PHOENIX (11 de diciembre, 2024) – El 12 de abril de 2025, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta su nueva gran exposición de moda, El mundo de Anna Sui, que llega a Phoenix procedente del Fashion and Textile Museum de Londres. La amplia exposición cuenta con más de 100 conjuntos, incluyendo estilos del archivo personal de Sui, prendas de su última colección y diversos objetos y conjuntos de la célebre colección de moda del Museo, seleccionados en colaboración con la diseñadora. El mundo de Anna Sui podrá verse en PhxArt del 12 de abril al 28 de septiembre de 2025.  

“Anna Sui definió una generación de la moda, y el Phoenix Art Museum se complace en presentar El mundo de Anna Sui, que explora el impacto de esta extraordinaria diseñadora,” afirmó Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “En los años 90, Anna Sui fue una de las impulsoras del estilo de la década, ahora icónico, muchos de los cuales inspiran las tendencias actuales de la Generación Z. Desde entonces, ha seguido dando forma a la moda de la Generación Z. Desde entonces, ha seguido dando forma al panorama de la moda, construyendo un universo elaborado e imaginativo que se inspira en la música grunge, la estética gótica, el romanticismo y mucho más. Además, estamos encantados de presentar una versión ampliada de esta increíble exposición de archivo a través de la colaboración entre Anna y Helen Jean, Curadora de Moda Jacquie Dorrance, curando objetos selectos de la Colección PhxArt para que aparezcan en conversación con la galardonada obra de Anna.” 

 Anna Sui, criada en las afueras de Detroit y ahora radicada en Nueva York, se inspira en la nostalgia y el romanticismo intemporales de los comienzos de la moda contemporánea y los combina con su característica estética rockera. Desde el estreno de su primer desfile en 1991, Sui ha lanzado más de 80 colecciones de prêt-à-porter, accesorios, cosméticos y fragancias a través de su marca independiente, popularizando efectivamente el look de moda de boutique. A través de sus atuendos de pies a cabeza, ha creado un universo gráfico habitado por alter-egos del mundo de vaqueras, chicas grunge, hippies, chicas hula, mods, estrellas de rock piratas, doncellas prerrafaelitas y nómadas surfistas. Los diseños de Sui han cobrado vida en la pasarela gracias a modelos como Christy Turlington, Naomi Campbell, Linda Evangelista y Gigi Hadid, y han sido lucidos por Anne Hathaway, Zooey Deschanel, Madonna y otros iconos de la cultura pop. Su obra también se presentó en la exposición de alta costura Camp de 2019 en el Metropolitan Museum of Art. 

El mundo de Anna Sui reúne más de 100 conjuntos del archivo de la célebre diseñadora y presenta una lista de 12 arquetipos básicos de la estética Sui. Desde prendas y accesorios, pasando por peinados y maquillaje, hasta aromas y sonidos, la exposición explora minuciosamente los materiales, las obsesiones culturales y los estilos globales que han inspirado a Sui durante décadas. Como complemento especial de la exposición, PhxArt presentará estilos de las colecciones recientes de Sui entre F/W 2019 y F/W 2024 que muestran el experimentalismo continuo de la diseñadora, que sigue incorporando nuevos materiales a su universo de diseño. Un ejemplo único de ello es el uso que Sui hace del material de papel metalizado en su colección S/S 2024, similar a obras especiales de la colección de moda del Museo. La diseñadora también ha sido invitada a seleccionar obras de la célebre colección del Museo que ejemplifican el espíritu y la estética en los que se inspira creativamente.  

“Anna Sui es una historiadora autodidacta de la cultura, el arte y la moda, y una auténtica maestra a la hora de entrelazar narrativas y estéticas de géneros aparentemente contradictorios en sus diseños,” afirma Helen Jean, curadora de moda Jacquie Dorrance del Museo. “Los visitantes de la exposición descubrirán cómo su obra muestra elementos de la música popular, libros, películas y los movimientos artísticos, al tiempo que hace referencia a tendencias de moda muy variadas, desde ropa deportiva hasta chaquetas de excedentes militares, pasando por pañuelos japoneses y vestidos qipao. El mundo de Anna Sui es un puro deleite visual, con una increíble historia de la cultura pop entretejida por todas partes, y es otra poderosa oportunidad de ver cómo los diseñadores de moda absorben, hacen referencia y se comprometen con los estilos y movimientos sociales definitorios de nuestro pasado y presente colectivo.”  

Las fotografías en alta resolución de El mundo de Anna Sui pueden descargarse aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum en el 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org. 

Acerca de la exposición 
El mundo de Anna Sui está organizada por el Fashion and Textile Museum de Londres y comisariada por Dennis Nothdruft, Jefe de Exposiciones del Fashion and Textile Museum de Londres. Su presentación en Phoenix Art Museum está coordinada por Helen Jean, curadora de Diseño de Moda Jacquie Dorrance , con Catherine Wise, practicante de Diseño de Moda Hirabayashi.

Su estreno en Phoenix ha sido posible gracias al patrocinador principal Thomas Carlton Rogers II, con el apoyo del Arizona Costume Institute y de Bennett y Jacquie Dorrance.

Apoyo adicional de Tran Tran, fundador, Axis Employment Services.

Apoyo en especie proporcionado por KJZZ y Kimpton Hotel Palomar Phoenix.

Todas las exposiciones de moda de Phoenix Art Museum están financiadas por The Kelly EllmanFashion Endowment Fund.

Todas las exposiciones de Phoenix Art Museum están financiadas por el Phoenix Art MuseumExhibit

La admisión es gratuita para los Miembros del Museo, los menores de 5 años y los estudiantes de los Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión al público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una tarifa reducida de admisión a la exposición durante el horario de donaciones voluntarias, los miércoles de 3 a 8 pm, posible gracias a SRP y City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/. 

Acerca de Phoenix Art Museum 
Desde 1959, Phoenix Art Museum (PhxArt) ha conectado a millones de visitantes con el arte de nuestra región y del mundo. Situado en el Corredor Central de Phoenix, PhxArt crea espacios de intercambio y pertenencia para todos los públicos a través de exposiciones dinámicas, colecciones y experiencias con el arte. Cada año, un promedio de 300,000 visitantes asisten a exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y a la colección del Museo de más de 21,000 obras de arte de Las Américas y norteamérica, asiática, europea, latinoamericana, moderna y contemporánea y de diseño de moda, junto con vibrantes exposiciones de fotografía que son posibles gracias a la histórica asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona en Tucson. PhxArt también presenta actuaciones en directo, destacados ejemplos de cine mundial, programas y talleres de educación artística, un festival de arte y música, y mucho más para la comunidad. Para más información sobre Phoenix Art Museum, visita phxart.org o llama al 602.257.1880. 

Acerca de Anna Sui 
Anna Sui es una de las diseñadoras de moda más queridas y consumadas de Nueva York, conocida por crear prendas contemporáneas originales inspiradas en espectaculares cantidades de investigación sobre estilos vintage y arcanos culturales. Sui se unió al underground cultural intensamente creativo de Nueva York en la década de 1970, forjando importantes relaciones en los mundos de la moda, la fotografía, el arte, la música y el diseño. Formó parte de una generación de diseñadores de moda que rehicieron el estilo estadounidense en los años noventa. Junto con Marc Jacobs, Isaac Mizrahi, Todd Oldham y Vivienne Tam, rechazó el estilo de vestir poderoso de los ochenta, con sus trajes corporativos y grandes hombreras, en favor de una silueta más relajada que reflejaba los valores de la cultura juvenil. 
 
