Crédito de imagen: (De izquierda a derecha) Bill Blass, Abrigo y cinturón, 1960s.  Algodón estampado y charol. Obsequio de Joyce Harrison; Bonnie Cashin, Pantalones calientes, 1973. Gamuza. Obsequio del Sr. Philip Stills; Gran abrigo, 1960s. Gamuza. Obsequio de Barbara D. Shear; Diane von Fürstenberg, Mono envolvente, c.1977.  Punto de algodón estampado. Obsequio de la Sra. Kelly Ellman

PHOENIX (XX de septiembre del 2024) – El 9 de octubre del 2024, Phoenix Art Museum (PhxArt) presenta su nueva gran exposición de moda y el mayor esfuerzo basado en colecciones de la historia del Museo con Grandes Éxitos (Vol. 1): El arte de archivar la moda. Esta trascendental exposición es la primera de una serie de exposiciones que, a lo largo de los próximos cinco años, pondrán al descubierto la profundidad de los fondos de moda del Museo, que en la actualidad cuentan con más de 9,000 objetos de la moda histórico y contemporáneo. Grandes Éxitos (Vol. 1) presenta más de 90 prendas y accesorios, que cambiaran periódicamente durante los 18 meses de duración de la muestra para presentar una selección en evolución de prendas y accesorios selectos de la amplia colección de moda del Museo, que incluye piezas de diseñadores como Balenciaga, Dior, McQueen y St. Laurent, entre otros.  

“Durante casi 60 años, Phoenix Art Museum y Arizona Costume Institute han colaborado para traer el mundo de la moda a Phoenix, y Grandes Éxitos revela la fascinante historia de cómo nuestra comunidad construyó este increíble legado, ahora una de las colecciones de moda más reconocidas de los Estados Unidos”, dijo Jeremy Mikolajczak, Director de Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “Además de celebrar la historia de la colección, esta serie de exposiciones y los programas públicos que las acompañan, así como su próxima publicación, destacarán a los numerosos líderes cívicos, donantes, miembros y personal que han contribuido no sólo en la construcción de una colección que atrae y educa al público sobre la importancia de la moda, sino también en la ampliación de nuestros fondos para reflejar la amplia gama de géneros y movimientos que representan.”  

La exposición Grandes Éxitos (Vol. 1), que se extiende por las Kelly Ellman Fashion Galleries a lo largo de todo el Mezanine del ala sur del Museo, recorre la evolución de la colección de moda de PhxArt desde su fundación por el Arizona Costume Institute (ACI) en 1966 hasta la actualidad. La exposición comienza con una amplia muestra de materiales de archivo del ACI, que destaca a los líderes cívicos, miembros de la comunidad, y más que encabezaron el esfuerzo de crear y expandir la colección del Museo. Luego, los visitantes pasan a una espectacular muestra monocromática de prendas que abarcan desde el siglo XVIII hasta la actualidad y que explora el dinamismo y la importancia de la silueta. Esta sección gráfica celebra las numerosas formas que han definido la historia de la moda y las percepciones del género, la belleza y la identidad. En la tercera y más amplia de las Kelly Ellman Fashion Galleries, Grandes Éxitos (Vol. 1) presenta varias viñetas de “acontecimientos” significativos de la moda y motivos representados en toda la colección. Los temas incluyen la moda como escultura blanda, las tecnologías y los avances científicos que han influido en las técnicas y los materiales, la influencia de las actividades deportivas en las tendencias y el impacto duradero del Romanticismo y el estilo grecorromano en los diseñadores.  De gran impacto visual, en la sección final de Grandes Éxitos (Vol. 1), los visitantes examinarán el futuro del coleccionismo de moda, con una impresionante presentación de la más reciente adquisición del Museo, una prenda de alta costura de los afamados diseñadores holandeses Vicktor & Rolf.  

Grandes Éxitos (Vol. 1) se acompaña de una serie de programas públicos y conferencias a cargo de profesionales de la moda de renombre mundial (que se anunciarán próximamente), así como de la publicación del primer libro de la colección del Museo centrado en la moda, publicado en colaboración con SCALA Arts Publishers.  

Otros diseñadores y casas notables representados en Grandes Éxitos son:

“En 1966, pocos museos de Estados Unidos albergaban colecciones de moda, lo que hizo que la creación de una colección de moda de alta costura en lo que entonces era una pequeña pueblo del desierto fuera una empresa especialmente inspirada y con visión de futuro”, declaró Helen Jean, la Curadora del Diseño de Moda, de Jacquie Dorrance y curadora de la exposición. “Grandes Éxitos (Vol. 1) celebra este logro y al mismo tiempo destaca la capacidad de la Colección de Moda PhxArt para mostrar el ingenio de los diseñadores que a lo largo de los siglos han trabajado en la intersección del arte, el diseño y la tecnología. Esta exposición será una oportunidad apasionante no sólo para experimentar muchas prendas excepcionales de los fondos de moda del Museo, sino también para profundizar en nuestra comprensión de los fundamentos prácticos, sociales y creativos de la moda histórica y contemporánea. Esta exposición también rinde homenaje a las personas y a los preciados objetos que contribuyeron a formar esta joya del Suroeste.” 

Fotografía de alta resolución de Grandes Éxitos (Vol. 1): El arte de archivar la moda puede ser descargada aquí. Para solicitar entrevistas, comunícate con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de la exposición 
La colección: Grandes éxitos (Vol. 1): El arte de archivar la moda está organizada por el Phoenix Art Museum y curada por Helen Jean, Curadora de Diseño de Moda Jacquie Dorrance del Phoenix Art Museum, con Catherine Wise, practicante de diseño de moda de Hirabayashi, y Summer Rye, practicante.

Se presenta gracias al generoso apoyo de Thomas Carlton Rogers II, Bennett y Jacquie Dorrance, el Kelly and Steve Ellman Fashion Endowment Fund y el Arizona Costume Institute. 

Todas las exposiciones en Phoenix Art Museum son financiadas por el Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por The Opatrny Family Foundation con el apoyo adicional de Joan Cremin.   

La admisión es gratuita para miembros del Museo; los menores de 5 años; y los estudiantes de Maricopa County Community Colleges. Los visitantes también pueden disfrutar de una admisión reducida a la exposición en horario de donaciones voluntarias los miércoles de 3 – 9 pm, Los visitantes también pueden disfrutar de una admisión reducida a exposiciónes en horario de donación voluntaria los miércoles de 3 a 9 de la tarde, gracias a SRP y a City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios de admisión general y horas, visita phxart.org/visit/. 

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras de las Américas y del Oeste estadounidense, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca de Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880. 

Acerca de la Colección de Moda de Phoenix Art Museum Phoenix Art Museum es una de las pocas instituciones de Estados Unidos que colecciona, conserva y expone continuamente obras de moda, lo que sitúa a la institución del Suroeste en compañía de otros importantes museos de moda. El Museo comenzó a coleccionar moda en 1966, cuando se fundó el Arizona Costume Institute para apoyar la adquisición y conservación de prendas y accesorios de importancia histórica y estética. En la actualidad, la colección de moda PhxArt alberga más de 9,000 objetos de moda femenina, masculina e infantil que abarcan desde el siglo XVIII hasta nuestros días. También alberga tres archivos especiales: el Archivo Geoffrey Beene, con más de 300 prendas del difunto diseñador donadas por Patsy Tarr; el Archivo Emphatics, con moda vanguardista de Alexander McQueen, Issey Miyake, Thierry Mugler y otros; y el Archivo Ann Bonfoey Taylor, con el extraordinario vestuario de alta costura de la socialité y creadora de tendencias estadounidense. 

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PHOENIX (25 de octubre, 2023) – Este invierno, Phoenix Art Museum presenta Expandiendo el darshan: Manjari Sharma, ver y ser visto, showcasing the remarkable, large-scale work of global contemporary artist Manjari Sharma. Organizada por el Birmingham Museum of Art de Alabama, la exposición presenta los intrincados retratos fotográficos de Sharma de su serie Darshan, junto con objetos escultóricos históricos de la colección del Birmingham Museum of Art, muchos de los cuales se exponen por primera vez. Juntas, estas obras exploran cuestiones de identidad, multiculturalismo y mitología personal. Expandiendo el darshan: Manjari Sharma, ver y ser visto se podrá ver desde el 16 de diciembre del 2023 hasta el 14 de abril del 2024 en la Katz Wing de Phoenix Art Museum.

“Phoenix Art Museum se enorgullece de presentar Expandiendo el darshan: Manjari Sharma, ver y ser visto como la exposición inaugural en un espacio de exposiciones temporales recientemente renovado, situado en la tercera planta del Katz Wing”, dijo Jeremy Mikolajczak, Director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. Esta exposición dará a conocer a nuestros visitantes a Manjari Sharma, una destacada artista contemporánea que toma imágenes hindúes clásicas y las reimagina a través del medio fotográfico, en conversación con una selección de objetos escultóricos de la colección del Birmingham Museum of Art”. Expandiendo el darshan ilumina aún más nuestro enfoque institucional de combinar obras de arte históricas con obras modernas y contemporáneas, profundizando así las conexiones y relaciones con comunidades diversas y multigeneracionales. Expandiendo el darshan va acompañada de una sólida serie de programación artística que pone de relieve los principios y las prácticas culturales del hinduismo, la tercera religión más grande del mundo”. 

