Over his career, Bryan’s work has been recognized by a number of awards, including the Flagstaff Arts Council’s 2016 Excellence in Visual Arts Award, and a 2016 Contemporary Forum Artist Grant from Phoenix Art Museum. He has exhibited his installations and photography at venues across world, including in Arizona, California, Oregon, Massachusetts, and China, and his work is in the permanent collections of the Museum of Fine Arts Houston, the Center for Creative Photography, and others.

We spoke with Bryan to learn about his process and continued evolution. Here he is, in his own words, on his practice, his artistic influences, and more.

“The thing about fire and natural materials is that they don’t bend to my will like human-made art materials do. They have a mind of their own.”

Bryan David Griffith, Portrait. Courtesy of the artist.

PhxArt: Tell us about who you are and what typically inspires your work.

Bryan David Griffith: I make my living as an artist, but I consider myself more of a thinker and a dreamer. I wander about at my own slow, meandering pace and generally do things the hard way. As a young boy, I spent a lot of time by myself in the woods. It’s still a place where I can go to recharge and get out of my head. Nature is full of colors and forms that are far more nuanced than anything I could come up with in the studio. I never know when inspiration may strike. The more time I spend outside, the more I stack the deck in favor of serendipity. A few years ago, I was out hiking after a windstorm and came across an aspen that had just blown down near the trail. I walked up to the top of the tree and stuck my head in. A field of leaves fluttered around me. In that moment, I envisioned a form to go with the concept of aspen regenerating, which I’d seen at a wildfire site I had visited a couple years prior. That’s how the installation Rebirth in my current exhibition Rethinking Fire was born.

Installation view of Rethinking Fire, 2022 at World Forestry Center Discovery Museum. Courtesy of the artist, Photo: Jonathan Ley.

PhxArt: When did you know you wanted to be an artist? What was your first inspiration?

BG: I felt I was missing a creative outlet when I was an engineering student at the University of Michigan. One summer, I found a 1970s photography book by Henry Horenstein in the mothballed darkroom of the camp where I worked. There, I found my first inspiration. I taught myself photo printing in that darkroom with that very book. Senior year, I cobbled together a makeshift darkroom with garage-sale parts in the basement of an old house I was sharing with seven friends. I tried and failed to make prints like the Ansel Adams photos I had seen in the University of Michigan Museum of Art. Still, I was hooked on photography and kept at it.

I got hired by a management consulting firm out of college and moved to Chicago. It wasn’t engineering but, instead, a more lucrative job that everyone in business school wanted, so I was lucky to get it. But a few years in, I didn’t like the person I was becoming. I didn’t feel good about my project or about the environmental implications of what my client was doing. In a fit of idealism, I wrote a letter to all my coworkers and resigned. I bought an old van to live out of and hit the road to build a portfolio and make a living as a photographer. If I knew how difficult it was going to be, I might not have had the guts to do that. My naïveté helped me find the courage.

Sure enough, I lost about everything I had within the first year. Nevertheless, my work was getting better just from the sheer number of hours spent camping out and learning how light moves across the landscape. By the end of the following year, I sold enough work to get by and considered renting a place. My van happened to break down in Flagstaff. It was a gorgeous autumn, and the aspens had just started to change. I never left. I fell in love with the landscape and then my future wife, who grew up in Flagstaff.

PhxArt: Tell us about your process and how it’s evolved.

BG: My process has evolved dramatically in ways I didn’t expect. I started out with a big old bellows camera, making meditative photos of the solace I found in nature. I wanted to inspire people to visit and help preserve our wild landscapes. Then, I started making more experimental, alternative-process photos with scavenged homemade equipment. That series featured small figures finding their way, acting as metaphors for my own memories. In 2014, I received a grant to study wildfire with scientists and create photos for a yearlong group project called Fires of Change. Partway through the project, I realized my photography wasn’t the right way to tackle the concept I was after. So I took a hard left turn into experimental painting, sculpture, and installation with natural materials. When that group exhibition opened, my own friends didn’t know which work was mine because it was so different. From there I kept wandering off the map. I am now an artist-at-large, which is both liberating and terrifying!

Bryan David Griffith, Traces I & II, 2020.Smoke from fire accumulated in encaustic beeswax on wood panel. 30 x 30 x 2.5 inches (per panel). Courtesy of the artist and Bentley Gallery.

PhxArt: Do you work in a particular medium, and if so, why?

BG: I no longer define myself by media. These days, anything goes! For the last couple of projects, I started out with the concept and then experimented until I came up with my own way of making it that married well with that concept. Those projects deal with environmental and climate issues around wildfire and water, so I used a lot of foraged natural materials, which roots the work in the landscape it’s about. The thing about fire and natural materials is that they don’t bend to my will like human-made art materials do. They have a mind of their own. The work is more of a conversation, a dance with a stranger who speaks a different tongue. When it works, there’s a primal energy beneath the surface of the piece. The wild and calm coexist. That juxtaposition between the organic and geometric speaks to the relationship between nature and humanity.

Working this way has led me into some unexpected grey areas between media that hopefully feel fresh and authentic. In my latest exhibitions, I even change media within the same body of work. That sounds like a mess, but with closely related forms, palettes, and concepts running through the show, it holds together and keeps the viewer on their toes.

PhxArt: Who are your greatest artistic influences?

BG: Like all artists, I stand on the shoulders of many who have come before me. In terms of impact, my biggest influences were my high school art teachers, Jill Waskowsky and Dee Fitzsimmons. They encouraged me by entering my paintings in competitions, while also pushing me after class to think more deeply about concept and design. Without them, I wouldn’t be where I am today. When Dee learned I was going to study engineering, she said, “Just remember, the art school is across the street. No matter what you do, you’ll always be an artist inside.” I tried hard to ignore that, but it turns out she was right.

I draw a lot of inspiration from conversations with other artists, including musicians, writers, dancers, and others at all levels. Creatives of all types survive by being resourceful, nimble, and brave. We are all digging for the same fire, tapping into the same joy, tragedy, and mystery of the human experience. When my enthusiasm wanes, the passion in a young artist’s work can fire me up again. Sometimes those conversations can lead to unexpected ideas. One day, I was talking with my wife about one of her natural dye experiments. I realized that she was manipulating the same chemical reaction that I had been using in alternative-process photography, just from the opposite side of the equation. Thinking about that in my wife’s perspective opened up a new variation of the process I hadn’t seen published anywhere. Not only new ideas but also new techniques can come from thinking outside a single medium silo.

Bryan David Griffith, Rebirth, 2021. Aspen leaves preserved in beeswax, burned conifer debris from fire site. 60 x 60 x 120 inches. Courtesy of the artist.

PhxArt: What’s something you’re currently working on or have recently exhibited?

BG: I currently have a solo exhibition at the World Forestry Center Discovery Museum in Portland called Rethinking Fire. The response has been very positive, and I’m happy to announce that the museum is going to extend it until summer 2023. It’s about wildfires and takes up half of the entire second floor of the museum with experimental paintings, sculptures, and four major installations. I created each piece by burning or salvaging materials from fire sites. Everything in the show was on fire at some point! I‘ve collaborated with scientists to make work in this series since 2014. This version of the show features quotes and issue text contributed by a number of scientists, including Paul Hessburg from the Forest Service Pacific Northwest Research Station, who helped edit and joined me for the opening lecture. Collaborating with passionate scientists like Paul inspires me to think in new directions. You can see a short video interview and walkthrough of the show here.

Bryan David Griffith, Monsoon Flowers, September Seeds, 2021. Cyanotype, foraged natural dyes and pigments, acrylic on canvas with wood. 58 x 50 x 4.5 inches. Courtesy of the artist.

PhxArt: What is some advice you’d give to aspiring artists just beginning to build their professional practice?

BG: Get out there and get your hands dirty. The only way to make good art is to make lots of bad art first. When you get to a place where you’re making good art, keep taking chances and allowing yourself to fail. It’s easy to stagnate once you find something that works and people are buying it. But art must evolve to keep its magic.

Also, realize that courage and persistence are more important than talent. Success in the arts depends on being in the right place at the right time. The odds of winning any given opportunity are slim. So focus on what you can control: make the best, most relevant work you can and try again and again in the face of rejection. Seek out criticism and learn from those rejections, but don’t judge yourself by them. Judge yourself by whether you’ve given your best shot. Celebrate each time you send in a submission instead of waiting for the results.

PhxArt: What can our community expect to see next from you? Anything on the horizon?

BG: I have a project about water and climate change called Watershed, which I’m in the process of expanding and looking to showcase at some point in the Valley or Tucson. I started a new band called The Carbonics and have been writing a lot of songs. It’s fun to have another creative outlet that doesn’t carry the same expectations as my art practice. This fall, I was out hiking and once again came across two huge downed aspen trees, this time cut down to protect power lines. I gathered thousands of their leaves for a future installation idea.  My work is challenging to make. Most of it has to be made outside when the weather is favorable and materials are in season. I can’t just go into the studio and churn things out. But the greater challenge is finding ways to fund and venues to host my work, especially when we are talking about installations that take hundreds of hours to complete. The truth is, I have proposals out there, but I don’t know if any will come to pass. More than once, things have looked dire, but then a grant comes through or a collector buys a big painting and that enables a project to happen.

David Bryan Griffith, Broken Equilibrium & Reconstruction, 2015. Trees from thinning projects and wildfire sites. 162 x 158 x 96 inches. Courtesy of the artist.

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To see more artwork by Bryan David Griffith, visit bryandavidgriffith.com or follow him on Facebook and Instagram @bryandavidgriffith. To see more artwork in-person, visit Bentley Gallery in Phoenix. To hear more about his band, The Carbonics, visit their Instagram @TheCarbonics.

Bryan David Griffith, Fissure, 2016. Smoke from fire accumulated in encaustic beeswax on panel. 30 x 30 x 2.5 inches. Courtesy of the artist.

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We spoke with Ernie to learn more about his inspirations and projects that have landed him in publications from The New York Times to National Geographic. Here he is, in his own words, on his preferred medium, his artistic influences, and more.

“[P]hotography has provided me a medium to communicate my past and present, my humor and concerns, and my observations and explorations.”

Ernie Button, Self-portrait, 2017. Photo: Melissa M. Button.

PhxArt: Tell us about who you are and where you’re from. What was your first inspiration, and what continues to inspire your work?

Ernie Button: I have been a resident of the Phoenix Metro Area for over 45 years. I have always been interested in the creative arts, from writing, to performing, to music. I have been involved in photography since my early teenage years. However, I didn’t really know anything about the art world until my wife went to graduate school for fine art painting. Her experience there opened my eyes to the art world, which fascinated me. Since that time more than 20 years ago, I have been exhibiting my work, showing and sharing my photography as much as time will allow.

PhxArt: What are the media that you prefer to work in, and what topics and styles do you focus on?

EB: I consider myself a photographer that has dabbled in other forms of print media, like printmaking. For most of my adult life, photography has provided me a medium to communicate my past and present, my humor and concerns, and my observations and explorations. Although my subject matter varies, my images tend to focus on the individual nature of objects (and occasionally people) and the unique qualities that each possesses. My images often provide a voice to objects that are overlooked or taken for granted.

Some standout projects for me include Back and Forth, which documents the disappearing coin-operated grocery-store ride; Riding Through Lishui, which documents my travels through the streets of Lishui, China, where coin-operated grocery-store rides line the city streets; and Cerealism, which features portraits and landscapes created with breakfast cereal. Also of note is Vanishing Spirits: The Dried Remains of Single Malt Scotch. After a person has enjoyed the last drop of Scotch Whisky, the liquor’s residue leaves fascinating patterns in the bottom of the glass, which I then photograph. I have been exploring this topic for 15 years now, and the project has evolved from straight documentation to experimentation to celestial representation.

Ernie Button, Macallan 150, 2012. Archival pigment prints. Courtesy of the artist.