Sui ha recibido numerosos premios, entre ellos el Perry Ellis Award for New Fashion Talent del CFDA (1992) y el Geoffrey Beene Lifetime Achievement Award del CFDA (2009). También es una apasionada defensora del Garment District de Nueva York. Es estadounidense de origen chino de primera generación y creció en un suburbio de Detroit.  

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PHOENIX (29 de septiembre del 2022) – Este invierno, Phoenix Art Museum estrenará EN MOVIMIENTO: El corte moderno de Geoffrey Beene, una gran exhibición de diseño de moda que celebra la moda dinámica del difunto diseñador reconocido por revolucionar la ropa deportiva estadounidense y por sus ballets de pasarela pioneros. Organizada Phoenix Art Museum y con prendas extraídas del archivo Geoffrey Beene de la institución, la exposición presenta una amplia gama de monos, chaquetas, vestidos y más, junto con materiales y objetos efímeros del archivo personal de Beene que nunca antes se habían mostrado al público. EN MOVIMIENTO: El corte moderno de Geoffrey Beene estará a la vista desde el 1º de febrero hasta el 23 de julio de 2023 en las galerías Ellman, Harnett y Orme Lewis en el Museo de Arte de Phoenix.

“Geoffrey Beene fue un innovador de la moda que creó prendas que no tenían paralelo en su combinación de extravagancia, comodidad y precisión”, dijo Jeremy Mikolajczak, el Director y CEO Sybil Harrington de Phoenix Art Museum. EN MOVIMIENTO: El corte moderno de Geoffrey Beene ilumina su impacto en la moda contemporánea, desde monos aerodinámicos hasta ropa deportiva, y al mismo tiempo ofrece una visión poco común de su proceso creativo distintivo. Estamos emocionados de presentar los diseños innovadores de Beene e involucrar a nuestra comunidad de Phoenix con el último archivo de trabajo en nuestra colección de diseño de moda reconocida internacionalmente”.

Considerado el padrino de la ropa deportiva estadounidense y uno de los diseñadores más extravagantes de la historia estadounidense, Geoffrey Beene (1927–2004) creó diseños modernos y minimalistas que priorizaban la comodidad, la movilidad y el lujo. Nacido en Luisiana, Beene estudió medicina durante tres años en Tulane University antes de seguir una carrera en la moda. Asistió a la Trapenhagen School of Fashion de Nueva York y finalmente se mudó a París para estudiar en la Ecole de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. Con habilidades de sastrería inigualables, Beene consiguió su primer trabajo de moda en 1951 como diseñador de taller. Luego trabajó como diseñador de ropa de mujer para Teal Traina hasta 1963, cuando lanzó su propia marca. En 1967, Beene diseñó un vestido de novia para Lynda Bird Johnson Robb, hija del entonces-presidente estadounidense Lyndon Baines Johnson y la primera dama Claudia “Lady Bird” Johnson. En el mismo año, presentó una camiseta de fútbol de gasa de seda, que ilustra su capacidad no solo para atraer los gustos de la élite de la sociedad, sino también para crear prendas imaginativas que reflejaban su ingenio, humor y visión artística distintivos.

En la década de 1970, luego de una crítica mordaz de que sus vestidos de fiesta resemblaban el “cemento”, Beene se alejó de las siluetas estructuradas y adoptó materiales flexibles, como el jersey de punto doble (usado principalmente en las camisetas), para construir diseños estilizados que aseguraron el máximo comodidad, amoldándose al usuario con facilidad. Continuó ganando gran reconocimiento por sus versátiles monos, boleros intrincadamente detallados, elegantes vestidos de noche y más que priorizaban la comodidad y el movimiento junto con el lujo y el diseño: una visión puramente estadounidense de la vestimenta moderna.

El espíritu rebelde de Beene también se extendió a la pasarela. A principios de los 90, evitando las convenciones de las semanas mundiales de la moda y las pasarelas tradicionales, el diseñador introdujo varios elementos multimedia y de actuación en sus presentaciones. Su espectáculo de otoño de 1991, que consideró un “espectáculo mediático multifacético”, se desarrolló en un teatro y utilizó proyecciones de video y esquemas de iluminación artística. Luego, en 1992, comenzó a trabajar con la Escuela de Ballet Estadounidense para seleccionar bailarines que usaran sus prendas mientras se presentaban en la pasarela, demostrando la movilidad, pero la extravagancia y la teatralidad inherentes a sus diseños. A lo largo de su carrera, Beene recibió varios premios y reconocimientos, incluida la inducción al Fashion Hall of Fame, ocho premios Coty Fashion Critics Awards y un premio a la trayectoria en 1998 del Council of Fashion Designers of America. Su trabajo se puede encontrar en las colecciones de The Metropolitan Museum of Art, de Young Museum, Fashion Institute of Technology, Victoria and Albert Museum y Phoenix Art Museum, entre muchas otras colecciones de moda de renombre internacional.

EN MOVIMIENTO: El corte moderno de Geoffrey Beene abarca tres galerías y ofrece una visión profunda de la notable carrera de Beene mientras muestra sus diseños impecablemente adaptados y sin disculpas. La primera galería de la exposición presenta materiales y objetos efímeros del archivo personal del diseñador prestados por Authentic Brands Group, que hoy posee y administra la marca comercial Geoffrey Beene. Estos objetos, que incluyen fotografías, hojas de contacto, kits de prensa y más, están a la vista del público por primera vez y brindan una visión íntima del proceso de diseño distintivo de Beene y la visión progresista de la ropa de mujer.

Los visitantes tendrán la oportunidad de experimentar una gran selección de obras extraídas del Archivo Geoffrey Beene en Phoenix Art Museum, la mayoría de las cuales están en exhibición por primera vez y que fueron un obsequio al Museo en el 2019 de Patsy Tarr. Estas prendas, muchas de las cuales fueron hechas a medida para Tarr, incluyen docenas de las siluetas más ingeniosas del diseñador desde finales de la década de 1980 hasta principios de la década de 2000, todas las cuales fueron concebidas como parte de un guardarropa totalmente intercambiable de monos, boleros, chaquetas, y vestidos para la mujer moderna y en movimiento. La tercera y última galería de la exposición explora cómo Beene fusionó el diseño con el ballet y reinventó por completo las presentaciones de los desfiles de moda. Las prendas parecen bailar por toda la galería como si estuvieran suspendidas en movimiento. El formato y la presentación de esta sección particular de la exposición canaliza la energía y la vitalidad de los innovadores desfiles de Beene.

“Geoffrey Beene era, en el fondo, un rebelde de la moda”, dijo Helen Jean, Curadora de Diseño de Moda Jacquie Dorrance del Museo, quien curó la exposición. “Ignoró las tendencias y, en cambio, prefirió diseñar prendas que comenzaron como formas geométricas y evolucionaron hacia siluetas que se movían naturalmente con la forma humana. Esta priorización del movimiento, esta celebración de la máxima movilidad ilimitada es evidente a lo largo de su trabajo, su proceso y sus presentaciones en pasarela. Y sus vestidos de noche tenían bolsillos”.