Radicada en Los Ángeles, Sharma nació y creció en Mumbai (India), y crea obras basadas en el retrato fotográfico que abordan cuestiones de identidad, multiculturalismo y mitología personal. El nombre de la serie hace referencia a la palabra sánscrita darshana, que significa “vista”, “visión” o “aparición”. En la fe hindú, “darshan” se refiere a la experiencia de ver o presenciar una deidad, un objeto espiritual o una persona sagrada de forma real o imaginaria. El verdadero darshan no es simplemente una relación voyeurista, sino una interacción mutua entre el espectador y el sujeto que da lugar a una poderosa forma de adoración.

Para llevar a cabo su serie Darshan, Sharma trabajó en varios continentes para organizar y coordinar un gran equipo de modelos y artesanos, entre los que se encontraban constructores de utilería, maquillistas, directores artísticos, pintores, carpinteros, expertos en joyería y asistentes, cuya labor y conocimientos sirvieron de base para sus recreaciones fotográficas de nueve deidades hindúes en templos. Estas imágenes se crearon a medida y se han publicado en The New York Times, Vice Magazine y Los Angeles Times, entre otros.

“Mi práctica está moldeada por mi curiosidad cultural sobre el paisaje interior de la mente humana y su relación inextricable, elemental y sagrada con el ritual y la mitología”, afirma Sharma. Utilizo mi lente de introspección para crear collages conceptuales a partir de las escrituras de ayer, yuxtaponiéndolas a su transpiración en los relatos cotidianos de hoy”. Darshan fue la culminación de mi profundo interés por estudiar, cuestionar y celebrar estos estados épicos de la imaginación, la historia, la interpretación y la transformación humanas.”

En diálogo con estas imágenes contemporáneas, la exposición presenta objetos escultóricos mucho más antiguos de la colección del Birmingham Museum of Art, muchos de los cuales se muestran al público por primera vez. Estas obras datan del siglo VII y ofrecen oleadas de iteraciones estilísticas y regionales -tanto del sur como del sureste asiático- de estas mismas nueve deidades hindúes. Junto con las obras de Sharma, amplifican las conversaciones en curso sobre la inextricable relación entre arte y religión, y cómo cada generación de artistas contemporáneos sigue inspirándose en sus experiencias personales, culturas individuales y prácticas espirituales para renovar y reconceptualizar imágenes de una historia pasada.

“Amplificada por las extraordinarias fotografías de Sharma, esta exposición demuestra -a lo largo de los siglos- una mayor esfera de intercambio en todo el sur y el sudeste de Asia de magníficas fuentes visuales y textuales compartidas no sólo por el hinduismo, sino también por el budismo, el jainismo e incluso aspectos de las tradiciones religiosas islámicas que se practican en todas las regiones”, dijo la doctora Katherine Anne Paul, Curadora de Arte Asiático Virginia y William M. Spencer III del Birmingham Museum of Art.

Expandiendo el darshan: Manjari Sharma, ver y ser visto está acompañada de un catálogo ilustrado con fotografías de Sharma y obras históricas de la colección del Birmingham Museum of Art. La publicación sirve de introducción accesible a las artes del hinduismo al presentar nueve de las deidades más significativas del panteón hindú y su relevancia contemporánea en el arte y la fe. El libro también pone a Sharma en conversación con la renombrada curadora Bridget Bray del Asia Society Texas Center, contenido que proporciona una visión de los pensamientos contemporáneos, retos y oportunidades que Sharma generó a través de su serie Darshan. Angela May contextualiza otras formas de práctica artística contemporánea en Angkor, Camboya, que responden al sitio declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Por último, una selección de estudios de casos ofrece una visión de la transparencia institucional, el conocimiento y la procedencia de obras específicas que aparecen en el volumen.

Fotografía de alta resolución puede ser descargada aquí. Para solicitar entrevistas, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum en el 602.257.2117 o via samantha.santos@phxart.org.

Acerca de la exposición
Expandiendo el darshan: Manjari Sharma, ver y ser visto es organizada por Birmingham Museum of Art. La presentación de la exposición en Phoenix Art Museum es coordinada por la Dra. Janet Baker, Curadora Emérita de Arte Asiático, y Rachel Sadvary Zebro, curadora asociada de colecciones de Phoenix Art Museum, en colaboración con la Dra. Katherine Anne Paul, Curadora de Arte Asiático Virginia and William M. Spencer III de Birmingham Museum of Art. Expandiendo el darshan: Manjari Sharma, ser y ser visto es posible gracias a la generosidad de Men’s Arts Council, con el apoyo adicional de E. Rhodes and Leona B. Carpenter Foundation y Vermaland, LLC. Todas las exposiciones en Phoenix Art Museum son financiadas con el apoyo del Phoenix Art Museum Exhibition Excellence Fund, fundado por Opatrny Family Foundation con un importante apoyo adicional proporcionado por Joan Cremin.

La admisión es gratuita para Miembros del Museo; veteranos, personal militar activo, y sus familiares inmediatos; menores de 5 años y estudiantes de Maricopa County Community Colleges. La admisión a la exposición está incluida en la admisión para el público en general. Los visitantes también pueden disfrutar de una tarifa reducida durante el horario de donaciones voluntarias, los miércoles de 3 a 9 de la tarde, gracias a SRP y a City of Phoenix. Para obtener un desglose completo de los precios y horarios de admisión general, consulta phxart.org/visit/.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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(31 de mayo, 2023) – Phoenix Art Museum (PhxArt) y el Center for Creative Photography (CCP) de University of Arizona anuncian a la Dra. Emilia Mickevicius, como la recién nombrada curadora asistente de fotografía de la familia Norton. Mickevicius dividirá su tiempo entre las dos instituciones, trabajando con las colecciones de renombre mundial de CCP para curar exposiciones que se presentarán en la Doris and John Norton Gallery for the Center for Creative Photography de Phoenix Art Museum. Ella llega a PhxArt y CCP desde San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), donde se ha desempeñado como asistente curatorial en el departamento de fotografía desde el 2019. Mickevicius comienza su cargo el 5 de junio del 2023.

“Estamos encantados de dar la bienvenida a Emilia Mickevicius a Phoenix Art Museum”, dijo Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “El puesto de curadora asistente de fotografía de la familia Norton es parte integral de nuestra valiosa y duradera asociación con el Center for Creative Photography, y con su importante experiencia en la investigación y organización de exposiciones para instituciones como SFMOMA, el Art Institute of Chicago y el RISD Museum, Mickevicius aportará una experiencia invaluable a las exposiciones de fotografía del Museo”.

“La Dra. Mickevicius tiene una comprensión sofisticada y matizada de la fotografía y la dedicación a hacer que la colección del Centro y las exhibiciones resultantes sean atractivas, educativas y acogedoras para todos los que vienen al Phoenix Art Museum”, dijo la Dra Rebecca A. Senf, jefa de curaduría del Center for Creative Photography. “Es un placer para experimentar su auténtica pasión y contagioso entusiasmo por la fotografía.”

Como curadora asistente de fotografía de la familia Norton, Mickevicius trabajará con la renombrada colección de fotografía de CCP para curar exhibiciones para Phoenix Art Museum como parte de una asociación continua entre las dos instituciones de Arizona, que comenzó en el 2006. La misión de la colaboración innovadora la cual fue posible gracias a la generosidad del Sr. y la Sra. John R. Norton, es llevar exhibiciones fotográficas vibrantes, presentando obras de las colecciones incomparables del Centro, a audiencias nuevas y más grandes. Fundada en 1975 por el renombrado fotógrafo Ansel Adams y el Dr. John Schaefer, entonces presidente de University of Arizona, CCP es la colección principal de investigación de archivos y artes fotográficas estadounidenses. En las últimas dos décadas, PhxArt y CCP han presentado cerca de 40 exposiciones que han fomentado un mayor compromiso y comprensión de algunas de las obras fotográficas más importantes del siglo XX entre el público local, regional y nacional.

“Estoy encantada de aportar mi pasión y experiencia en el campo de la fotografía a este puesto de curadora asistente de fotografía de la familia Norton, y espero continuar construyendo la historia de colaboración y asociación entre Phoenix Art Museum y el Center for Creative Photography, —dijo Mickevicius—. “Estoy emocionada de trabajar con la célebre colección del Centro, desarrollar nuevas investigaciones y estudios sobre sus importantes

usufructos, y crear una programación dinámica que involucre, eduque e inspire a los visitantes del Museo durante todo el año”.

Emilia Mickevicius es historiadora del arte y curadora especializada en fotografía estadounidense contemporánea y del siglo XX. En su puesto de asistente curatorial en el departamento de fotografía de SFMOMA, organizó y contribuyó a exposiciones como Inside Out: Selections from the Sack Photographic Trust (2023); Sightlines: Photographs from the Collection (2022); A Living for Us All: Artists and the WPA (2022); y Kinship: Photography and Connection (2023), así como la próxima presentación, Sea Change: Photographs from the Collection (2023). Antes de unirse a SFMOMA, Mickevicius ocupó cargos en los departamentos curatoriales del Art Institute of Chicago y el RISD Museum. En el 2019, recibió su doctorado en historia del arte y arquitectura de Brown University, donde su disertación se centró en la exposición fotográfica de paisajes del George Eastman Museum de 1975, New Topographics. Su investigación ha sido apoyada por la Henry Luce Foundation/American Council of Learned Societies (ACLS), el Crystal Bridges Museum of American Art, el Center for Creative Photography, y el Getty Research Institute. Recibió su licenciatura en historia del arte de University of Chicago.

