Dec, 15, 2020
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Michelle Meyer: en sus propias palabras
Originalmente de Illinois, la artista radicada en Phoenix Michelle Meyer, también conocida como Meesh, ha estado en un camino creativo y empresarial durante casi una década. ¿El objetivo? Construir un concepto dinámico y una comunidad que pueda sostener no sólo sus ambiciones artísticas, sino las de sus colegas artistas en el Valle del Sol.
Situada en la Gran Avenida, la creación de Michelle, Snood City, ofrece precisamente ese tipo de espacio creativo colectivo donde los amigos del arte se convierten en familia, todo bajo la luz de las formas de neón torcidas a mano. Michelle y sus compañeros de Snood City “no están aquí para hacer lo que se ha hecho antes” —y se nota.
Hablamos con la artista, que estudió diseño gráfico y escultura en la Arizona State University, para conocer la historia de Snood City, Snoodmen, y su continua misión de fomentar la interacción y el crecimiento a través del arte.
Aquí está Michelle Meyer, en sus propias palabras.
“[Para] mí, el arte no se trata tanto del objeto como del intercambio de ideas y perspectivas que el objeto induce”.
Michelle Meyer, First Friday at Snood City Neon, September 2019. Photo by Matthew Benton.
PhxArt: Cuéntenos de su niñez. ¿Cuándo supo que quería ser artista, y que la motiva a seguir creando?
Michelle Meyer: Nací y me crié en una granja de hierbas orgánicas en los suburbios del noroeste de Chicago. Como hija única, pasé mucho tiempo afuera sola, con mis perros, en excursiones por los bosques de la propiedad en la que crecí.
Estoy bastante segura de que mi autorrealización de que iba a ser una creativa en el mundo llegó a una edad temprana, tal vez a los 6 años más o menos. Mis padres se conocieron trabajando como chefs en el centro de Chicago, y mi inspiración llegó a través de las artes y las manualidades con mi madre, que tiene una inclinación creativa, mientras que mi sentido de los negocios proviene de mi padre, un emprendedor ambicioso. Mi madrina también era una costurera muy talentosa, y aprendí a coser con ella. Tengo recuerdos de mis primeros proyectos artísticos, en los que usaba la arcilla Sculpey para hacer figuritas, cuentas y adornos con los que luego jugaba. El disfraz también fue una gran parte de mi infancia. Me gustaba construir mundos e historias y sumergirme en los personajes.
Mi mayor inspiración hoy en día es acoger las maravillas del mundo y mantener viva la curiosidad. Me esfuerzo por crear cosas que hagan que la gente recuerde que todos tenemos una chispa dentro de nosotros. El mundo puede ser brusco, pero también puede ser hermoso. Se trata de seguir la corriente. Mi objetivo es que mi trabajo inspire algo en los demás. Snood City es la última emulación de eso.
Michelle Meyer, Snood Rangers, 2018. Snood. Photo by Chris Loomis.
PhxArt: Cuéntenos acerca de Snood City. ¿Cuál es su misión? ¿En qué se esfuerza ser?
Meyer: Snood City fue fundada como el reino para que los Snoodmen triunfaran. Snoodmen son criaturas peludas que usan sólo el lenguaje corporal y el movimiento para comunicarse. Tienen una cabeza de paleta y una cara triangular invertida y se dedican a instigar travesuras y a la libertad de expresión.
El Snoodmen original es Pink, que debutó en diciembre de 2013 como parte de la primera instalación que hice mientras estaba en la Arizona State University en el departamento de escultura. Originalmente hice Snoodmen una sociedad de responsabilidad limitada justo después de salir de la escuela como una forma de proteger la idea antes de saber realmente sobre los derechos de autor y las marcas registradas. Parte de este proceso fue reservar el nombre en todos los canales de comunicación disponibles en ese momento. Cuando llegué a la página web, snoodmen.com ya estaba cogida y además no me pareció acertado el nombre, ya que el concepto iba mucho más allá del personaje. Quería crear una plataforma destinada a presentar más que simplemente Snoodmen. Quería que la entidad tuviera la capacidad de ser un mundo entero que pudiera soportar diferentes medios y proyectos.
Snood City fue una idea que me vino a la mente muchas veces y me sonó muy bien. Los Snoodmen surgieron a través de una beca, así que quería crear algo con la capacidad de extenderse más allá de un individuo y apoyar a una comunidad, como la que permitió que los Snoodmen llegaran a existir.