Junto con las obras destacadas y los materiales de archivo, EN MOVIMIENTO presenta varios elementos multimedia, incluyendo un video producido por Manley Films, con sede en Phoenix, que presenta conversaciones con Tarr, donante del Beene Archive y la ex bailarina y modelo de Beene, Deanna McBrearty. La exposición también incluye entrevistas en video y comentarios de los bailarines, modelos, musas y coreógrafos que ayudaron a dar vida a los ballets de pasarela de Beene.

Acerca de la exposición
EN MOVIMIENTO: El corte moderno de Geoffrey Beene es organizada por Phoenix Art Museum con el apoyo de Authentic Brands Group, LLC. Es hecha posible a través de la generosidad de los patrocinadores principales Ellen y Howard C. Katz, el patrocinador asociado The Virginia M. Ullman Foundation y los patrocinadores contribuyentes Miriam and Yefim Sukhman.

Apoyo adicional provisto por KJZZ/KBACH, Arizona Costume Institute,  Kelly Ellman Fashion Design Endowment Fund y Kimpton Hotel Palomar.

Admisión gratuita para miembros del Museo; veteranos, personal militar activo, y sus familiares inmediatos; y niños menores de 5 años de edad. El boleto para la exhibición está incluido con la admisión al público en general.

Los visitantes también pueden disfrutar de una tarifa de admisión reducida a la exposición durante los horarios de donación voluntaria los miércoles de 3 – 9 pm. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/.

Fotografía en alta resolución puede ser descargada aquí. Para solicitar entrevistas, comuníquese con la Oficina de Comunicaciones at 602.257.2117 or samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

About Authentic Brands Group
Authentic Brands Group (ABG) es una empresa de desarrollo de marca, marketing y entretenimiento, que posee una cartera de marcas globales de medios, entretenimiento y estilo de vida. Con sede en la ciudad de Nueva York y oficinas en todo el mundo, ABG eleva y construye el valor a largo plazo de más de 50 marcas y propiedades de consumo al asociarse con los mejores fabricantes, mayoristas y minoristas de su clase. Sus marcas tienen una huella minorista global en los canales de lujo, especialidad, tiendas departamentales, nivel medio, comercio masivo y comercio electrónico y en más de 9,100 tiendas independientes y tiendas en tiendas en todo el mundo.

ABG is committed to transforming brands by delivering compelling product, content, business and immersive experiences. It creates and activates original marketing strategies to drive the success of its brands across all consumer touchpoints, platforms and emerging media. 

La cartera de marcas icónicas y de renombre mundial de ABG genera más de $ 24 mil millones en ventas minoristas anuales globales e incluye Marilyn Monroe®, Elvis Presley®, Muhammad Ali®, Shaquille O’Neal®, David Beckham®, Dr. J®, Greg Norman®, Neil Lane®, Thalia®, Sports Illustrated®, Reebok®, Eddie Bauer®, Spyder®, Volcom®, Airwalk®, Nautica®, Izod®, Forever 21®, Aéropostale®, Juicy Couture®, Vince Camuto®, Lucky Brand®, Nine West®, Jones New York®, Frederick’s of Hollywood®, Adrienne Vittadini®, Van Heusen®, Arrow®, Tretorn®, Tapout®, Prince®, Vision Street Wear®, Brooks Brothers®, Barneys New York®, Judith Leiber®, Ted Baker®, Hervé Léger®, Frye®, Hickey Freeman®, Hart Schaffner Marx®, Thomasville®, Drexel® and Henredon®.

Para mas información, visita authenticbrands.com.
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PHOENIX (4 de noviembre de 2021) – Este invierno, el público de Arizona tendrá la oportunidad de ver las prendas de papel de una de las épocas más experimentales e imaginativas de la moda en Generation Paper: Fast Fashion of the 1960s (La generación del papel: La moda rápida de la década de 1960) en el Phoenix Art Museum. La exposición incluye obras desde 1966 a 1968 por diseñadores y fabricantes como Mars of Asheville, Scott Paper Company, The Disposables, Sterling Paper Fashions, Hallmark Inc., y otros, mostrando más de 80 prendas y accesorios raros, lo que incluye vestidos, faldas, sombreros, monos, coberturas de playa y accesorios hechos de papel, plástico, laminado y otros textiles no tejidos. La generación del papel se presentará desde el 18 de diciembre de 2021 hasta el 17 de julio de 2022 en las salas de arte Ellman y Harnett del Museo y destaca un componente especial de la colección de diseño de moda del Museo.

“Estamos encantados de presentar La generación del papel: La moda rápida de la década de 1960 a nuestro público”, dijo Mark Koenig, Director y CEO Interino, con subvención de Sybil Harrington. “La colección de diseño de moda del Phoenix Art Museum alberga una de las principales colecciones de prendas de papel de Estados Unidos, y La generación del papel es una oportunidad única para que los visitantes del Museo experimenten estos diseños vibrantes, fascinantes e imaginativos”.

En los años sesenta, los vestidos de papel se convirtieron en un fenómeno mundial cuando la Scott Paper Company lanzó una ingeniosa campaña de marketing—un precursor de las estrategias de marketing viral—para promocionar el “Dura-Weve”, un material no tejido que formaba parte de su nueva línea de vajillas desechables. Con la idea de que los vestidos de papel eran el futuro, otras empresas como Mars of Asheville se entusiasmaron y pronto empezaron a vender 80,000 vestidos a la semana.

La generación del papel: La moda rápida de la década de 1960 explora el fenómeno de la época a través de más de 80 artículos raros seleccionados exclusivamente de la amplia colección de diseño de moda del Museo. Entre las obras destacadas de la exposición, donadas en gran parte por Kelly Ellman, benefactora del Museo desde hace mucho tiempo, se incluyen prendas que imitan los patrones de las superficies de la cocina y las alfombras como parte de una promoción de los electrodomésticos Viking; un minivestido de papel de punto de Mars of Asheville; un vestido que coordinaba los manteles individuales y las servilletas de Seagram’s 7, creado para que la anfitriona de la última fiesta pudiera hacer juego con su decoración; y, sobre todo, el vestido Campbell’s Souper Dress donado por Gail y Stephen Rineberg y los dos primeros vestidos originales de Paper Caper de la Scott Paper Company donados por Kelly Ellman.

Aunque las obras presentadas muestran el lado divertido e imaginativo de la moda, La generación del papel también abre y fomenta el diálogo sobre el impacto medioambiental de los diseños en papel y otras prendas fabricadas con materiales desechables. La exposición reconoce que, aunque son visualmente provocativas, estas prendas no eran el futuro de la moda, sino una moda impulsada por los esfuerzos de la industria textil por explorar nuevos materiales no tejidos y el deseo del público de una moda ultramoderna y una tecnología de la era espacial. Se anima al público a reflexionar sobre cómo las prendas que compran hoy en día pueden o no ser creadas de forma sostenible y cómo los diseñadores contemporáneos siguen encontrando formas de hacer que la ropa sea más respetuosa con el medio ambiente. La generación del papel también incluirá material exclusivo sobre el proceso de conservación de las prendas de papel.