La próxima exposición de fotografía organizada por Phoenix Art Museum y el Center for Creative Photography se estrenará en la Doris and John Norton Gallery for the Center for Creative Photography del Museo en diciembre del 2023. Más información estará disponible próximamente en phxart.org y ccp.arizona.edu.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca del Center for Creative Photography

El Center for Creative Photography de University of Arizona, in Tucson es reconocido como uno de los mejores museos académicos de arte y centros de estudio para la historia de la fotografía. El centro abrió sus puertas en 1975, después de una reunión entre el aquel entonces presidente de la Universidad, el doctor John Schaefer y el fotógrafo de fama mundial, Ansel Adams. Comenzando con los archivos de cinco maestros de la fotografía—Ansel Adams, Wynn Bullock, Harry Callahan, Aaron Siskind y Frederick Sommer—la colección ha crecido hasta 270 colecciones de archivos. Entre estos estan algunos de los nombres más reconocidos en la fotografía norteamericana del siglo XX: Lola Álvarez Bravo, W. Eugene Smith, Edward Weston, y Garry Winogrand. The Center for Creative Photography, at the University of Arizona is the premier research collection of American photographic fine art and archives. The Center opened in 1975, following a meeting between University President John Schaefer and Ansel Adams. Beginning with the archives of five living master photographers—Ansel Adams, Wynn Bullock, Harry Callahan, Aaron Siskind, and Frederick Sommer—the collection has grown to include 270 archival collections. Among these are some of the most recognizable names in 20th-century North American photography, including W. Eugene Smith, Lola Álvarez Bravo, Edward Weston, and Garry Winogrand En combinación, existen más de ocho millones de objetos en la colección del centro incluyendo negativos, fotografías, hojas de contacto, álbumes de fotografía, álbumes de recortes, correspondencia, ensayos, materiales audiovisuales y otros objetos memorables. Para aprender más sobre el Center for Creative Photography, visita ccp.arizona.edu, o llama al 520.621.7968.

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Crédito de imagen: Cannupa Hanska Luger, Incendiario, 2023. Pintura acrílica sobre lienzo y técnica mixta. Adquisición del Museo con fondos provistos por Men’s Arts Council. Cortesía del artista y de Garth Greenan Gallery, Nueva York.

PHOENIX (8 de mayo, 2023) –Phoenix Art Museum (PhxArt) anuncia la adquisición de Incendiario (2023) de Cannupa Hanska Luger, una obra tipi a gran escala de colores vibrantes de una serie reciente que explora la adaptabilidad y versatilidad de la estructura nómada como metáfora de la resiliencia de los pueblos indígenas frente a la violencia colonial. El lienzo pintado y moldeado es una adición significativa a la colección de arte contemporáneo del Museo y promueve los esfuerzos del Museo para coleccionar y exhibir arte que refleje una diversidad de voces de la región suroeste y Arizona. Incendiario de Luger fue adquirida por el Museo con fondos de Men’s Arts Council, un grupo de apoyo del Museo dedicado a apoyar adquisiciones, exhibiciones y programas educativos y de participación. Está actualmente en exhibición en el Katz Wing for Modern Art.

“Agregar Incendiario de Cannupa Hanska Luger a la colección de Phoenix Art Museum representa un importante paso adelante en el crecimiento de las perspectivas indígenas contemporáneas dentro de la Colección PhxArt”, dijo Jeremy Mikolajczak, Director y CEO de Sybil Harrington del Museo. “La obra es un maravilloso ejemplo de cómo Luger usa el conocimiento indígena para desafiar las historias y los estereotipos y, en diálogo con otras obras, demuestra asertivamente una reformulación y un reposicionamiento de las narrativas históricas de los pueblos nativos. Incendiario se une a otras pinturas y obras multimedia en nuestras colecciones de arte contemporáneo de artistas indígenas contemporáneos como Fritz Scholder y Steven Yazzie”.

Cannupa Hanska Luger nació en 1979 en la Reservación Standing Rock en Dakota del Norte. Ahora radicado en Nuevo México, es miembro inscrito de las Tres Tribus Afiliadas de la Reservación de Fort Berthold y tiene ascendencia mandan, hidatsa, arikara, lakota y europea. Al incorporar una amplia gama de medios, desde cerámica, acero y fibra hasta videos y materiales reutilizados, Luger crea instalaciones y esculturas monumentales, representaciones y obras murales que intentan reformular y recuperar las narrativas del siglo XXI sobre las culturas e identidades indígenas. Su obra une referencias históricas y tradición con preocupaciones contemporáneas, todo para imaginar y soñar con futuros indígenas.

Luger es un Guggenheim Fellow del 2022 y ganador del United States Artists Fellowship Award for Craft 2021. En el 2021, fue nombrado Fixer de GRIST y, en el 2020, fue nombrado Creative Capital Fellow y Smithsonian Artist Research Fellow, entre otros premios y reconocimientos anteriores. Luger ha exhibido a nivel nacional e internacional en instituciones como el The Metropolitan Museum of Art, Gardiner Museum, Kunsthal KAdE, ASU Art Museum, Berkeley Art Museum, New Orleans Museum of Art, Mesa Arts Center, y el National Center for Civil and Human Rights. Su obra se presenta en colecciones de varios museos de todo el mundo, incluyendo el North American Native Museum (Zurich, Suiza); the Denver Art Museum; the Museum of Contemporary Native Arts (Santa Fe); the Yale University Art Gallery (New Haven); y la Conley Gallery, California State University (Fresno). Luger tiene una licenciatura en artes del Institute of American Indian Arts.

Incendiario (2023) es uno de los 10 lienzos de la serie de tipis de Luger, una investigación reciente sobre la pintura. Para la gente de las llanuras, los tipis representan un estilo de vida nómada, definido por patrones de migración que reflejan los movimientos de las manadas de búfalos. Las estructuras a menudo estaban hechas de pieles de búfalo cazado, haciéndolas parte de la tierra y de los humanos que las construyeron simultáneamente. Los tipis también se adaptan a la tierra en la que existen, de manera similar a como los pueblos indígenas se han adaptado durante siglos de lucha y conflicto continuo con los colonizadores.

Como parte de su serie tipi, Luger transformó la palabra “tipi” en un acrónimo: Infraestructura de Protección Intergeneracional Transportable. El acrónimo sugiere que la estructura puede atravesar el tiempo y el espacio, incluso hacia los reinos futuros de la existencia, consolidando así su estatus como testimonio de la resiliencia y la innovación indígenas. Incendiario, al igual que otros lienzos de esta serie de obras, presenta formas gráficas reconocibles de estrellas y ojos de dibujos animados de gran tamaño con pestañas rizadas, que se extraen de referencias históricas específicas. Los ojos hacen referencia a las caracterizaciones estereotipadas de dibujos animados de los pueblos indígenas en las primeras animaciones, mientras que la estética pop general se refiere al arte histórico de los radomos de la fuerza aérea. Este tipo de arte de los radomos apareció por primera vez en los Tomahawks de la Royal Air Force británica durante la Segunda Guerra Mundial y luego fue adoptado por las fuerzas estadounidenses para adornar los P-40 estadounidenses o Warhawks. Al apropiarse de estas imágenes y colocarlas en una estructura nómada nativa, Luger reflexiona sobre la capacidad de los pueblos indígenas, su conocimiento y sus tecnologías para resistir la violencia y agresión colonial que representan estos diseños. También es una reflexión sobre cómo la cultura popular occidental se ha apropiado de los motivos culturales de los nativos americanos durante siglos.

Para obtener más información sobre esta reciente adquisición y una imagen de alta resolución, comunícate con la oficina de prensa del Museo vía samantha.santos@phxart.org o press@phxart.org. Para obtener más información sobre el artista, visita garthgreenan.com.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Center for Creative Photography de University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (21 de febrero, 2023) –Esta primavera, Phoenix Art Museum (PhxArt) presentará al renombrado artista Otis Kwame Kye Quaicoe en conversación con el curador y crítico cultural Larry Ossei-Mensah durante la Conferencia Lenhardt de esta primavera del Museo, un componente clave de la Iniciativa de Arte Contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. Quaicoe es conocido por sus exuberantes retratos de amigos y familiares que utilizan colores llamativos para comunicar narrativas personales e identidades distintas. Sus formas figurativas, incluida una serie reciente de vaqueros negros estadounidenses, exudan empoderamiento, redención, sofisticación, humildad, curiosidad y quietud, y que a menudo, reflejan la dinámica de género y raza de los Estados Unidos. Coincidiendo con el programa de PhxArt, el Museo adquirió el retrato de Quaicoe Profile of Larry Ossei (Perfil de Larry Ossei)(2022), que estará en exhibición esta primavera en el Katz Wing for Modern Art del Museo y es la quinta obra adquirida por el Museo a través de la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt. La Conferencia Lenhardt de esta primavera postulará a Quaicoe en diálogo con el tema de esta reciente adquisición, Larry Ossei-Mensah, lo que representa una emocionante oportunidad para aprender sobre el proceso del retrato y el equilibrio entre el artista y el sujeto. El evento se presentará el 22 de marzo de 2023 a las 7 pm en el Whiteman Hall del Museo. Los boletos son gratuitos para los Miembros del Museo y $5 para el público y se pueden reservar aquí.

