestra varias máscaras de Noh y el trabajo de artistas de grabado que transmitieron escenas de personajes divinos, demoníacos y animales extraídos de las obras de Noh. Presentado al mismo tiempo que Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo, Demónico, divino, humano permite a los visitantes establecer conexiones entre el artista contemporáneo y los creadores de máscaras y escenas de Noh. En sus universos imaginados, los personajes de Mr. se inspiran en el anime, el manga y otros elementos de la cultura japonesa y representan una reflexión más amplia sobre la soledad, la ansiedad social y el miedo. En el teatro Noh, los escritores se inspiraron en el folclore, los cuentos históricos y las leyendas para crear personajes inspirados en humanos, seres espirituales y animales. Luego, estos personajes cobraron vida a través de máscaras, disfraces y bailes. Para obtener información sobre patrocinios, visite phxart.org.

Belleza y función: arte popular japonés de la colección Mayro-Stelitz
Abriendo el 3 de diciembre del 2022
En el Japón de la década de 1920, filósofos y artesanos crearon el concepto de mingei, o arte popular, para desafiar la estrecha definición de arte y realzar la belleza de los objetos cotidianos creados por la gente común. En esta exposición, varios objetos cotidianos tradicionales de Japón están a la vista del público por primera vez, incluidos letreros pictóricos de tiendas, abrigos de bombero, fundas de futones, cascos de samurái y utensilios de cerámica y metal que presentan motivos populares y diseños simbólicos. Presentado al mismo tiempo que Mr.: Puedes escuchar la canción de este pueblo, Belleza y función permite a los visitantes descubrir cómo las obras de Mr. y el arte popular histórico japonés desafían las definiciones tradicionales de las bellas artes y reflejan las imágenes populares de la época. en que fueron creados. Para obtener información sobre patrocinios, visite phxart.org.

Esmaltes exquisitos: Regalos de cloisonné de Waynor y Laurie Rogers
Abriendo el 3 de diciembre del 2022
Los artistas comenzaron a crear cloisonné hace siglos en Europa, y desde allí, las técnicas se extendieron por todo el Medio Oriente hasta China y Japón. Utilizando alambres finos y pasta de vidrio, los artistas del cloisonné crearon patrones de superficie ricamente coloreados en una variedad de objetos. Esta exposición muestra ejemplos significativos de cloisonné japonés del siglo XIX, cuando las técnicas de esmalte cloisonné alcanzaron su punto máximo en la isla y las mercancías se convirtieron en una exportación exitosa. Junto con Mr: Puedes escuchar la canción de este pueblo, Esmaltes exquisitos ilustra cómo los artistas japoneses han combinado durante mucho tiempo influencias culturales externas con formas de arte tradicionales para crear nuevos estilos arraigados en la historia, pero con una perspectiva moderna. Para obtener información sobre patrocinios, visite phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el corredor central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americanas del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Center for Creative Photography, University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visitephxart.org, o llame al 602.257.1880.

About Mr.
Mr. (n. 1969, Cupa, Japón, vive y trabaja en Saitama, Japón) aborda el lenguaje visual del anime y el manga como un medio para examinar la cultura japonesa, fusionando formas altas y bajas de expresión contemporánea. Al igual que sus compañeros artistas de Superflat, como Takashi Murakami, Mr. utiliza otaku, la subcultura japonesa “cute” que está marcada por una obsesión con la adolescencia, el manga, el anime y los videojuegos. Mr. se graduó en 1996 del Departamento de Bellas Artes de la Sokei Art School in Tokyo. Se han organizado exposiciones individuales de su obra en el HOW Art Museum, Shanghái, China (2021); Musée Guimet, París, Francia (2019); Seattle Art Museum, Seattle, WA (2014); y Musée d’Art Contemporain de Lyon, Lyon, Francia (2006), entre otros. Las exposiciones colectivas seleccionadas que presentan su obra incluye MURAKAMI VS MURAKAMI, Tai Kwun Contemporary, Hong Kong (2019); Bishojo: Monsters, Manga y Murakami, Musée en Herbe, París, Francia (2019); Islands, Constellations & Galapagos, Yokohama Triennale, Yokohama, Japón (2017). Su trabajo se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, incluyendo el Philadelphia Museum of Art, Seattle Art Museum, y el Daegu Art Museum en Korea del Sur.