“La colección de diseño de moda del Museo alberga una envidiable selección de prendas de papel de la década de 1960, algunas de las cuales fueron creadas como comentario de los momentos sociales y los movimientos políticos de la época”, dijo Helen Jean, Curadora de Diseño de Moda del Museo, con subvención de Jacquie Dorrance, que curó la exposición. “Estamos profundamente agradecidos a Kelly Ellman por haber donado la mayor parte de esta colección especial y estamos encantados de mostrar estos increíbles diseños en La generación del papel. La exposición anima al público a considerar cómo la moda puede ser a veces un campo de juego para probar nuevas tecnologías y materiales, un lienzo para los artistas y una experiencia imaginativa para el usuario. Espero que todos los que exploren nuestras salas de diseño de moda este invierno se inspiren a evaluar el impacto que tienen sus elecciones de ropa y consideren un mayor compromiso con su guardarropa. Tal vez encontremos una conexión más fuerte entre nosotros si somos menos “rápidos” con nuestra moda y no “desechamos” nuestra cultura.

Acerca de la exposición

La generación del papel: La moda rápida de la década de 1960 se presentará desde el 18 de diciembre de 2021 hasta el 17 de julio de 2022 en la Kelly Ellman Fashion Design Gallery y la Lila and Joel Harnett Gallery. Está organizada por el Phoenix Art Museum y se ha hecho posible por medio de la generosidad del Arizona Costume Institute, el Kelly Ellman Fashion Design Endowment Fund y Stephen y Gail Rineberg, con el apoyo adicional de los Círculos de Apoyo del Museo y los Miembros del Museo. Para más detalles acerca de la exposición, visite https://phxart.org/exhibition/generation-paper/. 

La entrada es gratuita para los Miembros del Museo, los veteranos, los militares en activo y sus familiares directos; y los jóvenes de 5 años o menos. La entrada a la exposición está incluida en la admisión general para el público en general. Durante las horas de donación voluntaria, la exposición se ofrece al público en general con entrada de pago. Los horarios de donación voluntaria son los miércoles de 3 a 7 pm y el primer viernes de cada mes de 3 a 7 pm. Para ver un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte la página phxart.org/es/visitar/ .

Fotografías de alta resolución se pueden bajar aquí. Para solicitar entrevistas, contacte a la Oficina de Comunicaciones del Phoenix Art Museum llamando al 602.257.2105 o enviando un mensaje a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca del Phoenix Art Museum

Phoenix Art Museum ha brindado acceso a las artes visuales y a programas educativos en Arizona durante casi 60 años y es el mayor museo de arte del suroeste de Estados Unidos. Exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica se muestran junto a la colección permanente del Museo, que cuenta con más de 19.000 obras de arte estadounidense, asiático, europeo, latinoamericano, moderno y contemporáneo, y diseño de moda. El Museo también presenta festivales, un amplio programa de cine, espectáculos en vivo y programas educativos diseñados para iluminar, entretener y estimular a los visitantes de todas las edades. Los visitantes también disfrutan de vibrantes exposiciones de fotografía a través de la histórica asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para obtener más información sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (12 de febrero de 2021) – Este verano, el público de Arizona tendrá la oportunidad de ver algunos de los diseños más audaces e icónicos en Subversivos de la moda en Phoenix Art Museum. Abarcando el siglo XIX hasta ahora y presentado obras por diseñadores tal como Yves Saint Laurent, Geoffrey Beene, Giorgio di Sant’Angelo (comúnmente conocido como Giorgio Sant’Angelo), Balenciaga, Rudi Gernreich, y Paco Rabanne, la exposición muestra casi 40 ejemplos de prendas y accesorios—del humilde pantalón de mezclilla al bikini escandaloso—que rompieron con las normas culturalmente aceptadas y para siempre cambiaron la moda popular y la industria de la moda. Los subversivos de la moda será exhibida del 5 de junio hasta el 28 de noviembre de 2021 en las galerías Ellman y Harnett del Museo y complementa la próxima exposición Moda intrépida: Rudi Gernreich, que fue organizada y hecha circular por el Skirball Cultural Center, Los Ángeles.

“Estamos encantados de presentar Los subversivos de la moda a nuestro público”, dijo Tim Rodgers, PhD, Director y CEO del Museo, con subvención por Sybill Harrington. “Esta exposición, presentada en conversación con Moda intrépida: Rudi Gernreich, examina la historia de las prendas y de sus diseñadores que desafiaron la tradición. Estas historias, de artistas que utilizaron su oficio para desafiar las normas sociales que limitaban la autoexpresión, seguramente resonarán en las conversaciones actuales sobre lo que es bello y posible”.

Creada como exposición complementaria a la próxima exposición especial Moda intrépida: Rudi Gernreich, Los subversivos de la moda amplía los conceptos de revolución, resistencia y autenticidad plasmados en la retrospectiva de la vida y obra de Gernreich, organizada y circulada por el Skirball Cultural Center, Los Ángeles. Al igual que los valientes y audaces diseños de Gernreich, incluido el monokini topless, los conjuntos de Los subversivos de la moda cambiaron la moda contemporánea no sólo en la pasarela, sino en la vida real. 

“Los subversivos de la moda nació en gran medida de la energía de Moda intrépida: Rudi Gernreich”, dijo Helen Jean, Curadora del Diseño de Moda del Museo, con subvención por Jacquie Dorrance, quien realizó la exposición. “Estos diseñadores rechazaban la idea de ajustarse a las normas tradicionales de la moda popular y no les interesaba anticipar las nuevas tendencias. En vez, trataron de crear algo totalmente nuevo, algo que la gente nunca hubiera visto antes, y esta exposición celebra esos momentos de ir a contracorriente de maneras grandes y pequeñas para desafiar las opiniones de decoro, belleza y gusto que se han mantenido durante mucho tiempo”.

Jean organizó los conjuntos y accesorios de la exposición en secciones basadas en los ideales subversivos que encarnan. Las obras de los diseñadores que priorizaron la función utilitaria y la comodidad, como los monos de Gernreich, Diane von Furstenberg y Geoffrey Beene, contrastan con las prendas de quienes se apartaron del uso de telas y materiales tradicionales para crear vestidos de cota de malla, discos de plástico y, como Giorgio di Sant’Angelo, Lycra. Un vestido de di Sant’Angelo confeccionado en 1968 con tejido elástico abraza el cuerpo de su maniquí en lo que entonces era una escandalosa celebración de la forma humana.

Además, las minifaldas y los shorts provocativos de los años sesenta y setenta y los trajes de baño que escandalizaron las playas desde el siglo XIX hasta el nacimiento del bikini después de la Segunda Guerra Mundial, incluidas las versiones icónicas de Emilio Pucci y Rudi Gernreich, abordan el complicado tema del pudor. La exposición también explora la historia de los pantalones de mezclilla como símbolo de la cultura juvenil de los años 50; diseños como el vestidito negro de Chanel y la llegada de las joyas de fantasía, que socavó la jerarquía socioeconómica de la industria al hacer asequibles para las masas prendas y accesorios versátiles, elegantes y de aspecto caro; y varios conjuntos que, en su momento, trascendieron las normas de género aceptadas, como el traje de smoking de Yves Saint Laurent de 1967—el primer traje de smoking sastre para mujeres.

Presentada en la Kelly Ellman Fashion Design Gallery y en la Lila and Joel Harnett Gallery, Los subversivos de la moda incluye casi 40 conjuntos y accesorios seleccionados de la amplia colección de diseño de moda del Museo, incluido el Archivo Emphatics. El archivo, que incluye prendas de vanguardia de los legendarios diseñadores Alexander McQueen, Issey Miyake y Thierry Mugler, entre otros, se creó en 2015 gracias a una amplia donación al Museo por parte de James y Karin Legato, propietarios y gestores de Emphatics, la elegante e histórica boutique de Pittsburgh que fue la primera en Estados Unidos en ofrecer ropa de Jean Paul Gaultier. Además, la exposición contará con prendas de su recién creado Archivo Geoffrey Beene, que ha sido posible gracias a una generosa donación de Patsy Tarr, de Manhattan, presidenta de la 2wice Arts Foundation y fundadora y editora de las revistas y libros 2wice.