“Estamos encantados de traer a Otis Kwame Kye Quaicoe y a Larry Ossei-Mensah a Phoenix Art Museum como parte de nuestra serie de conferencias Lenhardt en curso, las cuales son posible gracias a la visión y la generosidad de Dawn y David Lenhardt”, dijo Jeremy Mikolajczak, director Sybil Harrington y CEO de Phoenix Art Museum. “La habilidad de Quaicoe para capturar la esencia de sus modelos es magistral, y su retrato de Ossei-Mensah—una fuerza emergente en el campo del arte contemporáneo, no es diferente. Este trabajo, con Ossei-Mensah vestido como un vaquero, brinda a nuestros visitantes la oportunidad de considerar historias e identidades históricamente excluidas de las narrativas sobre el oeste americano y el mundo del arte en general, y agradecemos a la familia Lenhardt por permitirnos el Museo para agregar esta importante pintura a nuestra colección permanente”.

Nacido en Accra, Ghana, y ahora radicado en Oregón, Otis Kwame Kye Quaicoe (n. 1988) es uno de los principales artistas de África occidental de su generación. Quaicoe aborda la pintura como un medio exploratorio que presenta una oportunidad para abordar temas de identidad personal, dinámicas sociales dominantes y la historia de la pintura misma. Realizados en una escala accesible, sus retratos ricamente texturizados son íntimos y poderosos, utilizando campos de color audaces y concentrados para capturar las emociones y las características definitorias de sus modelos. Su reciente serie de retratos de vaqueros negros moderniza el género, descontinuando un relato inexacto y excluyente generalizado de la historia de los Estados Unidos. Quaicoe, quien estudió pintura en el Ghanatta College of Art and Design for Fine Art, ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales, incluyendo ONE BUT TWO (Haadzii) (2021) y Black Like Me (2020) en la galería Roberts Projects de Los Ángeles, California, así como BLACK RODEO: Cowboys of the 21st Century (2022) en Almine Rech Gallery en Bruselas, Bélgica.

Para la Conferencia Lenhardt de primavera en PhxArt, Quaicoe aparecerá en una conversación con el curador y crítico cultural ghanés-estadounidense Larry Ossei-Mensah. Originario del Bronx, Ossei-Mensah utiliza el arte como un foro para redefinir cómo nos vemos a nosotros mismos y al mundo que nos rodea. Actualmente, se desempeña como curador general en la Academia de Música de Brooklyn (BAM) y anteriormente se desempeñó como curador senior de Susanne Feld Hilberry en el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit. Ossei-Mensah ha trabajado con artistas como Steve McQueen, Catherine Opie, Nick Cave, Guadalupe Maravilla, Ebony G. Patterson, Judy Chicago y Amoako Boafo, por nombrar algunos, y sus exposiciones y proyectos han aparecido en diversos festivales nacionales e internacionales. lugares, incluido el Museo de Arte Contemporáneo de Denver; Ben Brown Fine Arts en Hong Kong y Londres; el Museo de la Diáspora Africana en San Francisco; MASS MoCA; y la 7ª Bienal de Atenas en Atenas, Grecia, de la cual fue co-curador con OSMK Social Club.

“Dawn y yo estamos muy complacidos de dar la bienvenida a Otis Kwame Kye Quaicoe y Larry Ossei-Mensah a Phoenix Aert Museum para la Conferencia Lenhardt de esta primavera”, dijo David Lenhardt, vicepresidente de la Junta Directiva del Museo. “Las obras de empoderamiento de Quaicoe utilizan el retrato como una forma de investigación cultural diaspórica, lo que nos permite indagar en temas sociales de nuestro pasado y presente. Estamos emocionados de ayudar a traerlo a él y a Ossei-Mensah a Phoenix para que nuestra comunidad pueda aprender más sobre su colaboración, sus procesos y las historias en las cuales se enfocan en descubrir y elevar”.

Profile of Larry Ossei (Perfil de Larry Ossei) (2022) de Quaicoe es la quinta obra adquirida en la colección del Museo con fondos de la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt, la cual se amplió en el 2021 para apoyar la diversificación de la colección de arte contemporáneo de Phoenix Art Museum mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyen a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones socialmente relevantes, incluyendo los de artistas negros, indígenas, latinos y mujeres, entre otros. La pintura modela a Ossei-Mensah, considerado una estrella curatorial en ascenso, como un vaquero negro, cuestionando el descarte de la identidad negra dentro de un contexto histórico-artístico y dentro de las historias del oeste de Estados Unidos. El trabajo estará en exhibición en el Katz Wing for Modern Art del Museo a partir de esta primavera y junto con la Conferencia Lenhardt de Marzo.

“El retrato de Ossei-Mensah de Quaicoe no solo diversifica la colección de arte contemporáneo del Museo, sino que amplía nuestra comprensión del oeste americano y lo que consideramos arte estadounidense”, dijo Christian Ramírez, curadora asistente de iniciativas de arte contemporáneo y comunitario. “Estamos agradecidos con la familia Lenhardt por su continua dedicación para expandir la representación en nuestros programas y adquisiciones”.

Para obtener más información sobre la Conferencia Lenhardt de primavera del 2023, comunícate con la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o vía samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de la Conferencia de Dawn y David Lenhardt y la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt
La Conferencia de Dawn y David Lenhardt involucra al público de Valle con algunos de los artistas contemporáneos más aclamados del mundo. En el 2018, la conferencia inaugural presentó al artista neoyorquino Jim Hodges, y las conferencias posteriores incluyeron a los artistas Shara Hughes, Daniel Joseph Martinez, Arcmanoro Niles, Teresita Fernández, Amalia Mesa-Bains, Derek Fordjour y Rashid Johnson.

La Conferencia Lenhardt es un componente clave de la Iniciativa de arte contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. Hecho posible gracias a la generosidad de la familia Lenhardt radicada en Arizona, la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt se estableció en el 2017 para profundizar el compromiso del Museo con el arte contemporáneo a través de varios programas, específicamente, las Conferencias Lenhardt, que involucran al público del Valle con algunas de los artistas contemporáneos más aclamados del mundo; el Fondo de adquisición de arte contemporáneo Lenhardt, que permite que Phoenix Art Museum coleccione obras de artistas contemporáneos; y la Dawn and David Lenhardt Gallery, designada para la presentación de arte contemporáneo, que incluye obras adquiridas con fondos de la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt, préstamos de coleccionistas nacionales y locales, y una serie rotativa de obras de arte de la propia colección Lenhardt. En 2021, la iniciativa se amplió para apoyar la diversificación de la colección de arte contemporáneo del Phoenix Art Museum mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyan a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones socialmente relevantes, incluidas las de personas negras, indígenas, latinx, y mujeres artistas, entre otros. Desde el 2017, el Museo ha adquirido obras de arte de Shara Hughes, Arcmanoro Niles, Derek Fordjour, Rashid Johnson y, ahora, Otis Kwame Kye Quaicoe con fondos de la Iniciativa de arte contemporáneo Lenhardt.

Acerca de Otis Kwame Kye Quaicoe
Otis Kwame Kye Quaicoe (n. 1988, Accra, Ghana) es uno de los principales artistas de África Occidental de su generación. Quaicoe asistió a la Facultad de Arte y Diseño de Bellas Artes de Ghanatta en Accra, Ghana, con especialización en pintura. Sus imágenes exploran temas de empoderamiento y redención, sofisticación y humildad, curiosidad y quietud, y en su obra, el color se convierte en su propio lenguaje de transformación, ya sea social, político o personal. Cada una de las figuras de Quaicoe representa la recuperación de la dignidad cultural, abrazando la idea de origen y la narrativa personal en el marco de las dinámicas de género y raza. Quaicoe ha sido objeto de exposiciones individuales que incluyen ONE BUT TWO (Haadzii) (2021) y Black Like Me (2020) en la galería Roberts Projects en Los Ángeles, California.

Acerca de Larry Ossei-Mensah
Larry Ossei-Mensah (n. 1980) usa el arte como un foro para redefinir cómo nos vemos a nosotros mismos y al mundo que nos rodea. El curador y crítico cultural ghanes-estadounidense ha organizado exposiciones y programas con artistas como Firelei Baez, Steve McQueen, Catherine Opie, Nick Cave y Guadalupe Maravilla, entre otros. También ha colaborado con creativos como Derrick Adams x Jay-Z, Marco Brambilla y Mikael Owunna, junto con lugares globales como The MCA Denver, Ben Brown Fine Arts en Hong Kong y Londres, y la 7ª Bienal de Atenas en Atenas. Grecia, la cual co-curó con OSMK Social Club.

Originario del Bronx, Ossei-Mensah cofundó ARTNOIR, una organización sin fines de lucro dedicada a impulsar la equidad racial en el mundo del arte. Actualmente, se desempeña como curador general en la Academia de Música de Brooklyn, con próximas exhibiciones programadas en el Museo de Arte de Seattle y el Museo de Arte de Denver.