En su estado actual, Snood City, con los Snoodmen como mascotas, funciona como un colectivo de arte, casa de producción, tienda de neón e incubadora empresarial. El lema de Snoodmen y de los residentes de Snood City es: “Mantente poco convencional”. Es una plataforma para la interactividad y el crecimiento donde honramos la fuerza de vida dentro de todos nosotros y la encendemos en aquellos que pueden haber olvidado que la tienen.
Snood Booth, Pot of Gold Music Festival, March 2019. Courtesy of the artist.
PhxArt: ¿En qué medios prefiere trabajar?
Meyer: A medida que pasa el tiempo, me doy cuenta que puede que mi medio preferido sean los objetos encontrados. Ya hay tanto material en el mundo, y a veces sólo necesita un poco de atención. Es ese concepto de “la basura de uno es el tesoro de otro”.
Me gusta trabajar en las artes de la costura y el vestir, que ha sido una gran parte de la creación de Snood City, desde los trajes Snood hasta los peluches, los tocados y las camisetas con logo. También me gusta trabajar en el metal. La gratificación instantánea de la soldadura es emocionante.
Con experiencia en diseño gráfico, tengo un alto conocimiento de Adobe Illustrator y me gusta crear usando ese programa. Me gusta mucho cómo puedo exportar mis archivos a otras máquinas, como una máquina CNC o una cortadora láser. Me encanta este proceso porque me permite llevar algo de 2D a 3D.
También me gusta trabajar con la luz. La luz es un gran medio porque abarca todo. Es la frecuencia, la vibración y, en esencia, la vida. La luz es la forma en que somos capaces de ver, así que es apropiado usarla para contar las historias del mundo. Se puede curvar, como en el caso del neón, o usada como un complemento para iluminar la forma.
PhxArt: ¿Quiénes son sus mayores influencias artísticas?
Meyer: M.C. Escher porque crea imágenes que se mezclan y se extienden más allá de lo que se percibe como natural, y sin embargo, de alguna manera todo encaja perfectamente. Se puede pasar a cada sección sin esfuerzo, y luego dar un paso atrás y maravillarse con las complejidades.
Lisa Frank tuvo un gran impacto en mí cuando era niña, con los colores brillantes y las líneas audaces. Luego las camisetas de banda y el equipo de patinador/snowboarder de mi adolescencia. Los patrones, colores y gráficos realmente resonaron en mí y son lo que me llevó a empezar en el diseño gráfico. Quería crear esos artículos funcionales para vestir en los cuales la gente pudiera vivir—el arte fuera de la pared—porque para mí, el arte no es tanto el objeto como el intercambio de ideas y perspectivas que el objeto induce.
El arte óptico también influyó en mí porque siempre hay más de lo que se ve a simple vista. Cada persona ve una obra de arte óptico de manera diferente según quiénes son y dónde están parados en el cuarto mirándolo.
Erté es uno de mis artistas favoritos también. Sus ilustraciones son atemporales y cuentan una historia tan hermosa. Son tan puras, pero elegantes y ricas en imágenes.
El arte de la moda de Guo Pei y Thierry Mugler es extremadamente inspirador. La teatralidad, la grandeza y la estética icónica de su trabajo es increíble, dando vida a los personajes a través del arte de vestir. En mi trabajo personal, me atrae mucho exhibir en ese formato porque veo la moda como una de las formas más altas de arte. Es el concepto, la artesanía, el diseño, la presentación y la función, todo envuelto en uno. El arte es un concepto vivo y que respira, y me gusta exhibirlo como tal.
“Master Your Monster” Grand Avenue Festival 2019. Video by Marc Silverstein.
PhxArt: ¿Cuál es un proyecto en cual actualmente está trabajando o ha completado recientemente?
Meyer: El mayor trabajo actual ha sido la formación de equipos en este tiempo de aislamiento. En Snood City, a menudo nos preguntamos: ¿Cómo trabajamos todos juntos, cómo nos mantenemos seguros y cómo respetamos lo que ocurre en el mundo fuera de nuestra burbuja? Desde entonces, hemos avanzado y estamos trabajando en una escultura de 10 pies con el artista Sean T French. Es una sirena gigante con aletas de vidrio suspendida en un anillo de 10′ que se exhibirá en su exposición en The Icehouse, la cual se inaugurará el 1 de enero.
