Apr, 25, 2020
Arte
Que haya luz
De lo científico a lo metafórico, la luz es inextricablemente unida a la experiencia humana. En muchas tradiciones religiosas, es el primer acto de creación. En la ciencia, las partículas de luz, moviéndose rápidamente a través de nuestro universo, contienen todos los colores del espectro. En el lenguaje metafórico, la luz puede simbolizar el conocimiento, la sabiduría, la esperanza y la ascensión a un plano de consciencia más alto, transformándonos de lo telúrico a lo divino. Y a veces, solo es… luz. Ay, pero que tantas cosas vemos cuándo recordamos prender la luz.
Explora estas esculturas e instalaciones de la colección del Museo que iluminan nuestras galerías y espacios y provocan nuevas ideas sobre la convergencia de la luz y la tecnología.
Mike Kelley 13 (2008) por Jennifer Steinkamp
Jennifer Steinkamp ha sido una pionera de la animación digital desde principios de la década de 1990, trabajando con proyecciones de medios digitales para explorar la arquitectura, el espacio, el movimiento y la percepción. Esta obra por la artista estadounidense fue construida digitalmente por computadora sin uso de imágenes existentes y representa un árbol agitado por el viento cambiando con las estaciones. Constantemente en movimiento, no tiene inicio o fin e imita los cambios incesables de la naturaleza y la tecnología.
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Yayoi Kusama, You Who are Getting Obliterated in the Dancing Swarm of Fireflies (Tú que estás siendo obliterado por una multitud de luciérnagas danzantes), 2005. Mixed media installation with LED lights. Museum purchase with funds provided by Jan and Howard Hendler.
Tú que estás siendo obliterado por una multitud de luciérnagas danzantes (2005) por Yayoi Kusama
Posiblemente la obra más icónica y popular de la colección del Museo, esta instalación, comúnmente conocida por la comunidad como Luciérnagas, es un ejemplo de uno de los cuartos de espejo infinitos aclamados de la artista japonesa, los cuales existen en museos por todo el mundo. Nacida en Japón en 1929, Yayoi Kusama encontró inspiración para sus obras en las alucinaciones de las que padeció desde niña en cuales la luz y muchos puntitos invadían su vista. De muchas maneras, sus salas espejadas infinitas son recreaciones de la experiencia de este fenómeno visual. Luciérnagas, que solo puede ser verdaderamente experimentado en vivo, está lleno de puntitos de luz que cambian de color lentamente creando la ilusión de viajar entre las estrellas en un universo sin limite. ¿Pero cómo lo hizo Kusama? En realidad, la instalación inmersiva aparentemente infinita es un cuarto rectangular de aproximadamente 7.5 metros cuadrados con paredes espejadas, techo de Plexiglass, y piso de granito negro pulido. ¿Y ese despliegue sin fin de estrellas o luciérnagas? Es solo el reflejo de 250 luces LED suspendidas.
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La última superficie de dispersión (2006) por Josiah McElheny
Diseñada para el amplio Greenbaum Lobby, esta icónica escultura de vidrio, comúnmente referida como araña de luz o copo de nieve de vidrio, es típicamente una de las primeras obras de arte con cuál los visitantes del museo se encuentran. Parte de la serie “Big Bang” del artista estadounidense, la escultura intenta a explicar la creación del universo, su centro brillante emitiendo extensiones radiantes que aluden a la teoría que el universo emergió rápidamente de un estado extremadamente denso hace más de 14 mil millones de años. El título de la escultura viene de un término científico describiendo el momento en cual el universo se convirtió de densamente opaco a diáfano cuando las partículas de luz se separaron de la materia y empezaron a viajar libremente a través del espacio. El diseño del objeto está basado en una araña de luz encargada en 1965 para la Metropolitan Opera House en Nueva York.
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Glenn Ligon, Palindrome #1 (Palíndromo No. 1), 2007. Neon. Museum purchase with funds provided by Contemporary Forum, Adam and Iris Singer, and anonymous donor.
Palíndromo #1 (2007) por Glenn Ligon
Una de las oportunidades más famosas para tomar un ‘selfie’ es en frente de esta escultura de neón por Glenn Ligon, conocida por su frase: “Face Me I Face You” (enfréntame, yo te enfrento). En realidad, la escultura se titula Palindrome #1 (Palíndromo No. 1), aunque los escritores y gramáticos por igual frecuentemente son los primeros a indicar que la frase no es un palíndromo verdadero. Cuando se trata de las palabras, suponemos que están correctos—excepto que la intención de Ligon era crear un palíndromo conceptual y no verbal. Aquí él se extiende más allá de lo gramatical. Sus palabras “enfréntame, yo te enfrento” se refieren a la idea de que, en cualquiera relación, “yo” y “tu” podrían referir igualmente a cualquier de los dos partidos en un intercambio. Esta obra es un buen ejemplo de la trayectoria artística de Ligon, cuyas obras frecuentemente exploran cuestiones de la raza, el lenguaje, el anhelo y la identidad.