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PHOENIX (14 de diciembre, 2022) –Phoenix Art Museum agregó recientemente más de 170 obras a su colección de más de 20,000 objetos de arte y diseño de moda asiático, estadounidense, latinoamericano, europeo, moderno y contemporáneo. Las adquisiciones notables incluyen Un paisaje fluvial con una cascada (c. 1660) del renombrado pintor holandés Jacob van Ruisdael y El vuelo de Sor Juana (1982) de Eduardo Carrillo. Además, el Museo adquirió Vestido (1996) de James Sterling Paper Fashions y Cambio de “Daisy Mae” (década de 1960) de Mist Modes, los cuales fortalecen las existencias del Museo de diseños de moda hechos de papel y materiales desechables.

Adquisiciones destacadas:

• Un paisaje fluvial con una cascada (c. 1660) de Jacob van Ruisdael, obsequiada por el Dr. Meryl H. y la Sra. Jeanne Haber, representa una cascada turbulenta que cae en un estanque rodeado de magníficos árboles, con agua agitada y grandes ramas de árboles rotas en primer plano que sugieren la naturaleza siempre cambiante de la vida. La procedencia más reciente de la obra es de gran interés. En la década de 1930, la pintura se encontraba en la galería de la casa del comerciante de arte judío holandés Jacques Goudstikker. La saga de su familia es una tragedia de la Segunda Guerra Mundial. Cuando los nazis invadieron los Países Bajos, la familia Goudstikker huyó. Hermann Göring, líder nazi, saqueó esta pintura (en la fotografía de la página anterior), junto con muchas otras, de la Galería Goudstikker en Ámsterdam. Durante la Segunda Guerra Mundial, los Nazis ocultaron las pinturas. En 1945, cuando terminó la guerra, esta obra y otras de los viejos maestros fueron recuperadas por los aliados y el gobierno holandés. La familia Goudstikker tardó casi 60 años en recuperar la posesión de las pinturas una vez más. Esta pintura se compró en una subasta en Londres en 2007. En la parte posterior de la pintura hay etiquetas de la Galería Goudstikker que indican que los nazis estaban en posesión de esta obra durante la Segunda Guerra Mundial. Actualmente en exhibición en Art of the Americas + Europe galleries.

• Vestido (1966) de James Sterling Paper Fashions y Cambio de “Daisy Mae” (1960s) de Misty Modes fueron obsequiados por Kelly Ellman, colaboradora del Museo desde hace mucho tiempo. Estas prendas coloridas y caprichosas destacan un momento especial en la historia de la moda, cuando las prendas hechas de papel y materiales desechables conquistaron el mundo. Estas obras, que ahora forman parte de la colección de diseño de moda del Museo, generan conversaciones importantes sobre la creatividad y la sostenibilidad.

• Tejido zero (2019) by Julianne Swartz, adquirido con fondos proporcionados por Jane y Mal Jozoff, está fabricado con filamento de cobre esmaltado que tiene aproximadamente el diámetro de un mechón de cabello. El enrollado repetitivo convierte las frágiles hebras en un recipiente suave. Esta obra estuvo previamente expuesta en Historias de abstracción: arte latinoamericano contemporáneo en contexto global, que presentó obras de arte pocas veces vistas de algunos de los artistas contemporáneos más innovadores de América Latina. Actualmente en exhibición en Katz Wing for Modern Art.

• Obsequiado por Ruben y Juliette Carrillo, El vuelo de Sor Juana (1982) de Eduardo Carrillo representa a Sor Juana Inés de la Cruz, la monja, poeta y erudita autodidacta mexicana del siglo XVII. Considerada por los historiadores como una de las primeras escritoras feministas publicadas de su tiempo, Sor Juana es retratada con la pluma y el rosario en la mano y su cuerpo inclinado a la voluntad de Dios. La pintura muestra la capacidad de Carrillo para pasar del realismo a los reinos de la fantasía en su obra. Actualmente en exhibición en Art of the Americas + Europe galleries.

• Casa antigua en Ciénega (20^th century) by Fremont F. Ellis, obsequiado por JPMorgan Chase, esta es una de las obras de paisaje más destacadas de Ellis. Al establecerse en Santa Fe en 1919, el pintor principalmente autodidacta capturó su entorno y fundó uno de los primeros grupos de arte de Santa Fe, Los Cinco Pintores. Esta obra estuvo anteriormente en la colección de Walter Reed Bimson (1892-1980), un coleccionista de arte pionero de Arizona que dirigió el Valley National Bank. Actualmente en exhibición en Orme Lewis Gallery.

• Paisaje Japonés con figuras y barcos (c. 1869-1908) de Charles Dater Weldon, obsequiado por Janet y Peter Mattingly, fue creado durante el tiempo que el pintor de Ohio pasó en Japón. Como ilustrador, Weldon se ganó la reputación de representar con precisión “la vida real de la gente”. Esta obra, que retrata un paisaje japonés, es una adición inusual a la colección de arte estadounidense del Museo. Actualmente en exhibición en Orme Lewis Gallery.

• Para su colección de Arte Asiático, el Museo adquirió aproximadamente 50 textiles indonesios. Hechos completamente a mano para uso diario y ceremonial, los textiles se exhibieron anteriormente en la exposición Sumatra: Textiles de la colección del Dr. Thomas J. Hudak de 2010 del Museo. El obsequio representa la primera adquisición de obras de Indonesia, ampliando el total de naciones representadas en la colección Arte Asiático a 14.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visita phxart.org, o llama al 602.257.1880.

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PHOENIX (6 de octubre del 2022) –El 2 de noviembre del 2022, el Phoenix Art Museum presentará al artista aclamado por los críticos Rashid Johnson como orador de la Conferencia Lenhardt de otoño del Museo, un componente clave de la Iniciativa de Arte Contemporáneo Dawn y David Lenhardt. Johnson es reconocido internacionalmente por sus instalaciones abstractas y evocadoras, objetos bidimensionales y tridimensionales, videos y performances que exploran temas de historia social, historia del arte, filosofía y su propia autobiografía. La Conferencia Lenhardt del 2022 con el artista basado en Nueva York coincide con la reciente adquisición de Dibujo ansioso de un moretón sin título de Johnson (2021), que se exhibe en Katz Wing for Modern Art del Museo y es la cuarta obra adquirida por el Museo a través de la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt. La Conferencia Lenhardt de este año se presentará a las 7 pm el 2 de noviembre en el Whiteman Hall del Museo. La admisión es gratuita y se puede reservar aquí.

“Phoenix Art Museum y Dawn y David Lenhardt comparten la pasión no solo por expandir la representación en la colección de arte contemporáneo del museo, sino también por impactar a nuestra comunidad a través del compromiso con los artistas”, dijo Jeremy Mikolajczak, Director y CEO Sybil Harrington de Phoenix Art Museum. Estamos encantados de dar la bienvenida al artista de renombre internacional Rashid Johnson como orador de la Conferencia Lenhardt de otoño del Museo, posible gracias a la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt. Las obras multidisciplinarias influyentes y estratificadas de Rashid exploran temas de la historia personal y colectiva, refuerzan la importancia de la representación y exploran la resiliencia y el poder dentro de las comunidades e historias afroamericanas”.

“Rashid Johnson es una de las mentes creativas más brillantes de su generación”, dijo Gilbert Vicario, Curador de Arte Moderno y Contemporáneo del Museo. “Tiene un profundo conocimiento de la historia, que despliega en formas conceptualmente estimulantes, aportando una rara combinación de estética innovadora y profunda contemplación histórica en cuestiones de identidad y autoconciencia”.

Exposiciones individuales de la obra de Johnson han sido presentadas nacional e internacionalmente, incluyendo el Museo Tamayo, Ciudad de México; Milwaukee Art Museum; Garage Museum of Contemporary Art, Moscú; y el Drawing Center, Nueva York. Su primer largometraje, una adaptación de Native Son de Richard Wright, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance y se estrenó en HBO en el 2019. La obra de Johnson se encuentra en las colecciones permanentes de el Whitney Museum of American Art, Nueva York; Guggenheim Museum, New York; Los Angeles County Museum of Art; el Museum of Contemporary Art, Chicago; y ahora el Phoenix Art Museum.

“Dawn y yo estamos muy contentos de dar la bienvenida a Rashid Johnson como orador de la Conferencia Lenhardt de noviembre”, dijo David Lenhardt, vicepresidente de la Junta Directiva del Museo. “Los trabajos viscerales de Johnson combinan varios medios y apelan al simbolismo y sus experiencias personales para explorar cuestiones raciales y sociales. Estamos emocionados de traerlo a Phoenix para interactuar con nuestra comunidad a través de una conferencia pública y la oportunidad de conectarse con jóvenes estudiantes de arte”.