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Para una lista completa de las exhibiciones presentadas actualmente en el Phoenix Art Museum, visite phxart.org/art/exhibitions/.

ABIERTO ACTUALMENTE
Navegando el Desierto
Hasta el 18 de septiembre, 2022
Navegando el Desierto, estudia las relaciones entre transportación, industria y paisajes e identidad en nuestra región desértica. Mostrando instalaciones variadas a gran escala, impresiones, esculturas y más, esta gran exhibición destaca la influencia de lowrider y los autos personalizados de artistas contemporáneos trabajando en el Suroeste en la actualidad, incluyendo Cara Romero, Margarita Cabrera, Justin, Liz Cohen, y Douglas Miles, quien examina los temas de masculinidad y feminidad, migración y movilidad, identidad queer y más.

Navegando el Desierto es organizado por el Phoenix Art Museum. Es hecho posible gracias a la generosidad de la Oficina de Turismo de Arizona y el Men’s Arts Council, con apoyo adicional del Círculo de Apoyo del Museo y los Miembros del Museo.

EVENTOS DESTACADOS
FASHFILMFETE™ Fashion Film Festival
(Festival Cinematográfico de Modas)
30 de abril | 10 am – 10 pm Pase para Festival: $100 para Miembros | $125 para público en general Boletos para Cortometrajes: $25 para Miembros | $30 público en general FASHFILMFETE™ (FFF) presentará una selección curada de filmes populares, independientes, experimentales y documentales para mostrar la importancia de la moda en el cine. El evento de todo el día presentará 21 filmes de cinematógrafos independientes, incluyendo clásicos culturales de Hollywood.
Mahogany (1975), estelarizada por la emblemática Diana Ross. FFF juntará una comunidad global de la moda y los aficionados al cine para explorar el estilo en el cinema y su influencia en la cultura popular, diseño de modas, arte contemporáneo y normas de belleza. El evento incluirá también un panel de discusión y una ceremonia de premios para los titulares de pases del festival y una recepción VIP para quien titulares de pase VIP. Boletos individuales para cine y festival están disponibles aquí. Para ver el calendario completo para el cine aquí.

Primer Viernes: Navegando el Desierto
6 de mayo | 3 – 9pm
Donación Voluntaria – Admisión General BOLETOS PARA EXHIBITION ESPECIAL: $5 para adultos |GRATIS para Miembros del Museo y Veteranos/Miembros Militares Activos*
El 6 de mayo, Phoenix Art Museum presentará el Primer-Viernes con tema Navegando el Desierto, con varios programadores en persona, incluyendo:
• Una exposición de lowriders estacionados afuera del Museo
• Una presentación por Sam Frésquez (@samfresquez)
• Aerografía en vivo por Kevin Aviles (@kevinavilespena)
• Una instalación de arte por Antonio Salazar (@santosincara)
• Un taller interactivo con Joshua Castañeda (@castanedajoshua)
• Música en vivo por DJ AwDre (@aw.dre), DJ Cervantes (@crvnt3sphx), y Las Calakas (@lascalakas)

Los visitantes También disfrutaran una selección de vendedores de comida y un bar de efectivo.

Admisión gratuita a Navegando el Desierto con una donación el Primer Viernes
PhxArt está orgulloso de colaborar con The Justa Center para el Primer Viernes en mayo 2022. El 6 de mayo, todos los visitantes que asistan a la noche con tema de Navegando el Desierto y donen algún artículo para ayudar a servir a el numero en aumento de personas sin hogar en Phoenix, recibirá una admisión complementaria a la más nueva gran exhibición. Los artículos para donar incluyen Bloqueador solar de SPF 50+ de tamaño normal y comidas enlatadas, incluyendo frijoles, carne, vegetales y frutas. Los visitantes deberán traer sus donaciones al museo en la noche del Primer Viernes para recibir la entrada complementaria a Navegando el Desierto.