PhxArt: How has your practice evolved over the years?

EB: I have a full-time job outside of photography, which allows me to create the projects and images that I want. However, there is not always enough to time to create and explore as much imagery as I would like. So, over the years, I’ve had to be more focused on a project and be more organized with my time.

PhxArt: Who are your greatest artistic influences?

EB: I am constantly inspired by the talent and positive attitude of my wife. Other artists who inspire me include Leonardo da Vinci, Michelangelo, Picasso, Michael Kenna, Keith Carter, Richard Misrach, Todd Hido, Greg Crewdson, Shana and Robert ParkeHarrison, Lori Nix, Susan Burnstine, Albert Watson, Odd Nerdrum, and Zaha Hadid.

Ernie Button, Capitol Mount Rushmore, 2012. Archival pigment prints. Courtesy of the artist.

PhxArt: Tell us about your work as a teacher. What first inspired you to become an arts educator, and how does this work inform your personal practice?

PS: I am an information sponge and a curious person. I am very enthusiastic about art, culture, ceramics, and sharing my enthusiasm. I like getting people excited about ideas and art that I love and learning from my students. I love the problem-solving involved with teaching art and the endless iterative creativity demonstrated by artists. Every semester, I choose a different area of my field as a focus. Creating the assignments and lectures focusing on the chosen topic is endlessly stimulating.

Ernie Button, Planet Macallan 101, 2015. Archival pigment prints. Courtesy of the artist.

PhxArt: What’s something you’re currently working on or have recently exhibited?

EB: Vanishing Spirits has been an internationally recognized project featured in such publications as The New York Times, National Geographic, Smithsonian Magazine, NPR, Huff Post, Wired, and Esquire. It is an ongoing project of never-ending fascination to me. It is an ongoing project of never-ending fascination to me.  Images from this project have been collected into a book called The Art of Whisky which was released in May 2022 by Chronicle Books. I’m very, very excited for it to be in the world.

Recently, I’ve been experimenting with a Japanese rice-based whisky by the name of Shibui. Because of the different grain used compared with Scotch (which is made with barley), the resulting patterns yield very different, much more organic patterns than the more rhythmic and repetitive patterns of Scotch.

Ernie Button, The Glenlivet 162, 2004. Archival pigment prints. Courtesy of the artist.

PhxArt: What is some advice you’d give to aspiring artists just beginning to build their professional practice?

EB: Most of what I’ve picked up throughout my time on this earth has been more practical life advice, most of which can be applied to making art.

• Work hard at everything you do.
• Everything in moderation, i.e. strive for balance.
• There is always someone working harder than you.
• Invest money at an early age and take advantage of compounding interest.
• Success comes in cans, not cannots.

Ernie Button, Grape Nuts Dune #9, 2004. Archival pigment prints. Courtesy of the artist.

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To see more artwork by Ernie Button, visit www.photoeye.com/erniebutton or follow him on Instagram @erniebutton. To learn more about his Vanishing Spirits project, follow @vanishingspirits_erniebutton.

Ernie Button, Cheeramids #3, 2004. Archival pigment prints. Courtesy of the artist.

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Deborah Harris, Portrait. Courtesy of the artist.

PhxArt: Cuéntanos quién y de dónde eres. ¿Cuál fue tu primera inspiración?

Deborah Harris: Nací en Oneonta, Nueva York, en 1949, y dibujo desde que tengo memoria. Tuve mi primera experiencia diaria a la pintura a los 9 años. Mi familia se había mudado a Tucson, donde asistí a una escuela pública cercana. Cuando mi maestro se dio cuenta de que podía leer y escribir por encima del nivel de cuarto grado, tuve la oportunidad, junto con un par de otros estudiantes, de ser recompensada con un tiempo tranquilo en la parte de atrás del salón de clases. Había un caballete de madera de dos lados, así que dos de nosotros podíamos pintar todo lo que quisiéramos al mismo tiempo, con una variedad de pinturas al temple, pinceles y papel.

A partir de entonces, a través de cada nivel de mi educación hasta la universidad, siempre me inscribí o me colé en clases de arte. Aprendí algunos conceptos básicos: cómo estirar lienzos, dibujar, usar materiales, etc. De 1973 a 1976 viví en México, donde pintaba todo el día mientras mi esposo asistía a la escuela de medicina. Fue entonces cuando realmente comencé el proceso de convertirme en autodidacta. Estudié The Artist’s Handbook de Ralph Mayer y leí libros sobre varios artistas, absorbiendo sus historias y pinturas. Convertí una habitación en mi estudio e hice las cosas habituales; hice bodegones de arreglos de frutas al estilo de Cezanne, trabajo figurativo basado en fotografías y muchos bocetos. Sobre todo, lo que aprendí durante ese período fue el valor de los cuadernos de bocetos. No podía permitirme hacer lienzos en la escala que hago ahora, así que solía planificar mi trabajo con mucho cuidado. No tenía la libertad de comenzar con un lienzo en blanco, así que hice varios bocetos para cada pieza terminada. No quería hacer pinturas que tuviera que borrar, la pintura era demasiado preciosa. Diría que comencé a considerarme una artista activa en Guadalajara y, posteriormente, al regresar a Tucson cuando comencé a dividir mi tiempo entre un trabajo de medio tiempo y la pintura.

Deborah Harris, A Primary Defense, 1992. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.

PhxArt: ¿Cómo ha evolucionado tu carrera desde entonces?

DH: Cuando me mudé a Albuquerque en 1978, me enamoré de la luz y los paisajes “blancos” del alto desierto. Fui miembro de un colectivo de artistas del centro y participé en varias exposiciones colectivas. Tuve a mi hijo en 1980, por lo que tenía que trabajar con un horario apretado de siestas, pero saqué una página del libro de Barbara Hepworth. Estaba decidida a ser una artista seria y una madre. No tuve cinco hijos durante una guerra en una comuna de arte rural, así que, si ella podía hacerlo, sabía que yo también podía hacerlo. Tenía una obra considerable cuando tuve la fortuna de conocer a Raymond Jonson, quien, para mi deleite, entendía y amaba mis pinturas. Me puso en el expediente para mi primera exposición individual en la Raymond Jonson Gallery de University of New México. Algunas piezas se vendieron y, a partir de entonces, me convertí en miembro de la Performance Gallery de Arlene Wackerbarth. Estaba rodeada de artistas mayores que yo de los que podía aprender y cuyo trabajo respetaba, como Jaune Quick-to-See Smith. Fui profesora invitada en los Seminarios de Verano del Departamento de Filosofía de la University of New México en 1981 y 1982 en el D.H. Lawrence Ranch en Taos.

Después de mudarme a Phoenix en 1982, exhibí en Ashland Folk Collective en una galería del centro y luego me invitaron a ser miembro de la Galería Ianuzzi. También tuve una exhibición de seis meses en la Biblioteca Pública de Peoria. En 1991, gané un concurso con jurado juzgado por la historiadora y crítica de arte Arlene Raven en la Phoenix Gallery de la ciudad de Nueva York y me convertí en miembro de la galería. Unos años más tarde, fui invitada por el curador del James A. Michener Art Museum en Doylestown, Pensilvania, a participar junto con otros tres artistas en la exposición SURFACE, SYMBOL, PSYCHE: Contemporary Abstract Painting, del 22 de marzo al 8 de junio de 1997. He sido miembro de “The Breakfast Club”, invitada por Beth Ames Swartz, desde 2004 y he estado en varias exposiciones colectivas a lo largo de los años. También he participado en la subasta y eventos del ‘Contemporary Art Forum’ de Phoenix Art Museum.

PhxArt: ¿Qué te motiva a seguir creando?

DH: Diría que me motiva la necesidad de comunicar visualmente lo que no se puede comunicar de otra manera. Me doy cuenta de que he tenido que dominar el lenguaje de la pintura para comunicar lo que es más importante para mí, y que este dominio se ha desarrollado y evolucionado junto con mis prioridades a lo largo de mi vida. En retrospectiva, mientras atravesaba las experiencias de enamorarme, criar hijos, enterrar a mis padres, mantener un matrimonio y sobrevivir al cáncer, mis pinturas se movieron a mi lado. Sirven como registro y testimonio de mi vida, desde mi perspectiva, en mis términos, en la forma en que quiero que se cuente mi historia, que es un esfuerzo radical en sí mismo. Es un regalo tan maravilloso, y me trae mucha alegría.

Deborah Harris, End of Innocence, 1998. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.

PhxArt: ¿Cuáles son los medios en los que prefieres trabajar?

DH: Trabajo casi exclusivamente con pintura al óleo y en lienzos grandes, típicamente de 60×72 pulgadas. Empecé a hacer estas pinturas más grandes mientras estaba en Tucson porque tenía un estudio más grande y más recursos. También descubrí que trabajaba mucho mejor en esa escala.

Cuando trato de explicarle a la gente por qué trabajo a esta escala, les digo que la escala es realmente una referencia a mi experiencia encarnada. En mi mundo, todo es más grande que yo. Entonces, era perfectamente normal que yo fuera más pequeño que mis pinturas. Además, después de trabajar en papel y con un presupuesto, todo ese espacio en blanco me dio una libertad que no había tenido antes, y cuando terminé las pinturas, ¡sentía una sensación de poder! Porque, hay que recordar, las probabilidades no estaban a favor de las mujeres artistas en ese momento, como dejaron claro las Guerrilla Girls; era más probable que entraras en un museo como sujeto desnudo que como artista. No quería que nadie supiera que era mujer; era una desventaja para las competiciones. Quería que mi trabajo hablara por sí mismo, tomara espacio y se anunciara de manera inequívoca.

También encuentro que la pintura al óleo, a diferencia de la acuarela o el acrílico, es mucho más maleable e inicialmente mucho menos permanente y más adaptable a una variedad de medios. Además, puedo hacer paletas vibrantes en aceite. La técnica de Gerhard Richter para aplicar capas de pintura marcó una diferencia categórica en mi aplicación, para raspar y quitar capas y llevar el tema de la superficie aún más lejos.

Deborah Harris, Baile de Mascaras, 1988. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.

PhxArt: ¿Cuáles son los temas y sujetos en los que más te enfocas y cómo te interesaste en ellos?

DH: Después de la universidad, trabajé en el Programa de Model Cities Program—un programa financiado por el gobierno federal para fomentar la participación cívica con los gobiernos municipales y estatales y ayudar a mejorar las condiciones de vida y las obras públicas, con el subtexto de lograr la cooperación entre múltiples grupos minoritarios. El compromiso cívico y la representación de las minorías siguen siendo importantes para mí. Los temas políticos a menudo se abren camino en mi trabajo de manera sutil porque mi trabajo rara vez es figurativo. Mi práctica de la pintura me ofrece una forma encarnada de comprometerme y luchar contra la realidad del mundo, con todas sus desigualdades y dualidades junto con la belleza cautivadora y la perseverancia del espíritu humano. Todo eso se abre paso en mi trabajo.

Al principio de mi carrera artística, estaba enamorada de los constructivistas rusos, por lo que mis pinturas de esa época tenían bordes duros: colores planos dentro de formas geométricas. Ahora reconozco que estaba pintando tanto formas abstractas del mundo real como aquellas que comenzaron a emerger de mis paisajes internos. Estaba desarrollando mi propio “lenguaje” a través de la forma, el color y la composición. En muchos sentidos, el tema de mis pinturas es la pintura misma y mi experiencia de interactuar con ella, para manipularla de la forma prevista. En mi estudio de ensueño de Peoria, comencé a explorar nuevos enfoques tanto para la superficie como para las formas. Me tomó cerca de cinco años liberarme de mis restricciones constructivistas autoimpuestas. Eventualmente, creé mucho trabajo que hacía referencia al arte indígena y la luz profunda, el espacio y la forma del paisaje del desierto de Arizona.