La obra Dibujo ansioso de un moretón sin título (2021) es la cuarta obra adquirida en la colección del Museo con fondos de la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt, que busca diversificar la colección de arte contemporáneo del Museo de Arte de Phoenix a través de la adquisición de obras de artistas que contribuyen a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones socialmente relevantes, incluyendo los de artistas negros, indígenas, latinos y mujeres, entre otros. La obra es parte de una serie de dibujos y pinturas titulada Moretón, que desarrolla temas presentados en la serie Rojo ansioso de Johnson que creó durante la pandemia para explorar la ansiedad, el aislamiento y la pérdida que muchos sienten debido al COVID-19. Estas obras de Moretón, incluida Dibujo ansioso de un moretón sin título, utilizan composiciones cuadriculadas de expresivos rostros mitad geométricos, mitad humanos en varios tonos de azul para conjurar los sentimientos de secuelas, ajuste de cuentas y curación que ahora se han apoderado de personas de todos los ámbitos. vida, en todo el mundo. También se inspiran en el estado de ánimo y la letra del estándar de jazz de Fats Waller “Black and Blue“, que fue popularizado por Louis Armstrong y es un motivo importante en la novela Invisible Man de Ralph Ellison. De esta manera, la pintura refleja no solo el impacto inmediato de los cambios sociales violentos provocados por la pandemia y la intensificación de las hostilidades entre líneas políticas, sino también cómo los momentos y movimientos sociales actuales son indicativos de desigualdades históricas en curso.

Para más información sobre la Conferencia Lenhardt del 2022, contacta a la Oficina de Comunicaciones de Phoenix Art Museum al 602.257.2117 o samantha.santos@phxart.org.

Acerca de Phoenix Art Museum
Desde 1959 el Phoenix Art Museum ha proporcionado a millones de visitantes acceso a experiencias y arte de nivel mundial en un esfuerzo por prender la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio valiente para todas las personas que desean tener la experiencia del poder transformador del arte. Ubicado en el corredor central de Phoenix, el Museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande en el suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes participan de exhibiciones nacionales e internacionales aclamadas por la crítica y la colección del museo de más de 20,000 obras americanas y americana del Oeste, Asia, Europa, América Latina, Arte Moderno y Contemporáneo y Diseño de Modas. El Museo también presenta un amplio programa de películas, actuaciones en vivo y programas educativos diseñados para visitantes de todas las edades; aunado a exposiciones de vibrante fotografía hecha posible por la memorable asociación del Center for Creative Photography, University of Arizona. Para saber más acerca del Phoenix Art Museum, visite phxart.org, o llama al 602.257.1880.

Acerca de la Conferencia de Dawn and David Lenhardt y la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lendhardt
La Conferencia de Dawn y David Lenhardt involucra al público de Valle con algunos de los artistas contemporáneos más aclamados del mundo. En el 2018, la conferencia inaugural presentó al artista neoyorquino Jim Hodges, y las conferencias posteriores incluyeron a los artistas Shara Hughes, Daniel Joseph Martinez, Arcmanoro Niles, Teresita Fernández, Amalia Mesa-Bains y Derek Fordjour.

La Conferencia Lenhardt es un componente clave de la Iniciativa de Arte Contemporáneo de Dawn y David Lenhardt. Hecho posible gracias a la generosidad de la familia Lenhardt con sede en Arizona, la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt se estableció en el 2017 para profundizar el compromiso del Museo con el arte contemporáneo a través de varios programas, a saber, las Conferencias Lenhardt, que involucran al público del Valle con algunas de los artistas contemporáneos más aclamados; el Fondo de Adquisición de Arte Contemporáneo Lenhardt, que permite que Phoenix Art Museum coleccione obras de artistas contemporáneos; y la Galería Dawn and David Lenhardt, designada para la presentación de arte contemporáneo, que incluye obras adquiridas con fondos de la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt, préstamos de coleccionistas nacionales y locales, y una serie rotativa de obras de arte de la propia colección de Lenhardt. En 2021, la iniciativa se amplió para apoyar la diversificación de la colección de arte contemporáneo de Phoenix Art Museum mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyan a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones socialmente relevantes, incluidas las de personas negras, indígenas, latinx, y mujeres artistas, entre otros. Desde 2017, el Museo ha adquirido obras de arte de Shara Hughes, Arcmanoro Niles, Derek Fordjour y Rashid Johnson con fondos de la Iniciativa de Arte Contemporáneo Lenhardt.

About Rashid Johnson
Rashid Johnson (n. 1977, Chicago) es reconocido como una de las principales voces de su generación. Johnson compone meditaciones mordaces sobre la raza y la clase al tiempo que establece un vocabulario formal orgánico que fusiona varias tradiciones escultóricas y pictóricas. Aunque emplea materiales extraídos de contextos autobiográficos específicos, incluidos los relacionados con la vida imaginativa e intelectual afroamericana, y aunque su práctica tuvo sus inicios en la fotografía y el arte conceptual, Johnson está igualmente interesado en probar la capacidad de los lenguajes visuales abstractos para comunicarse a través de fronteras culturales. La amplitud y generosidad de su visión ha dado como resultado una amplia gama de objetos, instalaciones, videos y performances bidimensionales y tridimensionales. Johnson ha sido objeto de exposiciones individuales en instituciones incluyendo el Museo Tamayo, Ciudad de México (2019); Aspen Art Museum, Colorado (2019); Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City (2017); Milwaukee Art Museum (2017); Garage Museum of Contemporary Art, Moscú (2016); and Drawing Center, Nueva York (2015). His work is in the permanent collections of the Whitney Museum of American Art, Nueva York; Guggenheim Museum, Nueva York; Los Angeles County Museum of Art; the Museum of Contemporary Art, Chicago y Phoenix Art Museum.

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PHOENIX (22 DE DICIEMBRE DE 2021) – El 6 de diciembre de 2021, Arizona Costume Institute (ACI), una asociación afiliada del Museo de Arte de Phoenix, celebró el regreso del Almuerzo Navideño anual presentando al ganador del premio Emmy, diseñador Michael Costello, como orador principal. El almuerzo precencial fue el primer evento importante organizado en el Museo de Arte de Phoenix desde su cierre en marzo de 2020 causado por la pandemia de COVID-19. El evento, que agotó las entradas, dio la bienvenida a más de 350 invitados y recaudó un récord de más de $300,000 en apoyo vital para el Museo y su departamento de diseño de moda.

“Estamos muy agradecidos con el consejo directivo del Arizona Costume Institute y sus miembros por el generoso apoyo y las aportaciones continuas al Phoenix Art Museum, en particular durante el último año y medio cuando el museo enfrentó desafíos increíbles debido a la pandemia”, dijo Mark Koenig, director interino de Sybil Harrington y director ejecutivo del Museo de Arte de Phoenix. “Durante más de 60 años, ACI ha apoyado nuestra colección de diseño de moda y, una vez más, el Almuerzo Navideño ha recaudado fondos que son vitales y beneficiarán las exhibiciones de diseño de moda y los programas educativos para nuestra comunidad. Extendemos nuestro más profundo agradecimiento y felicitaciones a las presidentas de este evento, Donna Johnson y Lisa Shapiro, y a todo el comité organizador por crear un evento verdaderamente memorable”.

Costello, el orador principal del evento, es un diseñador que se entrenó a si mismo, que empezó a dibujar vestidos en las paredes de su cuarto cuando tenía 2 años de edad, y a los 15 años, abrió su primera boutique. Mientras muchos lo reconocerán por el show de televisión, Project Runway, desde entonces Costello ha construido un masivo imperio al ayudar a mujeres de todas las formas y tamaños a sentirse hermosas. Sus exquisitos vestidos han dominado todas las prestigiosas entregas de premios de alfombra roja, desde los GRAMMY hasta los Oscar, y el diseñador ha vestido a Beyoncé, JLo, Lady Gaga, Kate Hudson y muchas otras. Sus diseños han aparecido en publicaciones de moda internacionales, como Vogue, Women’s Wear Daily, la sección de estilo de The New York Times, Harper’s Bazaar y Apparel News, y varios de sus vestidos están en exhibición en el Museo GRAMMY

Además de la entrevista organizada entre Costello y Helen Jean, la curadora de diseño de moda de Jacquie Dorrance en el Museo de Arte de Phoenix, modela vistiendo los diseños más notables de Costello caminando entre los invitados del almuerzo, quienes disfrutaron en persona la vista de cerca de sus impresionantes creaciones. El elegante evento también tuvo una recepción con champán, un almuerzo de dos platos y un sorteo con artículos de lujo de diseñadores de alta gama, de reconocidas boutiques y negocios locales y nacionales.

Para ver imágenes (con IDs en los comentarios) del evento ACI 2021 Holiday Luncheon, click here

Comité Organizador del Almuerzo Navideño

ACI 2021

PRESIDENTES DEL COMITÉ

Donna Johnson
Lisa Shapiro

PRESIDENTA HONORARIA

Diane Halle

COMITÉ

Perrine Adams
Ronna Beeson
Lisa Bell
Matthew Boland
Jennifer Carmer
Libby Cohen
Oscar De las salas
Emily Dietz
Shawnee Doherty
Katherine Emery
Wendy Ferrell
Kati Festy-Sandor
Ann Fuller
Amanda Garmany
Lisa Geyser
Janet Henrich-Glaser
Jan Herwick
Dawna Holtz
Jill Krigsten Riley
Lynne Love
Barbara Lytle
Laura Madden
Kathie May
Mary Ellen McKee
Beth McRae
Priscilla Nicholas
Patti Oleson
Donna Pettigrew Hicks
Shirley Prest
Helene Presutti
Sherri Quinn
Marc Reed
Chrissy Sayare
Tracy Serena
Carol Shriber
Khamsone Sirimanivong
Amy Slethaug
Joy Sprink
Kelley Sucher
Lauri Termansen
Vicki Vaughn
DeeDee Vecchione
Kelly Welty

PATROCINADOR CORPORATIVO

Continuará… una boutique a consignación

PATROCINADORES

Main Dish

Miriam Sukhman

FORD/Robert Black Agency

Brenda Howard

Lauri Termansen

Trends Magazine

House Home & More

Psyne Co

Acerca del Arizona Costume Institute

Arizona Costume Institute fue fundado en 1966 para apoyar al departamento de diseño de moda del Museo de Arte de Phoenix a través de la adquisición y preservación de prendas y accesorios de importancia histórica y estética y a través de eventos y esfuerzos de recaudación de fondos que apoyan y profundizan el conocimiento de las exhibiciones de diseño de moda del Museo y programas de educación. El apoyo a esta área de colección de ACI, depende del entusiasmo de voluntarios dedicados. El presidente del Consejo de Gerentes de ACI 2021 es Khamsone Sirimanivong. Para aprender más acerca del Arizona Costume Institute, favor de visitar  arizonacostumeinstitute.org.