Acerca de la exposición

Los subversivos de la moda será exhibida desde el 5 de junio hasta el 28 de noviembre de 2021 en la Kelly Ellman Fashion Design Gallery y la Lila and Joel Harnett Gallery. Fue organizada por Phoenix Art Museum y hecha posible por medio de la generosidad del Instituto de Moda de Arizona, con apoyo adicional de los Círculos de Apoyo del Museo y los Miembros del Museo. Para más detalles acerca de la exposición, por favor visite phxart.org/es/exhibition/los-subversivos-de-la-moda/. 

La entrada es gratuita para los Miembros del Museo; los veteranos y los militares en servicio activo; y los jóvenes de 5 años o menos. La entrada a la exposición está incluida en la admisión general para el público general. Durante el tiempo de donación voluntaria, la exposición se ofrece al público general con admisión de ‘pague lo que quiera’. El horario de donación voluntaria incluye los miércoles de 3 a 7 pm y el primer viernes de cada mes de 3 a 7 pm. Para un desglose completo de precios de entrada general y horarios, consulte phxart.org/es/visitar .

Fotografía de alta resolución se puede encontrar aquí. Para solicitar entrevistas, contacte la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.307.2003 o a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (21 de diciembre, 2020) – Del 7 de abril al 26 de septiembre, 2021, Phoenix Art Museum presentará Moda intrépida: Rudi Gernreich, una exposición que se enfoca en el impacto social y cultural significante de la obra de Rudolph “Rudi” Gernreich (1922–1985), el diseñador aclamado mejor conocido por sus diseños innovadores tal como el traje de baño topless “monokini,” la tanga, la ropa unisex y los trajes sastres de mujer. Organizada por el Skirball Cultural Center, Los Ángeles, Moda intrépida presentará más de 80 conjuntos, junto con bosquejos originales, cartas, documentos personales, fotografías, recortes de prensa y entrevistas nuevamente grabadas con amigos y colegas de Gernreich, para proveer una comprensión más amplia sobre la vida del finado diseñador y cómo su obra continúa a influir las tendencias de la moda y las percepciones actuales de la belleza, el género y la identidad.

“Moda intrépida: Rudi Gernreich ofrece una oportunidad significativa a explorar como la moda tiene el poder de llevar a cabo cambio social,” dijo  Tim Rodgers, PhD, Director y CEO del Museo, con subvención por Sybil Harrington. “La exposición ilumina la vida de Gernreich y cómo sus diseños progresistas reaccionaban a y desafiaban las presiones sociales y fuerzas culturales que intentaban marginarlo a él y a otros. Estamos entusiasmados en compartir esta exposición significativa con nuestras audiencias en Arizona y continuar nuestro compromiso a presentar obras de arte que presentan una diversidad de pensamiento, experiencia y acción.”

Nacido en 1922 en Viena, Austria, Gernreich, quien era judío, huyó de la opresión nazi en su adolescencia e inmigró a Los Ángeles, donde continuó a enfrentar discriminación. Eventualmente encontró refugio seguro en la comunidad de las artes escénicas y el movimiento por los derechos de los homosexuales, que lo impulsó a buscar cambio social y promover una autoexpresión más auténtica por medio del diseño de moda. Gernreich fue impulsado hacia la fama cuando lanzó su diseño de “monokini” y durante su carrera, él continuó a crear diseños innovadores que ilustraban su dedicación a la inclusión, la inconformidad, y la liberación.

Moda intrépida traza el ascenso de Gernreich y enfatiza cómo sus diseños revolucionaron la percepción e interpretación de la belleza en la industria de moda. Desarrollada por Bethany Montagano (anteriormente del Skirball) y co-curador del Skirball Dani Killam—con apoyo de diseñador de moda aclamado y consejero creativo de exposición Humberto Leon de Opening Ceremony y Kenzo—la exposición está organizada en las siguientes siete secciones:

• Llegando a ser Rudi Gernreich traza la trayectoria del diseñador desde su niñez en Viena hasta su inmigración a los Estados Unidos en 1938. Los visitantes aprenderán sobre su vida temprana en Los Ángeles, con enfoque específico en su participación en el Lester Horton Dance Theatre, un grupo de danza interracial, y su papel como el segundo miembro fundador de la organización de derechos de los homosexuales, la Mattachine Society. Esta parte de la exposición también resalta sus primeros empleos en la industria de moda, que incluyen su trabajo con la diseñadora de disfraces de Hollywood Edith Head, emprendedora Hattie Carnegie y fabricante de ropa y compañero inmigrante austriaco Walter Bass, con quien dio forma a la estética de la ropa deportiva californiana.

• Danza y teatro ilumina el interés de Gernreich en la libertad de movimiento a través de los disfraces de Swan y Duotard que creó para el espectáculo de danza Inscape de la Bella Lewitzky Dance Company, así como otros conjuntos inspirados por el teatro a lo largo de su carrera.

• Minis, mods y trajes sastres se enfoca en los años 1960 y 1970, explorando el apoyo de Gernreich a la segunda generación del feminismo. Prendas como la “micro-mini” falda mod y el traje sastre para mujeres—incluyendo sus conjuntos de “Marlene Dietrich” y “George Sand”—extendieron los límites y desafiaron ideas de cómo las mujeres deberían vestirse y presentarse.

• Trajes de baño y ropa interior presenta los trajes de baño tejidos de Gernreich, el sostén “no sostén” sin alambre, la ropa interior tanga, y el “monokini” topless, muchos de los cuales siguen siendo artículos esenciales de la moda contemporánea. Estas prendas ejemplifican cómo Gernreich priorizó la funcionalidad y la comodidad en sus diseños.
  
  
• Cultura juvenil y política explora cómo Gernreich reaccionó a las crisis de su tiempo, particularmente las manifestaciones de estudiantes, tensiones raciales crecientes en los Estados Unidos y conflictos armados alrededor del mundo tal como la Guerra de Vietnam, creando una colección de inspiración militar.

• Solidaridad unisex presenta la Colección Unisex de 1970 del diseñador, en la cual él eliminó los indicadores de género y presentó prendas que se podrían usar de manera intercambiable por cualquier persona. Los caftanes, por ejemplo, hacen abstracto los cuerpos de los maniquíes y reflejan el interés de Gernreich en la fluidez del género.

• Moda experimental y legado ilustra cómo el uso de Gernreich de telas transparentes, piel, vinilo, correas de perro como cinturones, cierres expuestos y resortes de metal continúa a influir la moda popular.

Adicionalmente, la exposición incluye un ámbito extravagante titulado De concepto a perchero que ilumina la relación entre Gernreich, la modelo y musa Peggy Moffitt y varios detallistas, incluyendo Jax Boutique en Los Ángeles, para el cual diseñó ropa deportiva. Nuevas grabaciones de historias orales de varios de los amigos y colegas de Gernreich, incluyendo al bailarín moderno Don Martin, la diseñadora de moda Renee Firestone y modelos Barbara Flood y Léon Bing, también serán presentadas a través de Moda intrépida, y estaciones de medios reproducirán metraje histórico de desfiles de moda de Gernreich, junto con lo que se considera ampliamente el primer video de moda, Basic Black (Negro básico), presentando a Gernreich, Moffitt y estilista Vidal Sassoon.