Diría que mi arte es a menudo una reacción a la política global y un intento de procesar invasiones sin sentido y guerras sin sentido. Ahora me doy cuenta de que mi acercamiento al lienzo podría transformarse en una sola instancia de reconocimiento artístico: un asentimiento de otro como si me estuvieran dando permiso o aprobación para ser más atrevido, para convertirme más en el artista que quería ser. Este fue el caso después de que me encontré con el trabajo de Anselm Keifer, cuyo trabajo trata sobre la historia cultural fuertemente tabú de la Alemania posterior a la Segunda Guerra Mundial. La escala del trabajo fue impactante, y el contenido fue brutal, y me causó una gran impresión, no solo los aspectos emocionales y visuales, sino también los métodos de construcción. Decidí que, si quería, podía hacer pinturas más grandes y podía extender este aspecto narrativo a mi propio trabajo. Después de ver su obra, comencé una de mis pinturas más grandes, el Baile de máscaras, también llamado retrato de familia, que es masivo y bastante severo. Todos se ven un poco como si pudieran matarte. Creo que esto sirvió como un punto de inflexión en lo personal y narrativo que permitiría que se convirtieran mis pinturas.

Deborah Harris, Ghost Girl, 1993. Acrylic. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.

PhxArt: ¿Quiénes son tus mayores influencias artísticas?

DH: La mayor parte del tiempo cuando estoy en mi estudio, escucho música mientras pinto. Algunas de mis pinturas se ven influenciadas por lo que estoy escuchando. Lighten Up While You Still Can Gustave es mi reacción visual a la 9ª Sinfonía de Gustav Mahler, por ejemplo. También escucho mucha música de África Occidental y Medio Oriente, incluidos Habib Koité y Ali Farka Touré. También me encanta escuchar las composiciones musicales de Keith Jarrett y The National.

Me inspiro en la obra de Clemente, Modigliani, Joan Miró, David Hockney, Arshile Gorky, Piet Mondrian, Édouard Manet, Pablo Picasso, Robert Motherwell, Helen Frankenthaler, Jasper Johns, Francis Bacon, Gustav Klimt, los pintores de la Bauhaus, Henri Matisse , Marc Chagall, Richard Diebenkorn, Susan Rothenberg, Max Beckman, Christo Vladimirov Javacheff, Berthe Morisot y Mary Cassatt. Más directamente, mi trabajo ha sido influenciado por los artistas con los que compartí espacio o valores, como los trascendentalistas de Taos y Santa Fe en Nuevo México, Deborah Remington, Barbara Hepworth, Mark Rothko, Joan Mitchell, y el efecto acumulativo de ver múltiples exposiciones. en el Heard Museum a lo largo de los años.

PhxArt: ¿Qué consejo le daría a los aspirantes a artistas que recién comienzan a construir su práctica profesional?

DH: No puedes intelectualizarte a ti mismo para ser un artista. La única forma en que puedes ser el artista que deseas ser es continuar haciendo tu arte, pase lo que pase. No se desanime por las reacciones o críticas que pueda recibir. Recuerda que eres el juez más importante de tu trabajo. Principalmente, no se desanime por la falta de aviso o aplausos. Date tiempo y espacio para progresar en tu trabajo. Aproveche todas las oportunidades disponibles para mostrar su trabajo en público y ver todo el gran arte que pueda en persona.

Además— y aprendí esto de la manera más difícil — para un artista, incluso la mala prensa es valiosa. He sido criticado en la misma página que algunos artistas fantásticos, incluido Manuel Neri, y posteriormente defendido por críticos de arte elogiados. Resulta que una de las mejores maneras de hacer que la gente abra la puerta a tu vacante es obtener una crítica terrible en el periódico.

Deborah Harris, To Another Universe, 1993. Oil on canvas. Courtesy of the artist, Photo: John Ormand.

PhxArt: ¿Qué puede esperar nuestra comunidad a continuación de ti?

DH: Finalmente he creado un sitio web maravilloso, y siempre estoy feliz de encontrar oportunidades para exhibir en galerías y museos. Principalmente, vendo mi trabajo directamente desde mi estudio, pero también siempre estoy buscando lugares para exhibir. En cuanto a generar algo nuevo, estoy trabajando en mi autorretrato de una vez cada 25 años… puede llevar un tiempo.

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Para ver más obras de arte de Deborah Harris, visita www.deborahharrisart.com o síguela en Instagram @deborahharrisart.

#CUARENTENACREATIVA

PhxArt: Tenemos curiosidad por saber cómo navegaron los creativos la época del coronavirus. Deborah Harris comparte lo que le dio vida durante la pandemia.

DH: Tengo amigos y familiares muy cercanos con los que me mantuve en contacto. Hacíamos FaceTime y hacíamos cenas por Zoom. Realmente maximicé el pilates virtual. Finalmente pude ver a mis hijos y nietos en persona para recibir abrazos apropiados el verano pasado. COVID fue una experiencia muy extraña. Soy una sobreviviente de cáncer y estoy inmunocomprometida, por lo que estuve casi completamente aislada desde marzo del 2020 hasta febrero de 2021 cuando comenzaron las vacunas y sigo con las vacunas de refuerzo, lo cual es un alivio, pero en verdad, cuando pienso en los problemas que enfrenta nuestro mundo, junto con el caos adicional de la pandemia, todo ha sido tan psicológicamente adormecedor. No creo que me haya recuperado completamente de algunos aspectos del aislamiento y la preocupación constante por nuestro planeta, y la violencia sin sentido en nuestro mundo.

Pero no me asusto. Leo con voracidad. Leo The New York Times de cabo a rabo todos los días, The New Yorker y The New Republic. Antes de la pandemia, frecuentaba la biblioteca para sacar tantos libros y películas extranjeras como me permitían. ¡Me encantan las películas extranjeras! Estoy profundamente afectado por la violencia racial viciosamente cíclica. Y estoy confundido por el movimiento anti-ciencia en Estados Unidos, pero encuentro consuelo en permanecer despierto a él. También hago hincapié en apoyar económicamente a las instituciones que brindan valor y alivio a quienes más lo necesitan porque es muy difícil tener un impacto político sin recursos.

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Usando el medio fotográfico como herramienta, Rembrandt combina técnicas de glitch y datamoshing para generar artefactos digitales dentro de las imágenes que se encuentran en los medios masivos, incluyendo el cine, la televisión e internet. Su trabajo, que se exhibió más recientemente en Walter Art Gallery, explora los medios de comunicación y sus efectos en la historia social y política a través de la imagen en movimiento.

Here’s Rembrandt Quiballo, in his own words, on his inspirations, photographic manipulation, and more.

“He usado imágenes realmente difíciles y filmaciones de guerra realmente viscerales en mi trabajo, pero esto me ha ayudado a procesar algunas de las partes desagradables de la humanidad. Y al final, siento que todavía hay esperanza”.

Rembrandt Quiballo, Portrait. Courtesy of the artist.

PhxArt: Cuéntanos sobre quién y de dónde eres. ¿Cuál fue tu primera inspiración y que continúa inspirando to obra artística?

Rembrandt Quiballo: Nací en la ciudad de Manila en Filipinas. Mi padre era mecánico de aviones quien trabajaba en todo el mundo y mi madre cuidaba de la familia. El asesinato de Benigno S. Aquino Jr. por parte del régimen gobernante provocó un gran malestar social y político en Filipinas, lo que obligó a mi familia a abandonar el país. Vivimos brevemente en Arabia Saudita y los Países Bajos por el trabajo de mi padre y finalmente emigramos a los Estados Unidos. Estas experiencias me expusieron a las disparidades políticas y sociales en todo el mundo a una edad temprana y continuarían influyendo en mi vida y práctica artística.

Crear arte es a la vez gratificante y terapéutico para mí. Mi trabajo me brinda la plataforma para expresarme a mí mismo y mis puntos de vista sobre todo lo que existe. Me ha dado un propósito y una lente a través de la cual experimentar la vida. La vida sería aburrida sin el arte. Cualquier cosa puede ser utilizada para tu arte. He usado imágenes realmente difíciles y filmaciones de guerra realmente viscerales en mi trabajo, pero esto me ha ayudado a procesar algunas de las partes desagradables de la humanidad. Y al final, siento que todavía hay esperanza.

PhxArt: Cuéntanos sobre tu formación artística.

RQ: Estudié pintura y fotografía en la University of Arizona. Me interesé en la filosofía continental, a la que muchos artistas que admiraba hacían referencia en su trabajo, así que obtuve un título adicional en filosofía. Supongo que en ese momento estaba tratando de encontrarme a mí mismo y encontrar algo de verdad; tanto el arte como la filosofía eran un conducto ideal para esa búsqueda. Eventualmente ingresé al programa de posgrado en fotografía en Arizona State University (ASU) y estudié con profesores perspicaces como Adriene Jenik, Mark Klett, Bill Jenkins y Julie Anand. ASU fue genial y fue una experiencia transformadora para mí como artista en ejercicio. Cada idea loca que tuve fue tomada en serio y considerada cuidadosamente. Mi tesis fue un conjunto de videos de una hora de duración sobre la trayectoria histórica del espectáculo mediático, desde el asesinato de John F. Kennedy hasta los ataques del 11 de septiembre. También trabajé sobre las redes sociales y el surgimiento de las cámaras de los teléfonos como una herramienta para desestabilizar la narrativa respaldada por las gigantescas corporaciones de transmisión, que creo que estamos viendo dar sus frutos hoy.

PhxArt: ¿Cuáles son los medios en los que prefiere trabajar y por qué? ¿Qué te atrajo de la imagen en movimiento, el cine y la fotografía?

RQ: Mi trabajo se basa en la fotografía y casi todo lo que hago tiene algún tipo de elemento fotográfico, ya sea que esté usando una película convencional, una cámara digital, un teléfono inteligente, capturas de pantalla o incluso un collage fotográfico. Empecé como pintor. Al principio, usé imágenes de la televisión y revistas como referencia, ya que los medios de comunicación fueron una influencia fundamental para mí. Sacaría fotos de la pantalla del televisor con una cámara Polaroid. Esto me llevó a explorar la fotografía como herramienta y otras formas de interpretar los medios.

La base de mi trabajo es la imagen en movimiento y su tenue relación con la imagen fija, ya sea que el resultado final sea una fotografía fija o una proyección de video. Mi trabajo investiga la forma en que la tecnología afecta la forma en que consumimos los medios de comunicación. La proliferación de artefactos de compresión en nuestra experiencia visual cotidiana denota un cambio en “cómo” nos vemos, lo que inevitablemente afectará “por qué” nos vemos.

PhxArt: ¿Qué te hizo alejarte de la pintura para centrarte en la fotografía?

RQ: Cuando era pintor, mi trabajo era muy pictórico y expresionista. Cuando me interesé en la fotografía, quería mantener ese estilo y esa técnica. La fotografía es diferente de la pintura y tiene muchas características, como su adherencia al enfoque, el detalle y la claridad. Quería que mis trabajos fotográficos fueran como pinturas para ganar legitimidad. Ha habido movimientos dentro de la historia del arte que han sido pictóricos, pero en general, el trabajo fotográfico tiende a apegarse a sus fortalezas mecánicas. Así que profundicé directamente en la fotografía a lo largo de los años, y todo se reduce a las ideas y las imágenes que quiero crear. La cámara es solo una de las muchas herramientas que uso para expresarme.

PhxArt: ¿Cuáles son los temas o temas en los que más te enfocas y cómo te interesaste en ellos?