Mi serie más reciente, sin embargo, es la Serie Snoodmen, que se terminó en agosto de 2020.
Como mencioné antes, Pink, la Snoodmen original, se estrenó durante mi exposición final del semestre en 2013 en The Icehouse en el centro de Phoenix. Ha habido subsecuentes interpretaciones del traje, ajustando el patrón para conseguir las proporciones correctas. La versión actual (5.0) de Pink Snood ha informado a todas las siguientes versiones, y una vez que conseguí el patrón correcto, empecé a construir un traje Snood de cada uno de los colores originales: rosa, azul, gris y negro. En mi exploración conceptual mientras estaba en la escuela, creé una serie de peluches Snood Dudes usando los colores originales en un conjunto de permutación, por ejemplo un Snood azul con una cara rosada, un Snood azul con una cara negra, un Snood azul con una cara gris, y así sucesivamente con cada color original representado en cada variación.
Hasta hace poco tiempo, había pasado un tiempo desde la última vez que hice un traje Snood; completé Grey Snood en diciembre de 2018. La gente siempre preguntaba, “¿Qué color sigue?”, pero sabía que tenía que hacer uno de cada uno de los colores originales antes de pasar al resto del arco iris.
Luego entramos en el año 2020 y la explosión de la segunda mitad del movimiento moderno de derechos civiles. Estando en el centro de Phoenix, a pocas cuadras del Capitolio, estábamos en el centro de todo cuando las protestas y manifestaciones surgieron. Muchos de nosotros nos involucramos mucho, y Snood City se convirtió en un santuario para que la gente se reuniera antes y en un lugar seguro para volver después y discutir nuestras experiencias y puntos de vista sobre lo que estaba pasando afuera.
Durante una noche especialmente intensa, me di cuenta de que era un momento especial de nuestra historia. Fue muy afortunado que en esta ocasión, el negro fuera el color final del set de Snoodmen en el que estaba trabajando. El concepto que había llegado al mundo hace tanto tiempo había encontrado su tiempo para completarse.
En el transcurso de los meses, empecé a construir el traje. Soy un creyente de que la energía se imbuye y transmite a través de nuestras acciones y puede ser incrustada en los objetos, y el espíritu de responsabilidad, unidad y resistencia es lo que representa Black Snood. Las travesuras se presentan de muchas formas, y aunque este trabajo fue creado con una nota más sombría, es otro testamento del poder del arte y los mensajes que es capaz de transmitir. Black Snood es una representación de los tiempos—lo que ha salido a la superficie y lo que nosotros, como sociedad, necesitamos reconocer y abordar porque tiene un impacto en todos nosotros, directamente o indirectamente. No se puede hacer la vista gorda ante el trabajo que debe hacerse.
Además de esto, nuestro colectivo recientemente completó un mural de concienciación de voto en asociación con NextGen America llamado The Future is Ours (El futuro es nuestro). Creo que el papel de un artista es más que crear cosas visualmente agradables. Estamos aquí para contar las historias de nuestros tiempos. Es muy importante para mí que el mensaje y la cultura de Snood City vaya más allá de lo estéticamente agradable. A través de nuestro trabajo e instalaciones, le recordamos a la gente que nuestra conexión con los demás es profunda, ya que todos estamos hechos de la misma materia—sólo que el exterior es diferente. Y una vez que te das cuenta de eso, te das cuenta del poder que poseemos como grupo y como individuos únicos.
Michelle Meyer, Plastic Priestess, 2018. Upcycled trash objects—water bottles, pop cans, and solo cups. Photo by Chris Loomis.
PhxArt: ¿Qué puede esperar ver nuestra comunidad próximamente de usted y Snood City?
Meyer: Junto con el resto del mundo, estamos en medio de un cambio significativo. En cuanto a lo que sigue específicamente, es difícil de precisar.
Esperamos volver a los eventos mensuales del Primer Viernes en nuestro estudio en Grand Avenue, pero cuando aún es incierto dadas las circunstancias actuales. La mayoría de lo que hacemos es interactivo, y queremos mantener nuestra responsabilidad cívica.
Hay tantos edificios en el centro de la ciudad que sería genial tener instalaciones permanentes o de neón en esos espacios para dar un toque de singularidad a las torres que se levantan a izquierda y derecha.