“Moda intrépida es una exposición tan oportuna e importante,” dijo Helen Jean, Curadora del Diseño de Moda, con subvención por Jacquie Dorrance. “Enfatiza cómo rechazó Gernreich las ideas convencionales de identidad y su compromiso a promover la fluidez del género, la positividad corporal y la igualdad y belleza de toda la gente. Este enfoque inclusivo del humanismo y el deseo de empoderar a otros para definir quiénes son y quiénes no son a través de la ropa que eligen vestir es algo que resonará con el público contemporáneo, muchos de quienes siguen abogando por los mismos temas y derechos por cuales Gernreich también luchó a través de su obra, abriendo un camino décadas antes.”

Acerca de la exposición

Moda intrépida: Rudi Gernreich será exhibida del 7 de abril al 26 de septiembre de 2021 en Steele Gallery. La exposición fue organizada por el Skirball Cultural Center, Los Ángeles. Su estreno en Phoenix Art Museum es posible por medio de la generosidad del Jacquie Dorrance Curator of Fashion Design Endowment, The Kelly Ellman Fashion Design Endowment Fund, Lee y Mike Cohn, The Virginia M. Ullman Foundation, The Arizona Republic | azcentral y Arizona Costume Institute, con apoyo adicional de los Círculos de Apoyo del Museo y Miembros del Museo.

Esta exposición de participación especial es gratis para Miembros del Museo; veteranos y militares en servicio activo; y niños de 5 años y menores.  Todas las exposiciones de participación especial están incluidas en la entrada general. Para un desglose completo de los precios de entrada general, incluyendo la entrada durante tiempos de donación voluntaria los miércoles de 3 – 7 pm y el primer viernes del mes de 3 – 7 pm, por favor visite http://www.phxart.org/es/visitar/.

Descargue fotografía de alta resolución aquí. Para solicitar entrevistas, contacte a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum a 602.307.2003 o samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

Acerca del Skirball Cultural Center

El Skirball Cultural Center es un lugar para reunir guiado por la tradición judía de dar la bienvenida al desconocido e inspirado por los ideales democráticos estadounidenses de la libertad e igualdad. Recibimos a personas de toda comunidad y generación para participar en experiencias culturales que celebran el descubrimiento y la esperanza, promueven conexiones humanas y nos piden que ayudemos a construir una sociedad más justa. Para aprender más acerca del Skirball Cultural Center, visite skirball.org.

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PHOENIX (11 de noviembre de 2020) – Este invierno, Phoenix Art Museum presentará Inspiración colectiva. Originando de toda la colección del Museo de más de 20,000 objetos, la exposición mostrará ocho conjuntos y accesorios abarcando el siglo XX al presente que han sido emparejados con pinturas, esculturas e impresiones que iluminan cómo los principios artísticos formales se pueden aplicar igualmente a objetos de moda y a formas de arte más tradicionalmente reconocidas. Combinaciones de objetos presentados en la exposición incluyen un traje por el diseñador estadounidense Ralph Rucci y una escultura por la artista contemporánea japonesa Fujikasa Satoko; un saco por Mariano Fortuny y Madrazo colocada en conversación con un jarrón de vidrio favrile creado a principios del siglo XX por Tiffany and Co. y originando de la colección de arte estadounidense; un vestido por Rei Kawakubo para Comme des Garçons combinado con una pintura por el artista flamenco Jan van Dalen de la colección de arte europeo; y el objeto más antiguo de la colección de moda, un par de guantes de encage de metal de la década de 1640, colocado al lado de un retrato del siglo XVIII de Doña Maria Moreno y Buenaventura de la colección de arte latinoamericano. Inspiración colectiva será exhibida desde el 12 de diciembre de 2020 hasta el 2 de mayo de 2021 en la Kelly Ellman Fashion Design Gallery.

“Phoenix Art Museum está emocionado de presentar Inspiración colectiva a nuestras audiencias”, dijo Tim Rodgers, PhD, el Director y CEO del Museo, con subvención por Sybil Harrington. “Con objetos extraídos de la amplia colección del Museo, esta nueva exposición provoca conversaciones consideradas e inesperadas sobre el arte. Nuestra comunidad puede esperar ver más exposiciones como esta en el futuro que generan y promueven ideas sobre el carácter  y el valor de diferentes formas de expresión artística”.

Inspiración colectiva presenta aproximadamente 15 obras de arte de diferentes áreas de colección del Museo, incluyendo del diseño de moda y del arte asiático, estadounidense, europeo y contemporáneo. Estos objetos están organizados en pares, colocando una prenda de moda o accesorio en conversación con una pintura, escultura o impresión para provocar diálogo sobre cómo los principios y elementos del arte y diseño, lo que incluyen el color, la línea, la forma, la textura y la tonalidad, se pueden aplicar a objetos de moda así como a formas de arte más tradicionalmente reconocidas.

“La idea para Inspiración colectiva vino de una pregunta que recibo a menudo durante entrevistas y en las galerías: ‘¿Es arte la moda, y por qué?’” dijo Helen Jean, la Curadora de Diseño de Moda del Museo, con subvención por Jacquie Dorrance, quien realizó la nueva exposición en la Ellman Gallery. “Esta exposición es una manera que tiene el Museo de abordar estas cuestiones directamente y de educar a nuestras audiencias en cómo aplicar los principios del arte a la moda como lo hacen con una pintura o una escultura. Por medio de Inspiración colectiva, quiero que nuestros visitantes vean cómo las conversaciones que tienen sobre el arte en las galerías asiáticas o estadounidenses pueden continuar mientras exploran nuestras exposiciones de moda”.

Un grupo de objetos en Inspiración colectiva incluye un traje color crema por el diseñador estadounidense Ralph Rucci y una obra de tonalidad similar por la escultora contemporánea japonesa Fujikasa Satoko. Más allá de su paleta de color similar, a las obras las caracteriza una precision técnica estricta y líneas orgánicas ondulantes. Otra sección de la exposición coloca un vestido por Rei Kawakubo para la línea de primavera/verano del 2018 de Comme des Garçons  en conversación con una pintura del artista flamenco del siglo XVII Jan van Dalen, invitando a los visitantes a explorar la forma y composición de cada obra. La exposición también presenta una pintura de arte óptico por Victor Vasarely junto a un traje por Alexander McQueen, los cuales dependen de patrones geométricos lineales para crear ilusiones ópticas de movimiento y vibración. Los visitantes también tendrán la oportunidad de examinar los objetos más antiguos de la colección de moda, un par de guantes de la década de 1640 decorados con encaje de metal hecho a mano, combinados con un retrato de Doña Maria Moreno y Buenaventura de México en el siglo XVIII para explorar la evolución de tejer encajes y su representación detallada en el arte de retrato.