RQ: Mi trabajo explora los medios de comunicación y sus efectos en la historia social y política a través de la imagen en movimiento. Utilizo medios interdisciplinarios para criticar y analizar los medios masivos y el absurdo que tienden a generar. Mi práctica artística varía desde la composición de capturas de pantalla de películas cinematográficas para crear una fotografía fija convencional, hasta la recopilación de videos subidos de YouTube para crear una representación visual más completa de un espectáculo mediático. Utilizo principalmente imágenes existentes que se encuentran en películas, televisión e Internet. Consumo estas formas de medios como investigación y analizo sus efectos en nuestra cultura y sociedad. Que la obra de arte resulte en un objeto físico o en un video depende del tema. Utilizo diferentes técnicas y métodos para comunicar las ideas que tengo. Por ejemplo, tengo una instalación que consta de cientos de instantáneas Polaroid tomadas desde una pantalla de televisión para demostrar el efecto abrumador de las imágenes visuales con las que somos bombardeados a diario. Otro cuerpo de trabajo examina cómo la religión ha sido superada por los medios de comunicación como una fuerza principal en nuestras creencias y valores como sociedad. Utilizo imágenes encontradas que pueden referirse a nociones religiosas o míticas y aplico instancias de artefactos de compresión encontrados en medios digitales como punto de intervención. Aquí es donde la fachada inmaculada de los medios de alta definición se desintegra y expone la inestabilidad en lo aparentemente estable.

PhxArt: ¿Quiénes son tus mayores influencias artísticas?

RQ: Mi mayor influencia artística es el pintor irlandés-británico Francis Bacon. Era una especie de anomalía en el sentido de que estaba haciendo obras figurativas cuando la abstracción estaba de moda. Fue uno de los primeros artistas en utilizar los medios de comunicación como punto de referencia. Sus obras de arte resultantes fueron pinturas, pero usó películas, fotografías y revistas como inspiración y como temas de su trabajo. Sus pinturas también eran existenciales y eso tiende a subrayar mucho mi trabajo. Otros artistas que han influenciado mi práctica son Cecily Brown, Robert Heinecken, Nancy Burson, Takeshi Murata, Eadweard Muybridge, Paul Chan y Trevor Paglen.

PhxArt: ¿Qué es algo en lo que estás trabajando actualmente o has exhibido recientemente?

RQ: Recientemente expuse en Modified Arts. La pieza que tengo en la exposición es de un cuerpo de trabajo que se centró en cómo cada faceta de la vida humana pronto se digitalizará. Además, este cuerpo de trabajo imagina los posibles restos de nuestra cultura digital existente. Mientras los arqueólogos excavan la tierra para encontrar evidencia de civilizaciones perdidas hace mucho tiempo, mi trabajo muestra las posibilidades de lo que los futuros científicos descubrirían en nuestra nube digital en constante expansión.

A través del uso de técnicas de glitch y datamoshing, genero artefactos digitales dentro de las imágenes que se encuentran en los medios de comunicación, incluyendo películas, televisión e Internet. Datamoshing es una técnica de glitch que manipula la compresión dentro de los archivos de video para crear artefactos pixelados que a menudo vemos sin querer en Youtube o en los canales de transmisión. El predominio de la compresión de datos hoy en día hace que la pérdida de información sea inherente a nuestras imágenes cotidianas. Queremos una calidad insuperable, pero con el menor gasto de recursos. La mera transferencia de datos hace que la imagen contemporánea esté en constante estado de descomposición. En nuestra búsqueda por producir y consumir un flujo interminable de imágenes, nos enfrentamos a complicaciones como el espacio de datos finito y la incongruencia visual. Mientras tanto, surge un nuevo tipo de imágenes.

PhxArt: ¿Qué puede esperar nuestra comunidad a continuación de ti?

RQ: He estado colaborando con Nicole Olson para crear varias películas de danza. Es una fabulosa artista de la danza que lleva años traspasando los límites de las artes escénicas. Hemos trabajado en algunos proyectos anteriores que han dirigido mi trabajo de maneras hermosas e inesperadas. Recientemente recibimos una beca de investigación y desarrollo de la Comisión de las Artes de Arizona. Muchas de las ideas y coreografías serán de Nicole, mientras que tendré aportes en los aspectos más técnicos del proyecto. Es una verdadera colaboración.

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Para ver más obras de arte de Rembrandt Quiballo, visite www.rembrandtquiballo.com o síguelo en Instagram @rembrandtquiballo.

#CreativeQuarantine

PhxArt: Tenemos curiosidad por saber cómo los creativos están navegando en la época del coronavirus. Rembrandt Quiballo comparte lo que le dio vida durante la pandemia.

RQ: Me he estado metiendo mucho en el espacio NFT. Los NFT, o tokens no fungibles, son una unidad de datos almacenada en una cadena de bloques que asigna una autenticidad única a cualquier activo digital. Este es un cambio de juego para los artistas digitales porque las obras digitales se pueden reproducir sin fin. Si bien esto sigue siendo cierto, ahora se puede dar valor a las obras digitales, similar a un objeto físico único, como una pintura tradicional. Ha habido una verdadera “fiebre del oro” en el espacio y mucha emoción, por decir lo menos. He estado explorando el espacio y cómo se relaciona con mi trabajo.

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Aunque la arcilla ha sido la base de la obra de Sannit desde su principio, la artista ha cultivado una apreciación de todos los medios, motivada por su insaciable deseo de descubrimiento. Con un interés creciente en obras efímeras, ella a expandido su práctica al incluir video, arte performance, medios mixtos e intervenciones de paisaje, creando obras interactivas de gran escala que han sido exhibidas a través del mundo, incluyendo Islandia.

Presentamos a Patricia Sannit, en sus propias palabras, sobre sus inspiraciones, proyectos recientes y por qué se ha dedicado a la educación artística.

“Como humanos, siempre hemos compartido experiencias comunes, impulsos y deseos. Construimos y creamos, fallamos y prevalemos, e intentamos ponerle orden a nuestro mundo natural. Este ciclo y nuestra resilencia, me dan esperanza”.

Patricia Sannit, The Dance (portrait), 2021. Photo: Rembrandt Quiballo.

PhxArt: Cuéntanos sobre quién y de dónde eres. ¿Cuál fue tu primera inspiración y que continúa inspirando to obra artística?

Patricia Sannit: Nací en Cleveland, Ohio, de padres amantes del arte y la música. Muy seguido visitamos el excepcional y enciclopédico, Cleveland Museum of Art. Mi madre cuenta que yo solía preguntar todas aquellas preguntas importantes y embarazosas de la vida, ese tipo de pregunta como “¿de dónde vienen los niños?”, en voz alta, la cual reverberaba en los pasillos de mármol del museo. Ahí fue donde me enamoré de mis primeras obras de arte. Inicialmente eran las fantásticas armaduras en el ala medieval, y de mucha más importancia para una artista contemporánea naciente, las esculturas de John Chamberlain en el ala de arte contemporáneo. Siempre respondí mas a las formas escultóricas que a las pinturas.

Mis padres coleccionaron arte de varios artistas locales y de artistas que encontraban en sus viajes a través del mundo. Teníamos hermosos textiles y tejidos de Suecia gracias a mi familia materna. Una de mis tías vivió en Japón, y a través de ella, también obtuvimos obras especiales de cerámica artesanal y porcelana de Japón. Este entorno de tanta riqueza visual y cultural me formó como persona. Siempre me sentí como una artista; mis padres siempre me dieron apoyo y libertad. Pinté murales en el sótano, donde también tuve mi estudio de cerámica.

Cuando era muy joven, tomé una clase de cerámica en un centro de arte local llamado Bay Crafters, y me enamoré. Siempre fui la más desordenada en el estudio y pasé todo el tiempo posible ahí. Era un segundo hogar para mí, y estoy agradecida a mi maestra, Jill Funk, por familiarizarme con las más expresivas cualidades de la arcilla.

No ha habido ningún periodo de mi vida en que no estuviera haciendo arte. Investigación, curiosidad, y un deseo de descubrimiento me motiva e impulsa continuamente. Estoy dispuesta a trabajar con todo tipo de medios y me emociona resolver problemas estructurales, experimentando y viendo que pasa. Me veo a mi misma como una persona adicta a la complejidad y a posar puntos de vista opuestos simultáneamente. Además, creo que el multifacético y resbaloso lenguaje del arte visual nos da la habilidad de enfrentar problemas complejos, perspectivas cambiantes, y de hablar simbólicamente. Me esfuerzo en ser original en mi obra.

Patricia Sannit, Rise Fall Rise, 2017. Ceramic, glaze, found materials, concrete, rebar, wax, paint, mixed media. Installation view, Phoenix Art Museum. Photo: Mary Knopp.

PhxArt: ¿En qué medios prefieres trabajar y en qué temas y estilos te enfocas?

PS: Me entrené como alfarera y ceramista. La arcilla ha sido la base de mi obra por mucho tiempo. Me ha servido bien, y el mismo material habla de la continuidad y la memoria colectiva de nuestras especies y es increíblemente adaptable. Es usada en todo, desde pasta dental hasta la ingeniería espacial, y como un material artístico. Las posibilidades de la arcilla son infinitas y están en continuo crecimiento. Sin embargo, no es el material para cada expresión. Así como me voy interesando más en obras efímeras, he empezado a trabajar con video, arte performance, medios mixtos e intervención de paisajes.

PhxArt: ¿En qué temas se enfoca tu trabajo y que estilos te han inspirado?

PS: Por la mayor parte de mi carrera, la historia humana me ha influenciado profundamente. Se que como humanos siempre compartimos experiencias comunes, impulsos y deseos. Construimos y creamos, fallamos y prevalemos e intentamos ponerle orden a nuestro mundo natural. Este ciclo y nuestra resiliencia, me dan esperanza.

Una experiencia seminal fue trabajar como excavadora en el sitio Neolítico ʿAin Ghazal en las afueras de Amman en Jordán. Trabajando y viajando en la región me impactó de dos maneras muy específicas. Primero, las formas visuales y geométricas del Medio Oriente abrieron mis ojos a los estampados, y reconocí la relación de los estampados textiles que eran familiares desde mi niñez. Llegue a ver los estampados geométricos como un lenguaje común, uno que yo quería utilizar en mi obra. Segundamente, el proceso de excavación y el aprendizaje sobre la historia humana me conectó a la humanidad en común. A través del mundo, todos somos humanos, y compartimos valores y sueños similares. Estas ideas universales continúan siendo los pilares de mi obra. Trabajo con ideas y materiales que me permiten explorar la resonancia y azar de la historia, así como las fuerzas físicas, como la presión, el calor y la gravedad. La historia humana, la resiliencia, nuestra arrogancia, nuestra inmensa energía, y nuestra adaptabilidad han estado servido como pilares a mi obra.

Recientemente, el enfoque de mi trabajo se ha expandido para abarcar una más amplia perspectiva de humanos viviendo en nuestro planeta. Como a muchos otros, las experiencias a través de los dos años más recientes me han cambiado. Me siento más motivada a vivir una buena vida, a tomar riesgos, porque vivimos en un tiempo de incertidumbre. El enfoque de mi trabajo se ha expandido y estoy experimentado con nuevos medios constantemente y dirigiendo mi atención a nuestro lugar en el mundo natural.

Patricia Sannit, Huldar: gras, 2021. Still from performance, Skagafjörður, Iceland. Painted canvas, grass, wind. Photo: Patricia Sannit.

PhxArt: ¿Quiénes son tus mayores influencias artísticas?

PS: Ah, esta es una lista larga. Soy una consumidora ávida de reseñas de arte contemporáneo y leo poesía, ensayos y literatura. Estos artistas incluyen el ya mencionado John Chamberlain, Isamu Noguchi, Peter Voulkos, Viola Frey, Auguste Rodin, Eduardo Chillida, Marina Abramović, Ana Mendieta, Adrian Piper, y Bill Viola. Los artistas contemporaneos que me influencian incluyen a Janine Antoni, Francis Alÿs, Joan Jonas, Pipilotti Rist, Kadar Attia, Linda Sormin, Sonya Clark y Simone Leigh. Tratandose de artes tradicionales, soy influenciada por las obras del periodo Jōmon de Japón; el arte de Africa del este, oeste y central, las líneas de Nazca; la cantería Inca; el arte forastero; la afareria funcional expresiva, madera tallada, piedras suaves, pintura descascarada, liquen y otros.