El arte monumental y público también es algo que nos interesa. Especialmente con las medidas de distanciamiento social, parece que ahora es el momento, más que nunca, en el que el arte público puede ser experimentado por todos, cerca o lejos. El mundo necesita que se le recuerde la belleza de la vida y que somos sólo una pieza del rompecabezas, y ese tipo de arte hace eso. Es una comprobación de la realidad planteada en el lenguaje de la forma—te das cuenta de lo pequeño que eres pero que sigues siendo esencial porque si no estuvieras allí para verlo o interactuar con él, el arte (como el mundo) no existiría.
Michelle Meyer, Octagon Lounge—Phoenix Lights Music Festival 2019. Plywood, UV light, and inflatable dome. Photo by Luis Colato.
PhxArt: ¿Qué consejo les daría a creativos justo empezando su carrera o a quienes están pensando iniciar sus propias empresas en la industria del arte?
Meyer: No tengas miedo de probar cosas nuevas, hazte amigo de la incertidumbre y recuerda el equilibrio. Si estás construyendo un negocio en tu práctica artística, llegará un momento en el que tendrás que hacer sacrificios en el ámbito de la libertad o la diversión—como durante la planificación de negocios o la gestión de cuentas—pero todo forma parte del panorama general. Y en el interés de crear una práctica sostenible, esas cosas son esenciales. Si haces tu debida diligencia, se pagará diez veces más en el futuro. Serás capaz de trascender fuera de la burbuja del mundo del arte porque al aprender a hacer estas cosas, te conectas con el resto del mundo y te das a ti mismo otra avenida. Esto no significa que tengas que conformarte o traicionar tus valores. Mantente fiel a ti mismo y a tu misión, pero toma las lecciones y úsalas para construir algo mejor y más fuerte.
También recuerda que tu red es tu mayor activo. Encuentra gente inspiradora, a la que admires y quieras emular—y preséntate. Sal y experimenta nuevas oportunidades, y asegúrate de tener personas sólidas con las que pueda contar. Asegúrate de que tu visión sea clara, ya que habrá muchas pruebas y tribulaciones. La gente te cuestionará, te cuestionarás a ti mismo, pero tener una visión sólida—y saber que el camino adelante no siempre será recto—te permitirá atravesar las situaciones difíciles y seguir materializando tus objetivos.
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Para descubrir más obras de Michelle Meyer y Snood City, visita www.snoodcity.com o sigue a @snood_city en Instagram. Para preguntas o consultas personalizadas, envía un correo electrónico a snoodmen@gmail.com.
#CuarentenaCreativa
Tenemos curiosidad por saber cómo los creativos navegan en la época del coronavirus. Michelle Meyer comparte lo que le da vida como creativa durante la cuarentena.
Meyer: Al principio de la cuarentena, leía muchos periódicos, y eso era deprimente pero informativo. Es importante saber lo que pasa en el mundo para operar en él y formular tu propia opinión educada.
En Snood City, hemos estado haciendo mucha limpieza y reorganización. Siendo artistas de escultura inmersiva significa que todo es material de arte, así que hay una acumulación masiva de cosas. COVID ha sido purificador de muchas maneras, físicamente y emocionalmente, trayendo la suciedad a la superficie para que pueda ser confrontada. Además, al revisar todos los materiales, se puede ver la historia de la obra y su evolución, y es una liberación dejar atrás obras o materiales pasados y hacer espacio para otros nuevos. Es igualmente liberador descubrir materiales que han estado escondidos y sentirse inspirados a crear algo nuevo con ellos.
El mayor resquicio de esperanza de COVID-19, sin embargo, ha sido la perspectiva que ha dado a todos. Todos nos preguntamos: ¿Estás feliz contigo mismo, con tu hogar, con tu vida? Afortunadamente, mi respuesta es mayormente afirmativa, en gran parte debido a la increíble comunidad que es Snood City. El primer día de la implosión de la pandemia, amigos y compañeros artistas nos ayudaron a saber que si necesitábamos algo, ellos estaban allí. Fue y sigue siendo una cosa hermosa—saber que la red/comunidad en la que has vertido tu vida te cubre las espaldas cuando cuenta, en la enfermedad y en la salud. Vale su peso en oro, realmente no tiene precio. Somos un equipo de “cabalgar o morir”, y es un punto de orgullo para el colectivo. No se trata sólo de ti y de tu arte como una entidad singular—es una ciudad, y todos tenemos nuestro papel para ayudarla a prosperar y mantenernos responsables. Lo que es bueno para uno es bueno para todos, y lo celebramos.