Para motivar la contemplación sobre los aspectos formales del arte presentado en Inspiración colectiva, cada par incluye texto interpretativo escrito por Jean, además de curadores que se especializan en otras áreas de la colección, incluyendo a Janet Baker, PhD, la curadora de arte asiático del Museo; Betsy Fahlman, PhD, curadora adjunta de arte estadounidense; y Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curatoriales y Curador Jefe, con subvención por la Familia Selig, quien ofrece interpretaciones de las obras modernas y contemporáneas presentadas. Audrey Sands, PhD, Curadora Asistente de Fotografía de la Familia Norton, quien desempeña un puesto curatorial conjunto en Phoenix Art Museum y el Center for Creative Photography (CCP) en la University of Arizona in Tucson, también contribuye texto para la exposición, explorando la obra de la diseñadora de moda griega Mary Katrantzou, que incluye imágenes fotográficas tejidas en textiles y formadas en un vestido.

“Inspiración colectiva fue creada para poner las bases para conversaciones y debate sobre lo que hace que algo sea arte”, dijo Jean, cuando reflexionaba sobre qué ideas espera que la comunidad de Phoenix lleve de la exposición. “Quiero debates en la galería—quiero que la gente discuta sobre por qué un vestido y un jarrón particular hacen sentido juntos o por qué no. Estoy emocionada en ver qué tipo de ideas y comentarios esta exposición suscite de nuestras audiencias”.

Acerca de la exposición

Inspiración colectiva será exhibida desde el 12 de diciembre de 2020 hasta el 2 de mayo de 2021 en la Kelly Ellman Fashion Design Gallery. Está organizada por Phoenix Art Museum y hecha posible por medio de la generosidad del Instituto de Moda de Arizona, con apoyo adicional de los Círculos de Apoyo del Museo y los Miembros del Museo.Para más detalles sobre la exposición, por favor visite phxart.org/es/exhibition/inspiracion-colectiva/.

La entrada es gratis para Miembros del Museo; veteranos y militares en servicio activo; y niños de 5 años y menores. Admisión a la exposición está incluida con la entrada general para el público general. Durante horas de donación voluntaria, la exposición se ofrece al público general con entrada de pague-lo-que-quiera. Tiempos de donación voluntaria incluyen los miércoles de 3 -7 pm y el primer viernes de cada mes de 3-7 pm. Para un desglose completo de los precios de entrada general y horarios, visite phxart.org/es/visitar/.

Fotografía de alta resolución se puede descargar aquí. Para solicitar entrevistas, contacte la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.307.2003 o samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (el 9 de marzo 2020) – El Phoenix Art Museum anuncia el nombramiento de Helen Jean como la próxima Curadora del Diseño de Moda, con subvención por Jacquie Dorrance, quien ha servido como la Curadora Interina del Diseño de Moda desde septiembre 2019. Inicialmente, Jean se adjunto al Museo en 2007 como asistente curatorial a Dennita Sewel, Curadora Emérita, quien anteriormente dirigó el programa del diseño de las modas al Museo durante casi veinte años. Con más de una década de laureles como erudita y educadora de las modas, Jean curó la exposición reciente inaugurado al Museo a la vista hasta junio, India: Musa de la moda.

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“Estamos muy emocionantes de presentar a India: Musa de la Moda a nuestro público en Arizona,” dijo Gilbert Vicario, Subdirector de Asuntos Curiatorales y Curador Principal, con subvención por la Familia Selig, y Curador de Arte Moderno y Contemporáneo de Phoenix Art Museum. “Está exposición explorará cómo diseñadores internacionales han adaptado las modas y siluetas indias en sus creaciones durante siglo pásados. India: Musa de Moda nos transportará en la escena India actual que con sus redefiniciones del futuro del estilo y innovaciones para la audiencia global.”

India: Musa de la Moda figurará vestidos y accesorios abarcando del siglo XIX a XXI procedente de la colección renombrada de modas del Museo. Jean seleccionó ropa que demuestra cómo los diseñadores han referido a siluetas, imagenes, y paletas de colores de india para sus clientes occidentales. Ejemplos de los diseños incluidos son varias interpretaciones del sari, ropa de caballero incluido el turbano sij, joyas de oro de coleccionistas locales, y monederos Judith Leiber en calidad de préstamo de la colección privada de Kelly Ellman quien dotó la Galería del Diseño de Modas epónima en 2006 donde se presentará la exposición.

Visitantes también tendrán la oportunidad de ver el cortometraje Pensé Que Estaba Soñando de la artista galardonada Sarah Singh. Basado en la colección 1982 del diseñador Yves Saint Laurent quien fue inspirado por el país, el film presenta a Kirat Young, conocida cómo la primera supermodelo india. Actualmente, Singh figurá su obra en museos, galerías, y universidades por todo el mundo y su film se mostrará en un ciclo continuo en que se presenta un mundo caleidoscópico de imágenes reflejadas cómo una interpretación de la cultura.

“Esta exposición nos cuenta un poco de la historia integral y compleja de cómo India ha inspirado a las modas occidentales por siglos,” dijo Jean, Curadora Interina del Diseño de Modas, con subvención por Jacquie Dorrance, de Phoenix Art Museum. “Con la aptitud en día de hoy sobre la apropiación cultural por el oeste hay amplia oportunidad de examinar cómo respetar mejor los elementos culturales deseables.  Mi esperanza es que visitantes chequerán sus armarios, que pensarán mas sobre el origen de su ropa, y que investigarán la historia para ser mejor informados sobre sus elecciones e impacto mundial después de interactuar con la exposición.”

Para entrevistas y imagenes de alta resolución consulte a la Oficina de Prensa a Phoenix Art Museum al 602.257.2160 or melissa.dunmore@phxart.org. Para más información acerca de Phoenix Art Museum y su colecciones, exposiciones, y programas educativos, visite phxart.org.

Acerca de la Exposición

India: Musa de la Moda estara a la vista del 29 de febrero al 21 de junio, 2020 en la Galería Kelly Ellman de Diseño de Modas y la Galería Harnett. Está organizado por Phoenix Art Museum y hecho posible gracias a la generosidad del Instituto de Moda de Arizona (Arizona Costume Institute (ACI)), con apoyo adicional de los donantes de Círculos de Apoyo y Miembros del Museo. Para más detalles acerca de la exposoción, por favor visite phxart.org/indiafashionsmuse.

Admisión es gratis para Miembros del Museo; veteranos y militares y sus familias inmediatas; alumnus del Colegio Comunitario Maricopa (con ID); y jóvenes de 5 años o menos. Acceso a la exposición está incluida con la admisión general. Durante los horarios de donación voluntaria, la exposición está ofrecido al público en general donación de pague lo que guste.  Los horarios de donación voluntario para todas personas incluyen a los miércoles de from 3 – 9 pm y el primer viernes de cada mes de 6 – 10 pm, y admisión general es gratis para jóvenes menores de 17 años el último sábado de cada mes.  Para una lista de precios de la admisión general y horarios, visite  bit.ly/VisitPhxArt.

Fotografía de alta resolución se descargará aquí. Para entrevistas, consulte la Oficina de Marketing y Comunicaciones Office of al 602.257.2160 or melissa.dunmore@phxart.org.

Acerca de la colección de diseño de modas en el Phoenix Art Museum

Fundada en 1966, la colección de diseño de modas del Phoenix Art Museum se destaca por su calidad y amplitud. La colección figura más de 8,000 objetos que comprenden vestidos y accesorios americanos y europeos de hombre, mujer, e infantil desde finales del siglo XVII al día de hoy. El Museo organiza dos exposiciones anualmente en la Kelly Ellman Fashion Design Gallery. Phoenix Art Museum es uno de solo unos cuantos museos de arte en el país con un programa de modas de actividad continua.

Acerca del Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite.phxart.org, o llame al 602.257.1880.