PhxArt: Dinos de tu trabajo como maestra. ¿Cual fue tu primer inspiracion para convertirte?

PS: Soy una esponja de información y una persona curiosa. Soy muy entusiasta del arte, la cultura, la cerámica y de compartir mi entusiasmo. Me gusta entusiasmar a la gente con las ideas y el arte que amo y aprender de mis alumnos. Me encanta la resolución de problemas relacionada con la enseñanza del arte y la infinita creatividad iterativa demostrada por los artistas. Cada semestre, elijo un área diferente de mi campo como enfoque. Crear tareas y conferencias centradas en el tema elegido es infinitamente estimulante.

Patricia Sannit, Many Hands (hold me), 2021. Participatory project, volunteers made hundreds of clay hands while speaking about their experiences of isolation during the pandemic. Fired clay, wood, saw horse. Photo: Patricia Sannit.

PhxArt: ¿Qué es algo en lo que estás trabajando actualmente o has exhibido recientemente?

PS: Actualmente no estoy exhibiendo mi trabajo, pero en el pasado presenté mi proyecto que se desarrolló durante la pandemia, Many Hands (hold me), en el Scottsdale Center for Performing Arts como parte de la exposición Socially Distanced. Socially Distanced destacó la obra creada por 17 artistas durante la pandemia. Estos trabajos se correlacionaron con los hallazgos realizados por el equipo de investigación Cooperation in the Apocalypse at Arizona State University , que describe los comportamientos sociales durante el aislamiento. Completé mi residencia en el Tempe Center of the Arts en asociación con la exposición COLOR: la belleza y la ciencia del color y completé una residencia artística en Hofsós, Islandia, donde experimenté con videos y performance en el paisaje. En octubre estaré en una residencia en Suecia.

PhxArt: ¿Qué consejo le darías a los artistas emergentes que recién comienzan a construir su práctica profesional?

PS: El consejo que le daría es: encuentra un mentor, se una buena persona, trabaja muy duro, ama lo que haces, sigue tus instintos, aprende tu historia, se original y no tengas miedo de correr riesgos. Y solo trabaja. Comienza con el trabajo; el arte vendrá.

Patricia Sannit, Installation at FORM Arcosanti, presented by Phoenix Art Museum. Durational performance and participatory installation. Wet clay, sand, fired clay, furnace brick, video projection, fabric, performance. Performers include Nicole Olson, Patricia Sannit and volunteers. Photo: Airi Katsuta.

PhxArt: ¿Qué puede esperar nuestra comunidad a continuación de ti?

PS: Como parte de mi residencia en el Tempe Center of the Arts en asociación con la exposición COLOR: la belleza y la ciencia del color, creé una pieza que se centra en los colores cambiantes del lago Tempe Town creado por el hombre en relación con la naturaleza. paisaje y los caminos cambiantes y la historia del Río Salado. En otra gran noticia, soy socio en un nuevo espacio para artistas, Rocking S Art Ranch, en el centro de Phoenix. ¡Hay estudios para más de 20 artistas! Los alquileres son justos y tenemos una buena combinación de artistas que trabajan en todos los medios y activamos el espacio con eventos de cine, video, danza y arte.

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Para ver más arte de Patricia Sannit, visita www.patriciasannit.com o síguela en Instagram @patriciasannitstudio.

Ganadores de Becas de artistas del Foro Contemporáneo del 2016 y el recipiente del Premio a artista del Foro Contemporáneo de Arlene and Morton Scult del 2016

#CUARENTENACREATIVA

PhxArt: Tenemos curiosidad por saber cómo los creativos están navegando en la época del coronavirus. Patricia Sannit comparte lo que le dio la vida durante la pandemia.

PS:  El COVID nos ha pasado factura a todos. Al comienzo de la pandemia, comencé Roadside Attraction, una exhibición de arte al aire libre, segura y en toda la ciudad con otros dos artistas, Chris Jagmin y Lisa Olson. En el transcurso de tres iteraciones diferentes, en asociación con Scottsdale Museum of Contemporary Art y la ciudad de Tempe, brindamos una plataforma para que más de 100 artistas presentaran su trabajo al público de manera segura. Mi proyecto antes mencionado, Many Hands (hold me), también fue una parte importante de mi experiencia con la pandemia. Instalé un estudio al aire libre y, a través de las redes sociales y Artlink, invité a cualquier persona interesada a venir a mi estudio y hacer manos. Decenas de personas se acercaron, hicieron manos y contaron sus historias. Los extraños se hicieron amigos y se establecieron conexiones durante un tiempo de aislamiento. El hacer conexiones y servicio comunitario me mantuvo cuerda.

También cociné mucho, caminé y anduve en bicicleta millas y millas, le enseñé a mi hija a coser, ayudé a mi esposo con sus tratamientos de quimioterapia, le preparé a mi padre de 99 años sus martinis vespertinos y asistí a conciertos, conferencias y talleres en línea.  También trabajé en mi estudio. Como artista, me di cuenta de que lo único que me limitaba eran mis propias expectativas y si quería probar algo nuevo, ahora era el momento. Mi brillante y amado esposo falleció y mi padre cumplió 100 años. Mi padre está bien y todavía tiene su martini nocturno.

Patricia Sannit, Caryatid: Showing the Way, 2020. Fired clay, glaze, mineral oxides, artificial grass, lumber, paint. Photo: Mary Knopp.

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A través de los años, Sabree ha refinado su habilidad de pintar con pintura acrílica, pintando flores y follaje, creando abstracciones y experimentando con tipografía. Ella también pintas murales de gran escala a través del Valle, incluyendo un mural recientemente realizado para el hotel Hilton en el centro de Phoenix.

Para saber más de sus inspiraciones, sus próximos proyectos y más, escucha de Sabree García, en sus propias palabras

“Diviértete y pinta lo que quisieras tener en tu hogar o en tu pared—pinta lo que te haga sentir feliz y satisfecho”.

Sabree Garcia, Portrait. Photo: KBR (@kbrofficial).

PhxArt: Cuéntanos sobre quién y de dónde eres. ¿Cuál fue tu primera inspiración? y ¿que continúa inspirando tu trabajo?

Sabree Garcia: Soy muralista, diseñadora y madre. Soy originaria de Texas, pero he vivido en Arizona la mayor parte de mi vida. Supe que quería ser artista cuando en la primaria, porque nunca quería salir de la clase de arte, y mi primera inspiración fue el arte callejero—siempre he amado el grafiti porque ahí es donde empezó el muralismo. Aunque era ilegal, el grafiti era un modo de autoexpresión. Pintar en gran escala toma mucho tiempo, y sé que, en el momento, hace a los artistas sentirse en paz.

Me inspira la gente que conozco y las cosas que veo diariamente. También me inspira el Arte Moderno y elementos del diseño. Me encanta quedarme en el ahora y ser intensa. ¡En el mundo de un artista, es difícil identificar una sola inspiración, así que mi trabajo definitivamente está inspirado por muchas cosas!

Lo que me motiva a seguir creando no es solo la manera como el arte me hace sentir sino también como hace sentir a otros; el efecto que el arte tiene en otros es indescriptible y muy único porque todos ven el arte de diferente manera.

Sabree Garcia, Live Painting for Murals and Margaritas, 2021. Acrylic on wood panel. Courtesy of the artist. Event hosted by @ad.rami

PhxArt: ¿Cuáles son los medios en los que prefieres trabajar? y ¿En qué temas y estilos te enfocas?

SG: Me gusta trabajar con pintura acrílica, pero espero involucrarme en pintaras de aerosol. Me encanta la pintura acrílica por la manera en la que se mezclan los colores. Es muy terapéutico.

Me enfoco mucho en la naturaleza en mi trabajo, como flores y follaje, pero también amo la abstracción y la tipografía. Me enfoco en la naturaleza porque es benévola. Para una flor o una pluma, no hay dos iguales; es orgánico y hermoso en su propia manera. Así que pinto con la misma mentalidad. Amo el arte abstracto porque crea estilo y libertad. La tipografía tiene su propia hermosa forma con curvas y líneas. Cuando primero empecé a crear murales, empecé como asistente llenando bloques de color y ahora ya me toca hacer la parte divertida de los detalles, así que siento que estoy evolucionando con cada mural que creo. El mensaje que estoy tratando de transmitir es el de divertirte y de pintar lo que te gustaría tener en tu hogar o en tu pared—pinta lo que te hace sentir feliz y satisfecho.

PhxArt: ¿Quiénes son tus mayores influencias?

SG: Amo la gente de Phoenix. Cada persona me inspira y me motiva. La comunidad artística aquí es impresionante, y estoy muy feliz de ser parte de ella. Cuando se trata de estilo, algunos de mis artistas favoritos son Shepard Fairey, Salvador Dalí, y Frida Khalo. Amo la autenticidad del trabajo de Khalo. También soy una gran fanática de El Mac y muchos otros artistas aquí en Arizona.

Sabree Garcia, Frys Food Store Parking Garage (Downtown Phoenix), 2020. Acrylic. Courtesy of the artist.

PhxArt: ¿Que es algo en lo que estás trabajando actualmente o has exhibido recientemente?

SG: Recientemente realicé un mural para el hotel Hilton localizado en el centro de Phoenix, la que fue una gran oportunidad al contribuir una pieza de arte a un edificio construido en los 30s con tanta historia. Mi trabajo más reciente ha sido en el centro de Phoenix, Tempe y algunas residencias.

PhxArt: ¿Qué consejo le darías a artistas emergentes quienes están comenzando a construir su práctica profesional?

SG: Cree en ti mismo. Todo es posible. No esperes (pero en serio—no esperes). Tu arduo trabajo valdrá la pena, así que sigue avanzando y sigue en movimiento. No tengas miedo de saludar a la gente; establecer vínculos puede llevarte lejos.

Sabree Garcia, Mural at Hilton Garden Inn Employee Lounge (detail), 2021. Acrylic. Courtesy of the artist.

PhxArt: ¿Que puede esperar de ti la comunidad en el futuro?

SG: Estoy muy entusiasmada por algunos proyectos a futuro. Estaré trabajando en un mural en Desert Ridge Plaza, un proyecto con la ciudad de Avondale, y una pintura para un complejo residencial de departamentos gigante en Queen Creek, Arizona.

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Para ver más arte de Sabree Garcia, visita www.sabreeart.com o síguela en Instagram @sabree.art.

#CUARENTENACREATIVA

PhxArt: Tenemos la curiosidad de saber cómo es que los creativos están navegando la temporada del coronavirus Sabree García comparte lo que le está dando vida durante la pandemia.

SG: Mi hijo, amigos y familia quienes continúen dándome su apoyo me dan vida. Estoy muy agradecida por el apoyo de dios dándome respaldo. Me mantengo activa, así que cuando el clima se refresca, disfruto el senderismo (una actividad favorita de Arizona). Escuchar música a todas horas también me mantiene yendo hacia adelante. Y estoy empezando a decir “si” as más oportunidades al mismo tiempo que cuidarme a mí misma, lo cual está iniciando un nuevo capítulo en mi camino en el mundo del arte.

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Desde entonces, Jim ha publicado tres libros sobre sus pinturas, se ha presentado en el Herberger Theater y el Tempe Center for the Arts, ha mostrado obra en el West Valley Art Museum, en Addison-Taylor Gallery, Albinitas Gallery, ALAC, y el Latino Culture Center. Él también ha fundado organizaciones como el Movimiento Artístico del Rio Salado (MARS) y Ariztlan, Inc., las cuales han ayudado a llenar el vacío de oportunidades para artistas latinos e indígenas que desde entonces han crecido para brindar apoyo a otros artistas que buscan espacios para exposiciones y representación.

Conversamos con Jim Covarrubias para saber más de su inspiración, las experiencias que lo definen como artista y mucho más.