Primer Viernes es apoyado en parte gracias a la generosidad de the Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts.

El Programa de Acceso para Militares en el Phoenix Art Museum (MAP@PAM) es hecho posible, gracias a la generosidad de Dr. Hong and Doris Ong, Nancy Hanley Eriksson, y Shamrock Foods Foundation.

Hazlo! (Make It!) Esbozando en el Jardin con la Artista Jessica Palomo
11 de mayo | 4 – 7 pm
Gratis para Miembros y el público en general
Para este taller de ¡Hazlo!, los invitados van a explorar y encontrar inspiración en las texturas, formas y técnicas de recorte de los dibujos de grafito de Jessica Palomo Strelitzia presentado en presentados para crear su propio dibujo natural orgánico para llevárselo a casa. Make It! Esta abierto para el público durante los Miércoles de Paga-lo-que-quieras. Los boletos están disponibles aquí.

¡Hazlo! Ha sido possible en parte por Carolyn Dunkin Schulte Educational Endowment Fund, The Discount Tire Endowment for Children’s Art Programs, y William Randolph Hearst Endowment Fund for Educational Programs.

Bailables —Torrentes y Cascadas de Pasado y Futuro por los bailarines del Instituto Metropolitan Arts
14 de mayo | Medio Día y 1pm
Gratis para miembros y está incluido en la admisión general.
Arte y movimiento se unen en este bailable en vivo, inspirado por la Cascada de la Montana turbulenta de Pat Steir y creada por Metro Arts Dancers, bajo la dirección de Nicole L. Olson, del Instituto Metropolitano de Arte. Boletos disponibles aquí.

Esta presentación es financiada parcialmente gracias a la generosidad de the Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts.

Pop-Up, Presentaciones en la galería por la compañía de baile Movement Source Dance Company
25 de mayo | 6:30 pm y 7pm
Gratis para los Miembros y para el público en general
Visitantes de PhxArt disfrutaran de presentaciones en vivo por la compañía de baile Movement Source en las galerías. Fundado en 1988, Movement Source es una empresa sin fines de lucro, de técnicas de baile modernas múltiples, quienes su misión es expandir la audiencia por el baile en Arizona, creando presentaciones de baile accesibles, programas de educación y eventos. Estos bailables están abiertos al público durante los miércoles de paga-lo-que-desees. Boletos disponibles aquí.

Esta presentación es financiada en parte gracias a la generosidad de the Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts.

EVENTOS ADICIONALES DEL MES DE MAYO 2022
Cuentos en el Jardín
4 de mayo | 10:30 am
Gratis para los Miembros | Incluido en la admisión para el público en general.
Capacidad limitada. Se requiere registro previo.
Diseñado para nuestros visitantes más pequeños (edad de 0 a 5) y sus padres o cuidadores. Cuentos en el Jardín en la Dorrance Sculpture Garden es una oportunidad maravillosa para compartir la alegría de la literatura temprana, juegos inspirados en el arte y aprender practicando con familia y amigos. Los visitantes deberán traer sus propias colchas. Las series de Cuentos en el Jardín serán presentadas el primer miércoles de cada mes. Boletos disponibles para reservación aquí.

Cuentos en el Jardín ha sido possible gracias a la generosidad de the Angela and Leonard Singer Endowment for the Performing Arts, The Discount Tire Endowment for Children’s Art Programs, y William Randolph Hearst Endowment Fund for Educational Programs.

Objeto del Mes: Caftan por Candy Wrappers
El 5, 7, 19, 26 de mayo| 11:30 am
Gratis para los Miembros | Incluido con la admisión general
Enigmáticos vestidos de papel de los años 60s disfrutaron solamente de un corto periodo de tiempo, pero más que una moda, estas prendas de vestir brillantes, coloridas fueron un campo de pruebas y herramientas de publicidad para difundir las novedades en papel y tecnología de material desechable. Únete a la profesora del museo Lisa Corridan para aprender más sobre prendas de vestir de la era y como ellos continúan informando la moda de hoy. Habrá más información disponible en phxart.org.