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PHOENIX (14 de febrero de 2019) –Desde el 13 de abril hasta el 18 de agosto de 2019, Phoenix Art Museum presentará Flora en las galerías de diseño de moda Kelly Ellman y Orme Lewis. Abarcando desde el siglo 18 hasta el presente, la exposición presentará más de 30 conjuntos y accesorios de inspiración botánica para mujeres, hombres y niños para rastrear la evolución de las modas florales a lo largo de la historia. Tomado exclusivamente de la colección de Phoenix Art Museum, Flora exhibirá prendas históricas junto a diseñadores de Prada, Marc Jacobs, Givenchy, Yves Saint Laurent, Comme des Garçons, Charles James y Slava Zaitsev. La exposición también destacará varias textiles y técnicas de bordado y embellecimiento utilizadas por los diseñadores para incorporar motivos florales, patrones y siluetas en sus creaciones.

“Estamos encantados de presentar Flora a nuestra comunidad de Phoenix”, dijo Amada Cruz, directora durada de Phoenix Art Museum. “Flora reunirá muchas piezas atemporales de la colección de moda del Museo para mostrar la amplitud y profundidad de nuestras posesiones, y esperamos compartir esta exposición inspirada en las flores con nuestro público en Arizona”.

Al presentar una amplia gama de modas históricas y contemporáneas extraídas de la colección del Museo, Flora explorará cómo los diseñadores a través de los siglos han interpretado las flores y el mundo botánico entre su trabajo. Las prendas de los siglos 18 y 19 mostrarán representaciones de flores tradicionales y realistas, mientras que las piezas modernas contarán con estampados florales abstractos en negrita y siluetas inspiradas en formas orgánicas. Los aspectos más destacados de la exposición incluyen un abrigo de cuero bordado y botas de Marc Jacobs para Louis Vuitton; un vestido de pétalo de 1951 de Charles James; y una falda y chaqueta de Slava Zaitsev, conocida por sus coloridos diseños teatrales, a menudo adornados con motivos florales e inspirados en trajes populares rusos.

Flora también presentará objetos recientemente adquiridos por el Museo, incluido un conjunto de la colección Primavera/Verano 2019 de Comme des Garçons, comprado con fondos proporcionados por Arizona Costume Institute, un grupo de apoyo de Phoenix Art Museum. El conjunto contemporáneo incluye una chaqueta holgada de esmoquin negra combinada con un pantalón con estampado de rosa, que se distingue por su silueta abstracta y multidimensional que sugiere una forma de flor.

“Las flores son un tema clásico y querido por los diseñadores de moda a lo largo de la historia”, dijo Dennita Sewell, la curadora de diseño de moda Jacquie Dorrance del Museo. “Con su amplitud de prendas y accesorios históricos y contemporáneos, Flora ilustrará cómo el enfoque para representar las flores en la moda ha evolucionado desde el realismo y el naturalismo a la abstracción, la hiper-abstracción y el hiperrealismo”.

Además, la exposición destacará los textiles y diversos estilos de bordados y adornos, ilustrando las formas creativas en que los diseñadores a lo largo de los siglos han interpretado las formas botánicas en la moda. Un traje de lino de Prada de 2003 muestra capullos de rosa bordados de rafia en la red, el estilo bohemio de un vestido de costura de Givenchy de la década de 1960 se complementa con una dispersión de flores silvestres, y una pieza de Yves Saint Laurent presenta una impresión de Rosas de belleza americana en seda crepe de chine.

In addition, the exhibition will highlight textiles and various embroidery and embellishment styles, illustrating the creative ways in which designers through the centuries have interpreted botanical forms in fashion. A linen suit by Prada from 2003 showcases raffia-embroidered rose buds on netting, the bohemian styling of a Givenchy couture dress from the 1960s is enhanced with a scattering of wildflowers, and a piece by Yves Saint Laurent features an all-over print of American Beauty Roses on silk crepe de chine.

“En una era en la que vemos la mayoría de las cosas digitalmente, Flora subrayará la importancia de la materialidad en el diseño de moda”, dijo Sewell. “La exposición brindará a los espectadores la oportunidad de observar detenidamente un objeto y examinar sus detalles para ayudar a comprender cómo y por qué los diseñadores utilizan materiales y técnicas específicas para articular sus ideas e inspiraciones”.

Además de mostrar la riqueza de la colección de moda del Museo, Flora explorará la influencia duradera de las flores en la moda y demostrará cómo la inspiración impulsa el diseño. Con su variedad de materiales y una visión profunda del proceso creativo, la exposición animará a los espectadores a contemplar un tema bien conocido y descubrir las formas sutiles, audaces y, a veces, sorprendentes en que la moda puede reflejar el mundo natural.

About the Exhibition

Flora estará a la vista desde el 13 de abril hasta el 18 de agosto de 2019 en las galerias Kelly Ellman Fashion Design and Orme Lewis. La exposición esta organizada por Phoenix Art Museum y es posible gracias a la generosidad de la Virginia M. Ullman Foundation, The Ellman Foundation, y Arizona Costume Institute. Para más detalles sobre la exposición, por favor visite phxart.org/exhibition/flora.

La entrada es gratuita para los Miembros del Museo; veteranos y militares en servicio activo y sus familias; Estudiantes, personal y facultad de Maricopa Community College (con identificación); y jóvenes de 5 y menores. La entrada a la exposición está incluida en la admisión general para el público en general. La exposición se ofrece al público en general durante los tiempos de donación voluntaria. Los horarios de donación voluntaria incluyen los miércoles de 3 a 9 pm, el primer viernes de cada mes de 6 a 10 pm y el segundo domingo de cada mes de mediodía a 5 pm. Para un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulte bit.ly/VisitPhxArt.

Fotografías de alta resolución se puede descargar aquí. Para solicitar entrevistas y fotografías de alta resolución, comuníquese con la Oficina de Márketing y Comunicaciones al 602.257.2105 o margaree.bigler@phxart.org.

Programas de la exposición

Domingo Familiar Gratuito | el 14 de abril, mediodía – 5 pm

Explora Flora durante los horarios de donación voluntario el segundo domingo de cada mes. Los huéspedes disfrutarán de actividades emocionantes, búsqueda del tesoro, presentaciones en vivo, tiempo de cuentos, excursiones gratuitos y más. Vea phxart.org/events/calendar para más información.

Primer Viernes | el 3 de mayo, 6 pm

Únete a nosotros este Primer Viernes para experimentar Flora y programas en las galerias inspiradas por la exposicion and in-gallery programs inspired by the exhibition. El evento esá abierto al público con admisión de donación voluntario. Por favor verifica phxart.org/events/calendar para actualizaciones.

Acerca de Phoenix Art Museum

Phoenix Art Museum ha brindado acceso a programas de artes visuales y educativos en Arizona por casi 60 años y es el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Exposiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica se muestran junto con la colección permanente del Museo de más de 19,000 obras de arte estadounidense, asiático, europeo, latinoamericano, moderno y contemporáneo, y diseño de moda. El museo también presenta festivales, un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para iluminar, entretener y estimular a los visitantes de todas las edades. Los visitantes también disfrutan de exposiciones de fotografía vibrantes a través de la asociación histórica del Center for Creative Photography, Museo con el Centro para Fotografía Creativa, Universidad de Arizona. Para aprender más sobre Phoenix Art Museum, visite phxart.org, o llame 602.257.1880.

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