“Ama lo que creas, y ten la voluntad de compartir y describir lo que creas. Tu arte es un lenguaje único a tu vida. Estudia las técnicas vitales para contar tu historia de modo que te satisface a ti”.

Image courtesy of the artist, Photo: Phil Soto

PhxArt: Cuéntanos sobre quién y de dónde eres. ¿Cuál fue tu primera conexión con el arte?

Jim Covarrubias:

Soy un originario de Arizona quien fue criado en Kingman. Siempre me gustó hacer arte y creé mi primer mural en el quinto grado en la Kingman Grammar School. En la preparatoria, tuve la suerte de tener a Mr. McCleve, un artista talentoso quien nos enseñó muchas técnicas que después refiné en la Arizona State University, donde obtuve una licenciatura y una maestría en arte.

Después de la universidad, viajé por Europa y visité museos en todas partes, desde España hasta Suecia. El arte moderno me fascinó al igual que los grandes maestros; Van Gogh, Picasso, Rembrandt, Chagall, Vermeer y muchos otros grandes fueron una inspiración. Pero también los artistas callejeros, artistas de grafiti, pintores al aire libre, dibujantes de retratos, y todas las formas creativas me empujaron a crear.

Jim Covarrubias, Cheyenne, 1989. Acrylic on canvas. Courtesy of the artist, Photo: Tom Marrs

PhxArt: ¿Cuáles son los medios en los que prefieres trabajar y por qué?

JC: Mi medio favorito es la pintura acrílica. Mis pinturas son alegóricas y centradas en el realismo abstracto, con elementos tangibles establecidos en una atmosfera abstracta. Tengo la habilidad de pintar rápidamente, de manera que frecuentemente pinto en vivo y lo he hecho con orquestas y bandas de rock-and-roll, en fiestas y en galerías y eventos por buenas causas. He sido llamado el “dibujante más rápido del oeste”, y he pintado en vivo en Japón, Europa, México y los Estados Unidos. Creé toda una exposición de museo en tiempo presente en el West Valley Art Museum, pintando cada obra en vivo una por una hasta llenar la galería.

https://www.youtube.com/watch?v=MQ8KT7u3t10

PhxArt: Cuéntanos sobre las organizaciones de arte que haz fundado.

JC: Cuando regresé a Phoenix de mis viajes a través de Europa, ayudé a crear una organización de arte latino-nativa-americana y una galería llamada Movimiento Artístico del Rio Salado (MARS) y después fundé Ariztlan, Inc., una organización sin fines de lucro con la misión de documentar, crear y compartir historias y obras de artistas basados en Arizona y la promoción de eventos regionales. La organización uncluia una revista de arte editada por el fallecido Ruben Hernandez y una serie de televisión sobre artistas del valle llamada Ariztlan Presents con la fallecida Kim Buick como directora y productora. Ambas organizaciones llevaron a la creación de ALAC, de la cual yo fui el primer vice-presidente. MARS y Ariztlan, Inc. Fueron inicialmente creadas para llenar el vacío de oportunidades para artistas latinos y nativos y desde entonces ha crecido para apoyar a otros artistas en busca de espacios para exposiciones y representación.

PhxArt: ¿Quiénes son tus mayores influencias artisticas?

JC: Tengo muchas influencias artísticas las cuales me han inspirado. Hablando de artistas visuales, yo diría Picasso, Van Gogh, Frida Kahlo, Diego Rivera, mi tío Miguel Covarrubias, Fritz Scholder y Philip C. Curtis. Tratándose de músicos, Miles Davis, The Beatles, Johnny Cash y Richie Valens. De escritores, John Steinbeck, Boris Pasternak, James Baldwin y Ernest Hemingway. De cinematógrafos, John Huston, Sergio Leone, Sam Peckinpah y Akira Kurasawa.

Jim Covarrubias, La Frontera – Separation, Separation series, 2020. Acrylic on canvas. Courtesy of the artist, Photo: Tom Marrs

PhxArt: ¿Que es algo en lo que estás trabajando actualmente o que hayas exhibido recientemente?

JC: Publiqué recientemente un nuevo libro sobre mis pinturas, in colaboración con Michel Sarda de Brigdewood Press, titulado Espíritu de mi tierra. Este es el tercer libro de mi obra producido por Bridgewood Press. Mis libros anteriores son titulados Visión de mi tierra y Kokopelli: el arte y poesía de Jim Cobarruvias. El ultimo presenta pinturas y poesía usada en la producción de opera nativo-americana moderna compuesta por Michel Sarda y yo. Presentamos Kokopelli Opera en el Herberger Theater en Phoenix y en el Tempe Center for the Arts. Estas presentaciones están disponibles en YouTube.

Con Ariztlan, Inc., he producido 40 videos editados sobre artistas, obras teatrales y conciertos. Los artistas perfilados incluyen John Waddell, Fritz Scholder, Paolo Soleri, Manuel Neri, Joseph Sanchez, Aaron Yava, Martin Moreno, Rotraut Klein-Moquay, Yves Amu Klein, and Helme Prinzen. Mis presentaciones documentadas incluyen La leyenda Kokopelli, Opera Kokopelli , Guerreros celebrando la libertad, Un soldado más volviendo a casa y Vivaldi en Arcosanti.

PhxArt: ¿Qué consejo le darías a artistas emergentes quienes están comenzando a construir su práctica profesional?

JC: Ama lo que creas, y ten la voluntad de compartir y describir lo que creas. Tu arte es un lenguaje único a tu vida. Estudia las técnicas vitales para contar tu historia de modo que te satisface a ti.

Jim Covarrubias, La Frontera, Separation series, 2020. Acrylic on canvas. Courtesy of the artist, Photo: Tom Marrs

PhxArt: ¿Que puede esperar de ti la comunidad en el futuro?

JC: La comunidad puede esperar más colaboraciones entre Ariztlan, Inc. y yo que conciben oportunidades para que artistas aquí en Arizona puedan ser narradores visuales. Actualmente Ariztlan está trabajando en colaboración con Espíritu Loci en representación de Arizona Public Service para curar y producir una selección de murales que contarán las historias del Grant Park Neighborhood ubicado en el sur del centro de Phoenix. Me siento honrado de ser el curador de este proyecto muralista en un vecindario tan icónico el cual me es muy familiar. Mi estudio estuvo ubicado en Grant Park por más de nueve años. Comisionaremos los talentos de los muralistas del Valle que están relacionados con las alegrías, éxitos, drama y el dolor de los miembros de la comunidad quienes han vivido y trabajado en Grant Park. Parte de mi proceso de curaduría ha sido el documentar historias de la comunidad a través de entrevistas en video. Este esfuerzo es llamado La flor del pueblo, y todos pueden seguir la evolución de nuestras historias en laflordelpueblo.org.

Jim Covarrubias, Song of Kokopelli, 2015. Acrylic on canvas. Courtesy of the artist, Photo: Tom Marrs

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Para ver más arte de Jim Covarrubias, visita www.covarrubiascollection.com. Las galerías que actualmente exhiben su obra incluyen Addison-Taylor Gallery, Albinitas Gallery, y ALAC.

#CUARENTENACREATIVA

PhxArt: Tenemos la curiosidad de saber como es que los creativos estan navegando la temporada del coronavirus Jim Covarrubias comparte lo que le está dando vida durante la pandemia.

JC: Antes del COVID, mi tiempo estaba dedicado a trabajar en mi estudio, casi siempre solo, así que las cosas no han cambiado mucho. Contraje el virus en diciembre del 2019 y pasé dos semanas en el Phoenix Veterans’ Hospital. Cuando regresé a casa, estaba tan débil que no podía pintar ni escribir. Mi energía había desaparecido, y pase meses recuperando mi fuerza. Cuando pude pintar de nuevo, comencé una serie sobre los niños encarcelados en la frontera de los Estados Unidos y México. Mi empatía fue sentida profundamente; que tristes y vacíos se deben de sentir sin la libertad para divertirse, para vivir con alegría, y para crear. Titulé esta serie Separación, con la esperanza de la que la gente adquiriera una empatía más profunda por las atrocidades que están pasando en la frontera.

Pintar Separación me dio una nueva estimación por crear arte. Extrañé el visitar inauguraciones de exposiciones, museos, y estudios, pero me di cuenta que mi trabajo real es el crear. Estoy entusiasmado por regresar a las actividades normales y lo haré con una apreciación más gentil e inclusive más profunda en respecto a mis colegas artistas.

Jim Covarrubias, Angelita de los Artistas, 2014. Acrylic on canvas. Courtesy of the artist, Photo: Tom Marrs

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Hoy, Emily es un artista y una educadora del arte, guiada por su pasión a crear, enseñar y explorar el mundo natural. Ella utiliza el método de grabado, la escultura de materiales mixtos, diseño digital y acuarela para explorar la irresponsabilidad humana y sus consecuencias en el medio ambiente en el que vivimos; mientras al mismo tiempo sirve como educadora del arte en el Colegio Comunitario del Distrito de Maricopa. Emily ha expuesto sus obras internacionalmente y en todo el Valle del Sol, y su exhibición Polyflora- la cual imagina un futuro donde el plástico y la materia orgánica se han fusionado para crear especias hibridas que han superado todas las formas de vida actuales – ha sido presentado en galerías en los Estados Unidos, incluyendo las gallerías Harry Wood Galleryde la Universidad ASU y Modified Arts en Phoenix.

Aquí esta Emily Ritter, en sus propias palabras, desde su inspiración, las experiencias que la llevaron a ser un artista practicante y un educador de arte, y mucho más.

“LA RESISTENCIA DEL MUNDO NATURAL ME ASOMBRA, Y ESE ASOMBRO ES DEFINITIVAMENTE LO QUE INFORMA MI ARTE.”

Emily Ritter. Crédito de fotografía: Ryan Para

PHXART: CUÉNTANOS QUIÉN Y DE DÓNDE ERES Y ¿CUAL FUE TU PRIMERA CONEXIÓN CON EL ARTE?

Emily Ritter: Soy originaria de Wichita, Kansas, pero me cambie al área de Phoenix-Metro en el 2015 para lograr mi Maestría en Bellas Artes (MFA) en ASU.

Siempre me he sentido impulsada a crear y vengo de una familia creativa. Mi padre era un ingeniero y mi madre geóloga, una artista de joyas, y alguien que se sumerge en la fibra del arte. Mi tío y mi tía del lado de mi mamá son ambos artistas practicantes y profesores. Cuando estaba en la secundaria y la preparatoria, participé en competencias artísticas escolares y hasta gané un par de ellas. Clases de arte era mi lugar favorito para estar. De hecho, un estudiante recientemente me dijo que las clases de arte han sido siempre un lugar seguro para ellos y yo definitivamente me identifiqué con eso.

Emily Ritter, Ecosistema #3, 2018. Bolsas de plástico suaves, alambre y HDPE reciclado (polietileno de alta densidad o PEAD). Crédito de fotografía: Ryan Para

PHXART: ¿CUÁNDO SUPISTE QUE QUERÍAS SER UN ARTISTA PRACTICANTE?

ER: No elegí el arte como mi destino de carrera hasta mi primer año de la universidad. Fui a la universidad Wichita State University (WSU) por mi Licenciatura en Bellas Artes (BFA) con énfasis en grabado. Me gustaba estar involucrada y mientras estaba en WSU algunos de mis compañeros y yo ayudamos a restablecer el club de grabado y lo llamamos “Tornado Alley Press.” Terminé siendo la presidenta del club y organicé un evento donde imprimimos grandes relieves con una aplanadora de rodillo. Esto fue una experiencia inolvidable.