Sesiones Virtuales Semanales de Atención Plena
El 5, 12, 19, 26 de mayo | 11 am
Gratis para Miembros |$5 sugerencia de donación para el público en general.
Estudios científicos muestran que el arte de atención plena puede aliviar la ansiedad, depresión, dolor y estrés y cambiar la manera en que sentimos, pensamos, trabajamos y jugamos abriendo nuevos caminos en el cerebro. Presentado en colaboración con Hospice of the Valley, esta sesión gratuita de 30 minutos, en casa de atención plena promueve vivir ene l presente. Esta sesión es ofrecida en vivo vía Zoom, una plataforma de videoconferencia. Para más información haga clic aquí.

TIEMPOS DE ENTRADA GRATIS
Primer Viernes
6 de mayo | 3 – 9 pm
Donación voluntaria – admisión general BOLETOS DE EXHIBICION ESPECIAL: $5 para adultos | GRATIS para Miembros del Museo y Militares activos/veteranos
Cada Primer Viernes de 3 – 9 pm, Phoenix Art Museum ofrece donación voluntaria para la admisión general y tarifas reducidas para ver las exhibiciones especiales.

El Acceso a Militares del Phoenix Art Museum (MAP@PAM) ha sido posible gracias a la generosidad de Dr. Hong and Doris Ong, Nancy Hanley Eriksson, y Shamrock Foods Foundation.

Miércoles de paga-Lo-Que-Desees
Cada miércoles | 3 – 9 pm
Donación voluntaria – admisión general BOLETOS PARA EXHIBICION ESPECIAL: $5 para Adultos |GRATIS para Miembros del Museo y Militares activos/veteranos
De 3 – 9 pm cada miércoles, el Museo ofrece donación voluntaria para la admisión general y tarifas reducidas para ver las exhibiciones especiales. Miércoles de paga-Lo-Que-Desees ha sido posible por SRPy apoyado en parte por el Angela and Leonard Singer Endowment for Performing Arts, con apoyo adicional del Círculo de Apoyo del Musepo y Miembros del Museo.

*El Programa de Acceso a Militares en el Phoenix Art Museum (MAP@PAM) ha sido posible gracias a la generosidad de Dr. Hong and Doris Ong, Nancy Hanley Eriksson y Shamrock Foods Foundation.

ESCUELA VIRTUAL Y TOURS PARA ADULTOS
En respuesta a la pandemia de COVID-19 y como los tours en persona para las escuelas continúan suspendidos hasta nuevo aviso, el Phoenix Art Museum ahora ofrece visitas PhxArt virtuales en vivo para aulas escolares. El Museo también ofrece Presentaciones PhxArt virtuales para adultos para atraer oportunidades de interés en el arte a la comunidad.

Visitas PhxArt Virtuales para Aulas
Dirigidas por Docentes del Museo, el corporativo de educadores voluntarios de la institución, ofrece las Visitas PhxArt Virtuales para Aulas escolares, captando a los estudiantes con variados temas relacionados con el arte que complementan el currículo de la clase. Esta presentación virtual de arte puede ser presentada en diversas plataformas de video por una cuota de $25 por presentación, contamos con una tarifa reducida o gratuita de Visita PhxArt Virtual disponible para escuelas Title-1. Para más información, haga clic aquí.

Presentaciones de Visitas PhxArt Virtuales para Adultos
Las presentaciones PhxArt Virtuales para Adultos están disponibles para ambos, instituciones sirviendo a la comunidad y grupos privados de 10 adultos o más. Dirigidas por Docentes del Museo, estas presentaciones en vivo basadas en imágenes exploran temas variados relacionados con la colección del museo de más de 20,000 obras de arte de todo el mundo, creando oportunidades significativas para captar a la audiencia y promover la interacción con compañeros. Para más información, haga clic aquí.