Acerca de la Colección de Diseño de Moda en el Museo de Arte de Phoenix

Fundada en 1966, la colección de diseño de moda del Museo de Arte de Phoenix se destaca por su calidad y amplitud. Más de 8,000 objetos componen la colección, incluyendo vestidos y accesorios para hombres, mujeres y niños estadounidenses y europeos, que datan desde finales  del siglo XVII hasta el presente. El Museo organiza dos exhibiciones de moda al año, que son curadas por Helen Jean, la Curadora de la institución Diseño de Moda Jacquie Dorrance, y se presentan en la Galería de Diseño de Moda Kelly Ellman. Phoenix Art Museum es uno de los únicos siete museos de arte en los Estados Unidos con un programa de diseño de moda largo y continuamente activo.

Acerca del Museo de Arte de Phoenix

Desde 1959 el Museo de Arte de Phoenix le ha dado, a millones de visitantes, acceso al arte de categoría mundial y experiencias con la intención de despertar la imaginación, crear conexiones significativas y servir como un espacio atrevido para todas las personas que deseen experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de la ciudad, el museo es un destino vibrante para las artes visuales y el museo de arte más grande del suroeste de Estados Unidos. Cada año más de 300,000 visitantes participan en estas aclamadas exposiciones, nacionales e internacionales y con la colección del museo, que cuenta con más de 20,000 obras de arte americano y del oeste americano, occidental, asiático, europeo, latinoamericano, moderno y arte contemporáneo y diseño de moda. El museo también presenta un amplio programa de cine, actuaciones en vivo y programas educativos integrales diseñados para promover el aprendizaje diseñados para visitantes de todas las edades, junto con vibrantes exposiciones de fotografías hechas posibles a la histórica asociación del Museo con el Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para aprender más sobre el Museo de Arte de Phoenix, visite nuestra página de internet que es completamente bilingüe (español e inglés) en phxart.org, o llame a 602.257.1880.

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PHOENIX (2 de diciembre de 2021) –Phoenix Art Museum anuncia la adquisición de Untitled Anxious Bruise Drawing (Dibujo ansioso de moretón sin título) (2021) del artista de Nueva York aclamado por la crítica Rashid Johnson. La obra es la más reciente adquirida por el Museo con fondos de la Dawn and David Lenhardt Contemporary Art Initiative (Iniciativa de Arte Contemporáneo Dawn y David Lenhardt) y fomenta la misión del Museo de diversificar sus colecciones de arte contemporáneo. Johnson, cuya obra se presentó recientemente en una exposición individual en la David Kordansky Gallery de Los Ángeles, es internacionalmente conocido por sus instalaciones abstractas y evocadoras, objetos bidimensionales y tridimensionales, vídeos y performances que exploran temas de historia social, historia del arte, filosofía y su propia autobiografía. Su obra es la cuarta adquirida por el Museo desde 2017 a través de la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo y se podrá ver en 2022.

“Estamos encantados de añadir la obra de Rashid Johnson a la colección de arte contemporáneo del Museo”, dijo Mark Koenig, el Director y CEO interino de Phoenix Art Museum, con subvención de Sybil Harrington. “Esta adquisición, que ha sido posible gracias a Dawn y David Lenhardt, proporciona una mayor diversidad a las experiencias y perspectivas representadas en la colección del Museo—sino que también hace avanzar nuestras colecciones de arte contemporáneo y garantiza que nuestra comunidad tenga acceso a algunos de los artistas más significativos y dinámicos que trabajan en la actualidad”.

Nacido en Chicago y radicado en Nueva York, Rashid Johnson estudió fotografía en el Art Institute of Chicago, pero desde entonces su práctica se ha ampliado para abarcar la escultura, la pintura, el dibujo, el cine y la instalación. A través de la creación de marcas espontáneas y no mediadas, su obra aborda las condiciones existenciales de su propia vida, así como la vida misma, dando lugar a composiciones que son tanto autobiográficas como metafóricas.

La última adquisición de Lenhardt, Untitled Anxious Bruise Drawing (Dibujo ansioso de moretón sin título) (2021) de Johnson, forma parte de una nueva serie de dibujos y pinturas del artista titulada Bruise (Moretón). La serie, que debutó recientemente en la exposición individual Black and Blue (Negro y azul) del artista en la David Kordansky Gallery de Los Ángeles, desarrolla los temas presentados en la serie Anxious Red (Rojo ansioso) de Johnson, que creó durante la pandemia para explorar la ansiedad, el aislamiento y la pérdida que sintieron muchos debido al COVID-19. Estas obras Bruise, entre las que se encuentra Untitled Anxious Bruise Drawing, utilizan composiciones cuadriculadas de rostros expresivos, medio geométricos, medio humanos, en varios tonos de azul, para evocar los sentimientos de secuelas, reflexión y curación que ahora se han apoderado de personas de todas las clases sociales, en todo el mundo. También se inspiran en el estado de ánimo y la letra del clásico de jazz de Fats Waller “Black and Blue”, que popularizó Louis Armstrong y que es un motivo importante de la novela de Ralph Ellison Invisible Man. De este modo, los cuadros reflejan no sólo el impacto inmediato de los violentos cambios sociales provocados por la pandemia y la intensificación de las hostilidades a través de las líneas políticas, sino también cómo los momentos y movimientos sociales actuales son indicativos de las desigualdades históricas en curso.

“En un periodo de tiempo relativamente corto, Rashid Johnson ha desarrollado una práctica intensiva que ha abarcado una amplia gama de medios”, dijo Gilbert Vicario, curador de arte moderno y contemporáneo del Museo. “Los Bruise Drawings (Dibujos de moretón) de Johnson, que forman parte de su obra más reciente, demuestran su capacidad de recurrir simultáneamente a la figuración y a la abstracción para evocar aspectos de la historia intelectual y de la identidad cultural afroamericana a través de la lente emotiva y psicológica de los últimos dos años”.

Se han presentado exposiciones individuales de la obra de Johnson a nivel nacional e internacional, entre ellas en el Museo Tamayo de la Ciudad de México; el Milwaukee Art Museum; el Garage Museum of Contemporary Art de Moscú; y el Drawing Center de Nueva York. Su primer largometraje, una adaptación de Native Son de Richard Wright, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance y se estrenó en 2019 en HBO, y su instalación interactiva y obra sonora está abierta hasta el otoño de 2021 en el MoMA PS1 de Queens, Nueva York. La obra de Johnson forma parte de las colecciones permanentes del Whitney Museum of American Art de Nueva York, del Guggenheim Museum de Nueva York, del Los Angeles County Museum of Art, del Museum of Contemporary Art de Chicago y, ahora, del Phoenix Art Museum.

“Dawn y yo estamos encantados de que el Phoenix Art Museum haya incorporado esta espectacular obra de Rashid Johnson a su colección”, dijo David Lenhardt, que también es vicepresidente de la Junta Directiva del Museo. “Las pinturas viscerales de Johnson suscitan conversaciones importantes y oportunas sobre las desigualdades sociales predominantes. Nos inspiran las formas en que Johnson utiliza su plataforma para ayudar a varias comunidades y cómo su práctica y sus compromisos cívicos inspiran a los artistas más jóvenes que trabajan hoy en día. Estamos agradecidos por la oportunidad de ayudar al Phoenix Art Museum a adquirir esta obra para que esté representada en la colección de arte contemporáneo de la institución a perpetuidad”.

Para más información acerca de esta nueva adquisición o sobre la Iniciativa Lenhardt de Arte Contemporáneo, póngase en contacto con la Oficina de Comunicación del Phoenix Art Museum llamando al 602.257.2105 o enviando un mensaje a samantha.andreacchi@phxart.org.