Después de graduar, tuve un estudio en una tienda local de Wichita y continué creando arte mientras trabajaba en cosas variadas, incluyendo mesera de cocteles en una tienda café/bar y vendiendo sombreros en una tienda de sombreros. Luego en el año 2014, me aceptaron para un programa de práctica en Women’s Studio Workshop en Rosendale, Nueva York. Ser parte de esa organización cambió mi mundo y solidifico mis metas de carrera y prácticas de estudio. Pude vivir y trabajar con otras mujeres artistas. Fue fantástico.

Después de un año mi práctica terminó, y fui aceptada en ASU para mi maestría MFA en estudio del arte con énfasis en grabado. ASU abrió muchas puertas para la comunidad artística de Phoenix y me permitió hacer muchas conexiones maravillosas, una de ellas fue trabajar para Xico, una compañía local sin fines de lucro enfocada en el arte.   Mi primer papel allí con ellos fue como asistente del taller, para los talleres de grabado. Luego me convertí en la coordinadora del Estudio y la Galería y me sentí honrada cuando tuve la oportunidad de curar los contenedores de carga en Roosevelt Row.

Emily Ritter, Ecosistema #2, 2018. Bolsas de plástico suaves, alambre, resina y HDPE reciclado (PEAD). Crédito de fotografía: Ryan Para

PHXART: ¿CUÁL FUE TU PRIMERA INSPIRACIÓN? Y ¿CUÁLES SON LOS TEMAS QUE MAYORMENTE EXPLORAS EN LA ACTUALIDAD?

ER: Siempre he sido inspirada por el mundo natural y lo sigo siendo.  Constantemente estoy absorbiendo la belleza e información natural a mis alrededores, ya sea grande o pequeña. Soy del tipo de persona que está constantemente tomando fotos de plantas, pájaros o bichos en la acera. Me encanta ver las hierbas crecer en las rajaduras del concreto y en las orillas de los edificios. La resistencia del mundo natural siempre me asombra y ese asombro, definitivamente informa mi arte. Recientemente tuve la suerte de ver un grupo de antílopes berrendos pastando al norte de Arizona, y yo inmediatamente empecé a llorar. En ese mismo viaje, pude checar de mi lista de deseos el ver cóndores de California. Como artista, pienso que es importante hacer arte acerca de nuestra obsesión, nuestra pasión – es lo que nos mueve.

Mientras el mundo natural definitivamente es lo que me mueve, ser movida por el mundo natural también despierta en mí sentimientos de responsabilidad. Paso mucho tiempo pensando en cómo los humanos impactamos el medioambiente, y éstos pensamientos influyen en mi arte.

Mi arte explora las maneras en las cuales los humanos afectamos al medioambiente. Algunos de mis proyectos anteriores se han enfocado en las especies en peligro de extinción, el impacto de desecho de plástico, documentando especies locales y extrayendo el impacto negativo de la actividad humana en el medioambiente.

Me esfuerzo en aprender acerca de las complejidades del mundo natural cada día. Amo la naturaleza. La naturaleza ha sido afectada negativamente por los humanos. Eso enciende mi fuego. Una pasión alimenta a la otra.

Emily Ritter, Floated, 2021. Digital. Image courtesy of the artist.

PHXART: ¿CUÁL ES EL MEDIO QUE PREFIERES PARA TU ARTE Y POR QUÉ?

ER: Con los métodos que trabajo, estoy como por todas partes, al final se decide por los conceptos que estoy tratando de explorar en mi trabajo o en cualquier medio que se acomode mejor al concepto y que lo presente mejor. Yo estudié grabado en ambos, mi licenciatura y mi maestría pero también me he inclinado al arte de instalación y escultura. Actualmente, dado a mi ocupado itinerario, estoy trabajando digitalmente en la preparación para hacer impresiones.

Cada medio tiene sus propias cualidades inherentes que me atraen a ellos. Con impresiones, disfruto el proceso y como cada proceso es único. También disfruto el proceso de trabajar con plásticos además de la calidad transformativa de ellos. El arte digital me perite trabajar en forma rápida y fácil. El método de acuarela me deja jugar con capas y suavidad.

Siempre quise ser el tipo de artista que trabaja exclusivamente con un medio, pero no he podido hacer eso. ¡Simplemente hay demasiado para mí para explorar y para experimentar! Me gustan las obras de arte que tienen proceso – probablemente es la “graba-dista” dentro de mí.

Emily Ritter, Ecosystem #5 (detail), 2018. Soft plastic bags, wire, and HDPE regrind. Photo credit: Ryan Para.

PHXART: ¿CUÁNDO TE INTERESASTE A LA EDUCACIÓN DEL ARTE?

ER: Además de hacer arte, enseñar arte es otra de mis pasiones. Mientras estaba en el posgrado, tuve la oportunidad de enseñar cursos de Fundamento del arte. – incluyendo Diseño 2D, Teoría del Color, Dibujo I, Diseño 3D e introducción al Arte por Computadora – y también hice conexiones que me permitieron enseñar varios talleres y clases en Mesa Arts Center, Phoenix Center fortheArts, y en cualquier lugar que me aceptaran. Después de graduarme con mi MFA, he continuado ensenando cursos de Fundamento del Arte para Maricopa Community College District.

PHXART: ¿QUIÉN ES TU MÁS GRANDE INFLUENCIA ARTÍSTICA?

ER: Desde que era un estudiante universitario, me han encantado Kiki Smith y Joel Sartore. Ellos han sido la mayor influencia e inspiración en mis propias obras de arte por muchos años. Otros artistas que me han inspirado y continúan inspirándome son Aurora Robson, George Boorujy y Karen Kunc solo para mencionar algunos. Mis influencias artísticas también incluyen algunos de mis compañeros del área de Phoenix. Yo estoy constantemente viendo el trabajo de mis compañeros, y continuamente estoy inspirada y orgullosa de la comunidad a la que pertenezco.

Emily Ritter, Ecosystem #6 (detail), 2018. Soft plastic bags, wire, and HDPE regrind. Photo credit: Ryan Para.

PHXART: ¿QUÉ ES ALGO EN LO QUE ESTÉS TRABAJANDO EN LA ACTUALIDAD O QUE HAYAS EXPUESTO RECIENTEMENTE?

ER: Continúo presentando Polyflora en galerías en todo el país y espero pronto expandir este proyecto. Polyflora es una exploración a un futuro ficticio donde los plásticos se han fusionado con la materia orgánica para crear especies hibridas que hay reemplazado la vida que nosotros conocemos ahorita. He utilizado un abundante número de materiales accesibles que han sido tirados como basura y transformados en objetos de valor. Varias especies de plantas de este futuro paisaje son creadas por la fusión, envoltura, pegamento, maleabilidad y substancia de este material que se ha convertido en omnipresente en el medioambiente. El mero sentido de la palabra “plástico” es evidente en el proceso de transformación – la habilidad de un material para ser moldeado y transformado para satisfacer necesidades específicas.  Al crear preciosas formas detalladas que imitan planas de este material desechado, yo atraigo la atención al impacto del consumo y desperdicio de estos tóxicos en nuestro medioambiente. Los detalles y la complejidad de las formas son con la intención de fijar la atención del espectador dentro del arte. Al inspeccionar más detalladamente, la audiencia se quedará sutilmente sorprendida – la realización de que esta toda enteramente hecha de plástico. La obre de arte completa refleja una positividad apocalíptica, o el concepto de que la vida encontrara un camino para sobrevivir en un mundo lleno de plásticos y una humanidad irresponsable.

También estoy trabajando actualmente en una obra de un cuerpo, en el cual estoy utilizando formas y figuras encontradas en la naturaleza para crear creaturas abstractas o “cosas peludas,” como a mí me gusta llamarles. Es mi respuesta a la vida salvaje que está siendo atrapada y queda atrapada en los objetos hechos por el hombre. Este proyecto está todavía en la fase de exploración, pero estoy muy emocionada de ver a donde me va a llevar.

PHXART: ¿QUÉ ES LO SIGUIENTE QUE PUEDE ESPERAR NUESTRA COMUNIDAD PARA VER DE TI?

ER:Actualmente no hay nada grande en el horizonte. Todavía estoy creando, pero no estoy mostrando mucho trabajo en el Valle ahorita, ya que he estado tomando tiempo para enfocarme en la enseñanza. Dicho esto, Termine una edición de serigrafías para el Calendario del centro Mesa Arts Center y he estado trabajando con la ciudad de Tempe, con el programa de Arte en los Parques “City of Tempe’s Arts-in-the-Parks Program, en un libro de colorear que incluye a ocho artistas locales y presenta ocho parques de Tempe (publicado en Otoño 2021).

Emily Ritter, Yellow, 2021. Digital. Image courtesy of the artist.

VEA MAS

Para ver más obras de arte de Emily Ritter, visite su página de internet WWW.EMILYERITTER.COM y sígala en su Instagram @EMILYERITTERART.

#CUARENTENACREATIVA

PHXART: TENEMOS CURIOSIDAD DE CÓMO LA GENTE CREATIVA ESTÁ NAVEGANDO EN TIEMPOS DE CORONAVIRUS. EMILY RITTER NOS COMPARTE QUÉ LE ESTÁ DANDO VIDA DURANTE LA PANDEMIA.

ER: La jardinería ha sido para mí muy importante. Empecé justo antes de la pandemia, pero pude aprender mucho durante la cuarentena. Realmente tuve mi jardín fuera de control en determinado momento. Tenía como 40 plantas plantadas en mi pequeño balcón. Aparte de la jardinería, ¡he apreciado el tener tiempo para trabajar en mi estudio en lugar de estar atorada en el tráfico!

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Peterman ha creado contenidos para diversas marcas, como AT&T, APS, Arizona State University, The Atlantic, Travel + Leisure, The Wall Street Journal y Tuft & Needle. Su trabajo se ha expuesto a nivel regional e internacional y ha sido reconocido por los Premios Internacionales de Fotografía (Lucie + IPA), el Prix De La Photographie Paris (PX3), el American Photography Annual (AP) y el Photo District News Photo Annual (PDN).

Aquí está Mark Peterman, en sus propias palabras, sobre sus fotografías y espacios de otro mundo, sus inspiraciones y cómo la pandemia ha alterado su práctica.

“[M]i trabajo examina cómo el cambio, la memoria y el paso del tiempo afectan a la experiencia humana”.

Mark Peterman. Courtesy of the artist.

PhxArt: Cuéntenos acerca de dónde es usted y de cuándo supo que quería ser artista.

Mark Peterman: Crecí en el medio oeste de Estados Unidos en una familia de fotógrafos aficionados. Mi primer encuentro con la fotografía fue en un cuarto oscuro construido por mi padre en nuestro sótano. Supe que quería ser artista en mi adolescencia después de que una de mis fotos fue publicada en el periódico local cuando tenía 16 años. Había hecho un viaje a Europa con estudiantes del colegio y una de mis fotos del viaje se utilizó para el reportaje. Creo que la publicación de esa foto me motivó a considerar seriamente la fotografía como una opción profesional.

Ahora, mi deseo de crear cada día me obliga a descubrir continuamente cosas nuevas. Siempre me ha inspirado contar historias, y me motiva encontrar formas de evolucionar para ser un mejor cuentista.

PhxArt: ¿En cuáles medios prefiere trabajar y cuales temas centra en su arte?

Peterman: Principalmente, soy fotógrafo, pero estudié diseño gráfico e industrial en el Kansas City Art Institute, lo que creo que me permitió ver las cosas de una manera diferente que si sólo hubiera estudiado diseño gráfico. Mi trabajo implica un proceso creativo de varios niveles que incluye una narrativa elaborada, entornos construidos y fotografías, que sirven como documento final de la obra.

Parte de mi proceso creativo consiste en documentar cosas en un cuaderno de bocetos a diario. Esto también me permite crear en otros medios que no domino, como el dibujo y las técnicas de collage.

Desde el punto de vista temático, mi trabajo examina cómo el cambio, la memoria y el paso del tiempo afectan a la experiencia humana. Intento recrear momentos narrativos que tratan estos temas.