PHXARTISTAS DESTACADOS
Presentado por Phoenix Art Museum, PhxArtista Destacado en una serie mensual que explora lo que inspira y motiva a los creativos del Valle, mientras aprovechan el alcance del museo en su comunidad para apoyar y expandir concientización de artistas trabajadores. Cada mes, el Museo destaca a un artista diferente trabajando en Arizona, publicando preguntas y respuestas (Q&A) con el artista e imágenes de su trabajo en las plataformas de Instagram del Museo y de Facebook y en el blog bilingüe del Museo. También se destaca al artista en un correo electrónico mensual que se manda a los Miembros del Museo, al Circulo donador de apoyo y a la lista de subscriptores de más de 65,000 seguidores. Para más información de la serie, haga clic aquí . Para ver el artista destacado reciente en Hugo Medina y Daniel Mariotti, haga clic aquí.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visite phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (marzo 11, 2022) – El museo Phoenix Art Museum estrenará una nueva exposición el 24 de abril, 2022 que estudia las relaciones entre transporte, paisaje y la identidad en nuestra región del desierto.   Navegando el Desierto   destaca una muestra diversa de instalaciones a gran escala, grabados, esculturas y más por artistas de origen latino y artistas Indígenas, incluyendo a Cara Romero, Douglas Miles, Margarita Cabrera, Liz Cohen, and Justin Favela, cada uno de ellos inspirados por la cultura de los autos personalizados y la cultura lowrider del suroeste. Organizado por el Phoenix Art Museum y curado por Gilbert Vicario, curador de arte contemporáneo,  Navegando el Desierto  presentara el estreno mundial de obras comisionadas específicamente para la exhibición. 

“Estamos emocionados de compartir el estreno de Navegando el Desierto con nuestra comunidad” dijo Mark Koening, el interino de Sybil Harrington Director y CEO de Phoenix Art Museum. “Esta exhibición amplifica las voces que desafían los conceptos preconcebidos alrededor de la identidad y la creatividad mismas. El Navegando el Desierto proporciona a la audiencia de Arizona, la oportunidad de ver como las perspectivas Indígenas y Latinx e interpretaciones de las subculturas de automóviles y patinetas, definen la identidad regional del suroeste. Estamos encantados de presentar obras distintas, muchas por artistas trabajando aquí en Arizona.”

Navegando el desierto explora la génesis de la cultura de los autos personalizados y la cultura lowrider con raíces en la cultura posguerra de los años 50, lo que hizo mitológica nuestra dependencia y fascinación con los automóviles. La exhibición conecta el arte contemporáneo con el desarrollo de la contracultura de los años 60, personificado en el fenómeno lowrider que ocurrió simultáneamente con otras formas de protesta civil. Imágenes de vehículos personalizados rugiendo a lo ancho de los amplios paisajes del suroeste americano captaron las nociones de liberación, libertad, rebelión e inconformidad. Los autos se convirtieron en decretos desafiantes, paseando a escasos centímetros del pavimento.  Artesanos México-Americanos adornaban sus autos con imágenes culturales y religiosas, incluyendo símbolos Mayas y Nahuas pintados en las capuchas de sus autos de colores vibrantes, un rechazo a la estética automovilística convencional.  Para muchas de las comunidades Latinx and Chicanx al día de hoy, los lowrider continúan como un símbolo de individualidad, identidad cultural, resistencia y orgullo.

Para Justin Favela, un artista conocido por sus instalaciones y esculturas a gran escala que exploran la cultura popular y temáticas de autenticidad y lugar, la cultura lowrider también refleja los esfuerzos de los jóvenes Mexico-Americanos de lograr el Sueño Americano a su manera. Los visitantes verán uno de los artes de Favela creados específicamente para Navegando el Desierto: un lowrider hecho a escala y elaborado con cartón, pañuelos de papel y otros materiales. También instalará su obra Siete Neumáticos Mágicos (Seven Magic Tires), una versión satírica del artista Suizo Ugo Rondinone de las Siete Montañas Mágicas, situadas en las afueras de Las Vegas. La instalación de Favela, presenta neumáticos pintados de colores brillantes, apilados, acomodados en diferentes alturas, inspirado por neumáticos pintados que una vez vio afuera de un taller de autos en Las Vegas.  Jose Villalobos, otro artista destacado, suscita recuerdos de su familia y su historia personal por medio de la nueva obra encargada recientemente para el Navegando el  Desierto en el cual él con “extravagancia embellecerá” las sillas de montar, utilizando técnicas y accesorios típicamente reservados para lowriders, incluyendo volantes de cadenas y lacas de colores brillantes, deconstruyendo la masculinidad inherente en dichos objetos.