Acerca del Phoenix Art Museum
Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte estadounidense, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

Acerca de la Dawn and David Lenhardt Contemporary Art Initiative
Hecha posible gracias a la generosidad de la familia Lenhardt, con sede en Arizona, la Dawn and David Lenhardt Contemporary Art Initiative se estableció en 2017 para profundizar el compromiso del Museo con el arte contemporáneo a través de varios programas, a saber, las Conferencias Lenhardt, que permiten al público del Valle conocer a algunos de los artistas contemporáneos más aclamados del mundo; el Lenhardt Contemporary Art Acquisition Fund, que permite al Museo de Arte de Phoenix coleccionar obras de artistas contemporáneos; y la Dawn and David Lenhardt Gallery, una sala designada para la presentación de arte contemporáneo, incluyendo obras adquiridas con fondos de la Lenhardt Contemporary Art Initiative, préstamos de coleccionistas nacionales y locales, y una serie rotativa de obras de arte de la propia colección de los Lenhardt. En 2021, la iniciativa se amplió para apoyar la diversificación de la colección de arte contemporáneo del Phoenix Art Museum mediante la adquisición de obras de artistas que contribuyen a los discursos sobre raza, género y otras preocupaciones socialmente relevantes, incluidas las de artistas negrxs, indígenas, latinxs y mujeres, entre otros.

Desde 2017, el Museo ha adquirido obras de Shara Hughes, Arcmanoro Niles, Derek Fordjour y Rashid Johnson con fondos de la Lenhardt Contemporary Art Initiative. Desde 2018, las Conferencias Lenhardt anuales han presentado a los reconocidos artistas Jim Hodges, Shara Hughes, Daniel Joseph Martínez, Arcmanoro Niles, Teresita Fernández, Amalia Mesa-Bains y Derek Fordjour.

Acerca de Rashid Johnson
Rashid Johnson (n. 1977, Chicago) es reconocido como una de las principales voces de su generación. Johnson compone meditaciones mordaces sobre la raza y la clase social al tiempo que establece un vocabulario formal orgánico que fusiona diversas tradiciones escultóricas y pictóricas. Aunque emplea materiales extraídos de contextos autobiográficos específicos—incluidos los relacionados con la vida intelectual e imaginativa afroamericana—y aunque su práctica se inició en la fotografía y el arte conceptual, Johnson está igualmente interesado en poner a prueba la capacidad de los lenguajes visuales abstractos para comunicarse más allá de las fronteras culturales. La amplitud y generosidad de su visión ha dado lugar a una amplia gama de objetos bidimensionales y tridimensionales, instalaciones, vídeos y performances.

Además de presentar su exposición individual en septiembre de 2021 en la David Kordansky Gallery de Los Ángeles, Johnson estrenó obras de arte a gran escala encargadas por la Metropolitan Opera, que podrán verse en el teatro de la ópera durante la temporada 2021-2022. Recientemente se instaló una gran escultura al aire libre del artista en el Storm King Art Center de New Windsor, Nueva York. Stage (Escenario), la instalación interactiva y obra sonora de Johnson, estará abierta hasta el otoño de 2021 en el MoMA PS1 de Queens, Nueva York. Ha sido objeto de exposiciones individuales en instituciones como el Museo Tamayo, Ciudad de México (2019); el Aspen  Art Museum, Colorado (2019); el Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City (2017); el Milwaukee Art Museum (2017); el Garage Museum of Contemporary Art, Moscú (2016); y el Drawing Center, Nueva York (2015). Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del Whitney Museum of American Art, Nueva York; Guggenheim Museum, Nueva York; Los Angeles County Museum of Art; y el Museum of Contemporary Art, Chicago. Su primer largometraje, una adaptación de Native Son de Richard Wright, se estrenó en el Festival de Cine de Sundance y se estrenó en HBO en 2019. Johnson vive y trabaja en Nueva York.

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PHOENIX (9 de septiembre de 2021) – El 6 de diciembre de 2021, Arizona Costume Institute (el Instituto de Moda de Arizona) marca el regreso de su Almuerzo Navideño anual presentando al diseñador ganador de un premio Emmy, Michael Costello, como orador principal. Las entradas para el almuerzo en persona, el primer gran evento organizado en el Phoenix Art Museum desde el cierre de la institución en marzo de 2020 debido a la pandemia de COVID-19, están a la venta para el público.

Como diseñador autodidacta, Michael Costello empezó a dibujar vestidos en las paredes de su recámara desde la edad de 2 años y a los 15 ya había abierto su primera tienda. Aunque muchos lo reconocerán por la franquicia Project Runway  de Lifetime, desde entonces Costello ha creado un imperio enorme ayudando a las mujeres de todas las tallas y formas a sentirse bellísimas. Sus vestidos exquisitos han dominado todas las prestigiosas entregas de premios de la alfombra roja, desde los GRAMMY hasta los Oscar, y los han llevado estrellas como Beyoncé, JLo, Lady Gaga, Kate Hudson y otras. Sus diseños han aparecido en las principales publicaciones de moda, como Vogue, Women’s Wear Daily, The New York Times, Harper’s Bazaar y Apparel News, y varios de sus vestidos están expuestos en el GRAMMY Museum. Ahora, Costello sigue cautivando al mundo con sus impresionantes creaciones.

Además de la presentación de Costello, los  asistentes del Almuerzo Navideño del ACI de 2021 disfrutarán una recepción con champán, un almuerzo de tres platos y un sorteo de artículos de lujo de diseñadores, boutiques y empresas locales y nacionales.

Habrá aforo limitado para el Almuerzo Navideño de ACI 2021. Las entradas están disponibles aquí y van desde $200 a $1000 dólares, con oportunidades de patrocinio y de ser anfitrión de una mesa también disponibles. Toda la recaudación irá en beneficio de las exposiciones de moda, las adquisiciones y la programación educativa del Phoenix Art Museum. El Museo proporcionará información actualizada sobre las precauciones de COVID-19 en las semanas previas al evento.

Comité del Almuerzo Navideño del ACI de 2021

PRESIDENTAS DEL COMITÉ

Donna Johnson
Lisa Shapiro

PRESIDENTA HONORARIA

Diane Halle

COMITÉ

Perrine Adams
Ronna Beeson
Lisa Bell
Matthew Boland
Jennifer Carmer
Libby Cohen
Oscar De las salas
Emily Dietz
Shawnee Doherty
Katherine Emery
Wendy Ferrell
Kati Festy-Sandor
Ann Fuller
Amanda Garmany
Lisa Geyser
Janet Henrich-Glaser
Jan Herwick
Dawna Holtz
Jill Krigsten Riley
Lynne Love
Barbara Lytle
Laura Madden
Kathie May
Mary Ellen McKee
Beth McRae
Priscilla Nicholas
Patti Oleson
Donna Pettigrew Hicks
Shirley Prest
Helene Presutti
Sherri Quinn
Marc Reed
Chrissy Sayare
Tracy Serena
Carol Shriber
Khamsone Sirimanivong
Amy Slethaug
Joy Sprink
Kelley Sucher
Lauri Termansen
Vicki Vaughn
DeeDee Vecchione
Kelly Welty

PATROCINADOR EMPRESARIAL

to be continued… una boutique de consignación

Acerca del Arizona Costume Institute

El Arizona Costume Institute (Instituto de Moda de Arizona) se fundó en 1966 para apoyar al departamento de diseño de moda del Phoenix Art Museum mediante la adquisición y conservación de prendas y accesorios de importancia histórica y estética, y a través de eventos y esfuerzos de recaudación de fondos que apoyan y profundizan el conocimiento de las exposiciones de moda y los programas educativos del Museo. El apoyo de ACI a esta área de la colección depende del entusiasmo de voluntarios dedicados. La presidenta de la Junta Directiva de ACI de 2021 es Khamsone Sirimanivong.  Para conocer más sobre el Arizona Costume Institute, visite arizonacostumeinstitute.org.

Acerca de la colección de diseño de moda de Phoenix Art Museum

Fundada en 1966, la colección de diseño de moda del Phoenix Art Museum se distingue por su calidad y amplitud. La colección consta de más de 8000 objetos, entre los que se incluyen vestidos y accesorios estadounidenses y europeos para hombres, mujeres y niños, desde finales del siglo XVII hasta la actualidad. El Museo organiza dos exposiciones de moda al año, que son curadas por Helen Jean, la Curadora de Diseño de Moda, con subvención de Jacquie Dorrance, de la institución, y presentadas en la Kelly Ellman Fashion Design Gallery. El Phoenix Art Museum es uno de los siete únicos museos de arte en los Estados Unidos con un programa de moda largo y continuamente activo.

Acerca de Phoenix Art Museum

Desde 1959, Phoenix Art Museum (el Museo de Arte de Phoenix) ha brindado acceso a experiencias de arte de talla mundial a millones de visitantes con el propósito de encender la imaginación, crear conexiones y ser un destino dinámico; un espacio valiente para toda persona que desee experimentar el poder transformador del arte. Ubicado en el Corredor Central de Phoenix, el Museo es un destino dinámico para las artes visuales además de ser el museo de arte más grande del suroeste de los Estados Unidos. Cada año, más de 350,000 visitantes interactúan con exposiciones de aclamo nacional e internacional y la colección del museo que cuenta con más de 20,000 piezas de arte americano, asiático, europeo, latinoamericano, del oeste estadounidense, moderno y contemporáneo, fotografía y diseño de modas. El Museo también presenta una amplia programación de filmes, performances en vivo y programas educativos confeccionados para visitantes de todas las edades, además de exposiciones dinámicas de fotografía que son posibles mediante la emblemática colaboración del Museo con el Centro para la Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona. Para mayores informes sobre el Phoenix Art Museum, visite phxart.org o llame al 602.257.1880.

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