Before the Dawn Casts No Shadows, 2021, Photograph (Archival Pigment Print), Mark Peterman.

PhxArt: ¿Cuáles son algunas de las fuentes de inspiración para sus entornos construidos, y qué lo llevó a seguir este tipo de práctica?

Peterman: Siempre me han interesado los momentos narrativos que he encontrado en la literatura, el cine o la música. Hace varios años, empecé a crear entornos a pequeña escala cuando me di cuenta de lo poco práctico y caro que resultaba crear escenarios a gran escala. Quería crear un momento cinematográfico con fotografías fijas, y esto me pareció el espacio obvio en el que entrar.

PhxArt: ¿Cuáles son sus mayores influencias artísticas?

Peterman: Me encantan las formas de arte no visuales en las que puedo inspirarme porque me ayudan a imaginar qué nuevos mundos puedo crear y me dan un espacio para crear. Creo que es importante tener influencias que no sean una iteración directa de mi trabajo. Musicalmente, me encanta la música ambiental y de paisaje sonoro; la música de paisaje sonoro de Brian Eno es una gran influencia en mi trabajo. En el aspecto literario, me encantan las novelas de ficción.

Clearing in the Woods, 2020, Photograph (Archival Pigment Print), Mark Peterman.

PhxArt: ¿En qué obras, series o proyectos está trabajando actualmente o hay algo que ha presentado recientemente?

Peterman: Continúo trabajando en mi serie llamada Constructed Realities (Realidades Construidas) que empecé hace unos dos años. La describo como un estudio sobre la percepción de la realidad. La serie está formada por escenas ficticias extraídas de influencias cinematográficas y literarias y construidas con modelos y accesorios a escala 1/12. Aunque mis escenas no están sacadas directamente de ninguna película en particular, la cinematografía es una gran influencia en mi trabajo. Leo muchas novelas de ficción y espionaje que influyen en mi forma de narrar.

He tenido cierto éxito inicial con esta serie de trabajos, ya que he completado diferentes etapas de la misma. El proyecto fue seleccionado para el anuario fotográfico American Photography y fue preseleccionado para el Communication Arts Photography Annual. El año pasado también expuse varias fotos de esta serie en galerías, como la Foley Gallery de Nueva York, el Southeast Center for Photography de Greenville, Carolina del Sur, y el Center for Photographic Art de Carmel, California.

The Way Out is Through, 2021, Photograph (Archival Pigment Print), Mark Peterman.

PhxArt: ¿Qué es lo próximo que puede esperar ver nuestra comunidad?

Peterman: Espero ampliar las Constructed Realities en nuevas direcciones y adoptar una forma más inmersiva de narración en forma de exposición o instalación.

PhxArt: ¿Qué consejo le daría a quienes aspiran ser artistas que están justo comenzando a desarrollar su práctica profesional?

Peterman: Sé paciente y céntrate en tus objetivos. Escucha los consejos de las personas adecuadas, pero no de todos. No dejes que las cosas que no importan se interpongan en tu trabajo.

Meeting at Krantzler, 2021, Photograph (Archival Pigment Print), Mark Peterman.

VER MÁS

Para ver más obras de Mark Peterman, visite markpeterman.com y sígalo en Instagram @markpeterman.

#CuarentenaCreativa

Estamos interesados en saber cómo lxs creativxs están navegando el tiempo del coronavirus. Mark Peterman comparte lo que le está dando vida durante la cuarentena.

Peterman: Lo que más ha cambiado para mí en los últimos dos años es mi forma de ver el mundo. Creo que he tenido que volver a centrarme, cambiar mi perspectiva y bajar el ritmo. Me he dado cuenta de que necesito hacer algo creativo cada día para ser realmente feliz. He tenido que rodearme de gente positiva y alentadora. Mi trabajo actual es el resultado directo de dedicar más tiempo a entender este nuevo mundo y mi reacción a él.

The Attic, 2020, Photograph (Archival Pigment Print), Mark Peterman.

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Daniel describe el proceso de creación artística como “un pozo de ideas sin fondo”. Por el momento, está explorando temas de la salud mental, la ciencia del comportamiento, la biomímesis y el espacio en sus obras, abordando la abstracción como un rompecabezas que no tiene reglas predeterminadas.

Daniel tiene una licenciatura en fotografía de la Arizona State University. Actualmente es director de marketing en Bollinger Atelier y ha trabajado para Free Arts of Arizona y Phoenix Center for the Arts. Las obras de Daniel han sido expuestas internacionalmente en galerías de Grecia, Italia y el Reino Unido, así como localmente en lugares como Arizona Center y Northlight Gallery.

Siga avanzando para saber más sobre las inspiraciones de Daniel, las experiencias que le han formado y sus intentos de llegar al fondo de su pozo creativo.

“La mezcla de tecnicidad y narración para explicar y compartir ideas abstractas complejas es un rompecabezas satisfactorio. Me hace volver a por más”.

Daniel Mariotti. Courtesy of the artist.

PhxArt: ¿Qué lo inspiró a ser artista?

Daniel Mariotti: Mi inspiración para empezar a crear arte fue un poco estúpida—para fastidiar a mis padres. Aspiraban a que me convirtiera en médico o abogado, las clásicas expectativas paternas de gran éxito. Me dije, “¿Qué es literalmente lo contrario de todas esas cosas?”. Así que elegí el arte—específicamente la fotografía y el grabado.

Estoy agradecido por esta experiencia porque, mientras lo practicaba, me enamoré de verdad. La mezcla de tecnicidad y narración para explicar y compartir ideas abstractas complejas es un rompecabezas satisfactorio. Me hace volver a por más. Creo que los artistas tenemos un pozo sin fondo de ideas que queremos explorar, y para mí, tratar de llegar al fondo de ese pozo es lo que me mantiene motivado para crear.

Daniel Mariotti, Dark Snow, 2018. Digital photograph. Courtesy of the artist.

PhxArt: ¿Con qué materiales disfruta trabajar, y por qué?

DM: Esta es una pregunta muy difícil de responder porque trabajo con muchos tipos de medios diferentes, como el dibujo, la pintura y la técnica mixta. Creo que me siento más cómodo con la fotografía, pero sólo porque la fotografía es mi rutina diaria como artesano en una fundición. Pero la escultura forma parte de mi lenguaje visual. Todo depende de la historia que intento contar. Eso es lo que suele determinar los medios que utilizo.

Daniel Mariotti, May 23rd, 2017. Taken from the Hello Sunshine series. Altered Camera Film Photograph. Courtesy of the artist.

PhxArt: ¿En qué temas o sujetos se centra típicamente?

DM: Actualmente estoy explorando temas de salud mental e historias de los momentos que me han formado. También me interesan las ciencias del comportamiento, el biomimetismo y el espacio como metáforas y puntos de partida para explorar las narrativas personales que utilizo para crear. Por ejemplo, mi trabajo en “Hello, Sunshine” se basa en la teoría de la relatividad de Einstein para explorar la gravedad de la depresión. Es un libro de 31 fotografías tomadas durante 31 días de diario que autopubliqué hace unos años.

PhxArt: ¿Qué fue lo que le atrajo de la abstracción?

DM: Cuando dibujas una cara, es fácil ver si algo está “mal”. Las caras son las cosas que vemos todos los días y, por lo tanto, es fácil ver cuando las proporciones que has dibujado están un poco fuera de lugar o las sombras caen de maneras que no tienen sentido. A veces puede ser intencionado—como en el arte abstracto—pero estas señales visuales pueden resultar limitantes. Hay dos maneras de dibujar rostros—siguiendo el manual o haciendo las cosas mal a propósito, como Picasso. En la abstracción, el único punto de referencia es tu instinto, y por eso es muy libre, como hablar con un terapeuta, aunque a menudo tu instinto te da las piezas del rompecabezas y tú tienes que averiguar dónde van. En resumen, el aspecto de experimentación de la abstracción es lo que me lleva a descubrir mi método para dejar una marca.

Daniel Mariotti, Rigor Samsa, 2016. Watercolor, resin, dirt, charcoal. Courtesy of the artist.

PhxArt: ¿Cuáles son sus mayores influencias artísticas?

DM: El arte de la primera persona que vi que me influyó fueron las litografías de Brett Schieszer, Cognitive Umwelten, y los dibujos de Mark Pomilio, Cell Study. Pero, sinceramente, no lo sé. Soy malo para recordar detalles. Me inspiran las conversaciones con la gente que me llevan por caminos que nunca se me ocurrirían. Por ejemplo, el trabajo de práctica cívica—aprender sobre eso y leer sobre proyectos como el trabajo de Postcommodity llamado From Smoke and Tangled Waters We Carried Fire Home, que era una partitura gráfica escultural para conciertos de jazz en solitario que honraban el legado de la autodeterminación afroamericana en Pittsburgh. Este tipo de obras—en las que el trabajo va más allá de la superficie y en las que el proceso de elaboración es a menudo más importante que el resultado final— son muy inspiradoras.

PhxArt: ¿En qué está trabajando actualmente, o hay algo que ha presentado recientemente?

DM: Tengo un par de proyectos en los que estoy trabajando actualmente. Tak, Slucham, que es una frase polaca que se utiliza para descolgar el teléfono y que se traduce como “Sí, te escucho”, se supone que es un precursor de la serie Hello, Sunshine que he mencionado antes. En Tak, Slucham, examino mi pasado y trato de escoger ciertas experiencias que creo que me han formado e influido para intentar encontrar una representación de ellas en objetos. Por ejemplo, estoy creando este barco de papel de bronce que flota en una superficie que imita el agua o la tela, inspirado en un recuerdo de mi padre.

Mi padre trabajaba mucho mientras yo crecía. Era raro tener tiempo para estar con él, pero un viernes se tomó un día libre para pasar tiempo conmigo. Acabamos aprendiendo a hacer barcos de papel, y el objetivo era hacerlos flotar por la vía de desagüe de nuestra calle. No voy a mentir—fuimos pésimos haciendo estos barcos. Al final ni siquiera se movían y el papel se quedaba empapado. Pero hicimos otro y luego simplemente utilizamos una cama y sábanas para imitar el agua y jugamos así. Ese fue un momento en el que reconocí lo mucho que me quería aunque no estuviera allí tanto como me hubiera gustado. También fue un momento en el que me enseñó a reaccionar de forma positiva al intentar algo, aunque fracasara.

Daniel Mariotti, Sequence of Deterioration, 2020. Bronze. Courtesy of the artist.

PhxArt: ¿Cuál es el próximo proyecto suyo que puede esperar ver nuestra comunidad?

DM: Ha sido un año lento para mí en términos de creación artística, así que estoy volviendo a trabajar en proyectos. Voy a trabajar en un par de piezas para el proyecto Tak, Slucham, tocando música y grabándola. He tenido algunas ideas para reeditar una segunda versión del libro Hello, Sunshine, que actualmente está agotado. También he iniciado un proyecto llamado Views from the Sun, que es un lugar para compartir mi continuo crecimiento y educación en salud mental. También soy uno de los cofundadores de New Cadre, que se centra en la creación de soluciones innovadoras por colaboración abierta distribuida para empresas pequeñas y medianas—es decir, empresas con 50 empleados o menos.

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Para ver más obras de Daniel Mariotti, visite danielmariotti.com o siga al artista en Instagram @dvmariot y @views.fromthesun.

#CuarentenaCreativa

Estamos interesados en cómo lxs creativxs han navegado el tiempo del coronavirus. Daniel Mariotti comparte lo que le está dando vida durante la pandemia.

La creación de música me ha inspirado mucho. Actualmente estoy leyendo Discursive Design: Critical, Speculative, and Alternative Things (Design Thinking, Design Theory)  de Bruce M. Tharp y escuchando al nuevo álbum de The Contortionist Clairvoyant por la milésima vez.

Daniel Mariotti, Storm 1, 2015. Refractograph photogram. Taken from the Respite series. Courtesy of the artist.

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