Mas allá del diseño y de la inherente artesanía en la cultura lowrider, la exhibición también explora la influencia del movimiento, desplazamiento y la ubiquidad de la cultura automovilística y su apariencia en el arte contemporáneo. Las obras presentadas, utilizan símbolos de transporte y movimiento para interrogar conceptos de masculinidad y feminidad por Liz Cohen, Sam Fresquez, and Carlotta Boettcher y nociones de migración y movilidad por Betsabeé Romero, así como obras por Cara Romero y Laurie Steelink que exploran como auto describir “el ser ´indio´” negocia valores indígenas tradicionales con la vida contemporánea.

“Navegando el Desierto explora la manera en que la cultura automovilística en el suroeste ha influenciado el arte de los artistas contemporáneos de origen latino e Indígenas, quienes están examinando la intersección del movimiento y traslado, migración, genero, sexualidad, trabajo e identidad,” dijo Gilbert Vicario, quien fue el curador de la exhibición. “Es importante reconocer a todos los artistas representados, quienes son miembros de comunidades que fueron forzadas a los márgenes de nuestro espacio geográfico, experiencias que van paralelas a la historia misma de lowrider. Espero que los visitantes vean el impacto que la cultura local ha tenido en artistas trabajando en el suroeste y que aprecien esta parte de la historia de la tierra en la cual nacieron.”

Como complemento de la exhibición, el bibliotecario del museo, Jesse Alexander Lopez va a curar una nueva instalación extraída de los archivos de la biblioteca del museo, junto con nuevas adquisiciones. Presentando libros, revistas y otros efímeros, la instalación de la biblioteca satélite examinará la unión entre la cultura chicanx lowrider y sus antiguas raíces mexicanas y latinoamericanas, y la filosofía de la visión mundial del mestizaje. Esta instalación complementaria estará a la vista en ambos, en la extensión sur de la galería Steele Gallery y la galería interactiva del museo Ballinger,  familiarmente conocido como la biblioteca BIG Little Library, y destacara publicaciones lowrider emblemáticas desde los años 1970s hasta el día de hoy; libros de la cultura de los Aztecas y las secuelas de la conquista, letras de amor de la prisión y tarjetas hechas a mano, y una vistazo especial a la popularidad de la cultura lowrider en Japón.

Acerca de la Exhibición

Navegando el desierto estará a la vista del 24 de abril, 2022 hasta el 18 de septiembre, 2022 en la galería Steele Gallery en Phoenix Art Museum. La exhibición es organizada por el Phoenix Art Museum. Ha sido posible por la generosidad de la Oficina de Turismo del Estado de Arizona y el Men’s Arts Council, con apoyo adicional del Círculo de Apoyo del Museo y los miembros del Museo. Para mayor detalle de la exhibición, visite phxart.org/exhibition/desert-rider/.  Para solicitar una entrevista, contactar la oficina de comunicación del Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o con samantha.santos@phxart.org. Para fotografías de alta resolución, haga clic Aquí.

Acerca de la Exhibición

Navegando el Desierto, una exhibición especial, será gratuita para los Miembros del Museo y para niños de 5 años o menos. La exhibición será también gratuita para veteranos y militares activos y sus familiares por medio del Programa de Acceso a la Milicia del Phoenix Art Museum (MAP@PAM), hecho posible gracias a la generosidad de Dr. Hong and Doris Ong, Nancy Hanley Eriksson, y la fundación Shamrock Foods Foundation. Los visitantes también podrán disfrutar de un bajo precio en la admisión a la exhibición durante los tiempos de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 de la noche, hecho posible por SRP y apoyado en parte por la generosidad de Angela y Leonard Singer Endowment for Performing Arts, y el primer viernes de cada mes de 3 a 9 de la noche. Para un desglose completo de los precios y horarios para admisión general, visite  phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corridor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras Americanas y Americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber mas acerca del Phoenix Art Museum, visite  phxart.org, o llame al 602.257.1880.

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